{"lots":[{"startPrice":48000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27700/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27700/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27700/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27700/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"kneffel, karin \n 1957 marl \n \n \n titel: kirschen vii. \n \n datierung: 1995. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 150 x 150cm. \n \n bezeichnung: signiert, datiert und bezeichnet verso oben links: karin kneffel 1995 (f vii). \n \n provenienz: \n - galerie rüdiger schöttle, münchen \n - bremer landesbank (1995 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - galerie rüdiger schöttle, münchen 1995 \n - kunsthalle tübingen, 2010 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. karin kneffel 1990-2010, kunsthalle tübingen, 2010, s. 12, abb. \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke, zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 112/113, abb. \n \n \n - das werk besticht durch seine anspruchsvolle ästhetische und bildanalytische qualität \n \n - verführung durch den oberflächenreiz koloristischer valeurs \n \n - das werk entstammt jener schaffensphase, in der kneffel weltweite aufmerksamkeit erlangte \n \n \n illusionen und ideale \n bekannt wird karin kneffel durch eine hyperrealistisch anmutende malweise in öl auf leinwand, die sie ausschließlich mit sehr feinem pinsel ausführt. anfang der 1990er jahre schafft sie kleinformatige tierporträts, mit denen sie sich die jahrhundertelang einer repräsentativen funktion folgende bildgattung aneignet, um nicht etwa herrscher und wohlhabende bürger, sondern hühner, schafe, und kühe in altmeisterlicher art zu veranschaulichen. schon hier unterläuft sie raffiniert die formalen und inhaltlichen bedingungen traditioneller malereiformen. mitte der 1990er jahre entstehen jene werke, die bis heute untrennbar mit dem namen der künstlerin in verbindung stehen: oft wandfüllende, sich auf bis zu sieben meter lange bildflächen erstreckende florale und fruchtige motive, wie etwa äpfel, pfirsiche oder weintrauben in extremer nahsicht. \n die riesigen formate mit ihren intensiv leuchtenden farben suggerieren eine irritierende plastizität - und stellen einen bezug her zur malerei des \"trompe l´oeil\", aber auch zu den plakativen darstellungsmodi der konsumorientierten popkultur bis hin zu gegenwärtigen, mit filtern verfremdeten digitalen bildern. \n die ehemalige meisterschülerin von gerhard richter vermag mit ihrer virtuosen technik mechanismen und möglichkeiten der illusionsbildung, aber auch die manierismen idealisierter gestaltung raffiniert auszuloten. dabei führt sie sowohl die malerei als klassisches medium täuschend echter wirklichkeitswiedergabe vor und reflektiert zugleich das unzuverlässige aussagepotenzial von bildern, die im dienst der vortäuschung einer welt des schönen scheins stehen. \n \n \n satte und saftige verführungsmomente \n das gemälde \"kirschen vii\" von 1995 entstammt jener schaffensphase, in der kneffel weltweite aufmerksamkeit erlangt mit werken, deren hohe ästhetische qualität einer selbstreflexiven, bildanalytischen auffassung folgt. \n das gezeigte kirschenpaar ist bildfüllend und somit überdimensioniert ins format gesetzt. die vollreife, rote frucht erscheint in vollkommen ebenmäßiger herzform, das satte, saftige fleisch ist von einer prallen, glänzenden haut umgeben. im hintergrund zeichnen sich stilisiert weitere kirschen ab und die ganze komposition besticht durch das kontrastierende rot vor dem grünen blattwerk. ungewiss bleibt, ob die kirschen in einem baum hängen: zweifel an einer natürlichen umgebung drängen sich auf. denn die meisterhaft ausgeführte malweise erzeugt - jenseits von naturalismus oder realismus - den irreführenden eindruck absoluter perfektion und makellosigkeit, der mit der realität einer natürlich gewachsenen, echten frucht unvereinbar ist. offensiv, fast obszön, schiebt sich die künstlichkeit des in knackigem koloristischen valeurs ausgeführten bildgegenstandes in den vordergrund. glatt und geschmeidig wie polierter stein, quietschbunt wie plastikspielzeug, erscheint der oberflächenschmelz durch die unnatürliche sehschärfe zugleich genussvoll gesteigert und verstörend aufdringlich. kneffel lockt den betrachter absichtsvoll auf die falsche fährte einer konstruierten, innerbildlichen realität, fordert ihn zur begegnung mit der eigenen unsicherheit auf. \n die unwiderstehliche anziehungskraft von kneffels werk, dessen machart den visuellen stimulus bis zur reinen blendung ausreizt, liegt genau in der hingabe an die sinnliche überwältigung, in der lust an der verführung. zugleich manifestiert sich in ihren gemälden die ambivalenz, die das wesen und die wirkungsweisen von malerei schlechthin betrifft und auch die widersprüchliche situation des betrachters zwischen wahrnehmung und wirklichkeit offenlegt. denn verhandelt wird immer die faszinierende und problematische glaubwürdigkeit des bildes in seiner eigenschaft als trugbild, das eine unwirkliche, imaginierte welt- und wunschvorstellungen in sich aufnehmende, realität erzeugt. mit den worten der künstlerin: \"geht es [in der kunst] um das erzeugen eines zweifels, um etwas, das man selber noch nicht ganz verstanden hat. das ist mein antrieb. kunstwerke erzeugen einen haltegriff, der im moment des zugreifens verschwindet.\" (kneffel, karin in: wedewer, susanne: \"blicke hinter die kulissen\", kritisches lexikon der gegenwartskunst, nr. 84, heft 27, münchen 2008, s. 4) \n bettina haiss. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n karin kneffel deutschland neorealismus hyperrealismus zeitgenössische kunst unikate 1990er früchte gemälde öl","en":"kneffel, karin \n 1957 marl \n \n \n title: kirschen vii. \n \n date: 1995. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 150 x 150cm. \n \n notation: signed, dated and inscribed verso upper left: karin kneffel 1995 (f vii). \n \n provenance: \n - galerie rüdiger schöttle, munich \n - bremer landesbank (in 1995 acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - galerie rüdiger schöttle, munich 1995 \n - kunsthalle tübingen, 2010 \n \n literature: \n - exhib. cat. karin kneffel 1990-2010, kunsthalle tübingen, 2010, p. 12, ill. \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke, zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, pp. 112/113, ill. \n \n \n - the work is characterised by its sophisticated aesthetic and image-analytical quality \n \n - seduction through the surface appeal of colouristic valeurs \n \n - the work originates from the creative phase in which kneffel gained worldwide attention \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n karin kneffel germany neorealism hyperrealism contemporary art 1990s fruits painting oil"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"1","title":{"de":"karin kneffel: kirschen vii","en":"karin kneffel: kirschen vii"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27700/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":90000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.184Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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vorheriger erworben) \n \n literatur: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 75, abb. \n \n \n - werktypische arbeit der späten 1990er jahre, bei der grosse erstmals mit sprühfarbe experimentiert \n \n - innovative herangehensweise einer der bedeutsamsten künstlerinnen der zeitgenössischen abstraktion \n \n - die arbeit besticht durch das in changierenden nuancen aufgetragene türkis \n \n \n \"malerei ermöglicht die gleichzeitigkeit von imaginieren und handeln in ungewöhnlicher weise [...].\" \n (grosse, katharina, in: ausst.-kat. katharina grosse - studio paintings. 1988-2022, mildred lane kemper art museum/kunstmuseum bern/kunstmuseum bonn, berlin 2022, s. 288) \n \n \n eine radikale erneuerin der abstrakten malerei \n katharina grosse gilt als ausnahmeerscheinung der internationalen kunstwelt, die sie seit den 1990er jahren wie im sturm eroberte. heute kann die 63-jährige künstlerin auf ein mannigfaltiges oeuvre zurückblicken. neben malerischen arbeiten ist grosse insbesondere für ihre raumgreifenden installationen bekannt, die die grenzen der zweidimensionalität sprengen und dabei ganze räume in ein meer aus farbe tauchen. ausgebildet in münster und düsseldorf, lebt und arbeitet grosse in ihrer wahlheimat berlin. die jüngste ausstellungshistorie der künstlerin veranschaulicht die aktualität ihres künstlerischen schaffens: erst 2024 zeigte das kunstmuseum bonn in kooperation mit dem kunstmuseum bern und dem mildred lane kemper art museum eine große überblicksausstellung der zwischen 1988 und 2023 entstandenen gemälde. 2025 widmen sich gleich zwei der großen deutschen museen dem werk katharina grosses: ab april die staatsgalerie stuttgart und ab juni die hamburger deichtorhallen. gefeiert für ihren einsatz von farbe, raum und materialität befinden sich ihre arbeiten am puls der zeit. \n ausgestattet mit einem abstrakten vokabular, schrillen farbkombinationen, ausladend expansiven bewegungen und heterogenen formen bietet grosse eine intuitive erfühlung der welt an. es geht ihr um die aktivierung malerischer oberflächen und untergründe, weniger um das suggerieren von kompositionellen bildräumen. folglich ist ihre malerei frei von jeglichem illusionismus herkömmlicher malerei. \n \n \n experimentieren mit neuen techniken \n gegen ende der 1990er jahre verändert sich grosses künstlerische praxis grundlegend: 1998 beginnt sie eine neue kompressorbetriebene sprühtechnik, einen schutzanzug und eine atemmaske tragend, anzuwenden. die art und weise, wie sich der farbnebel auf das trägermedium legt, spiegelt die körperliche handlung der künstlerin. ein impliziter abdruck ihrer bewegungen entsteht. die arbeit aus dem jahr 1999 ist in dieser, für grosse entscheidenden umbruchsphase entstanden und macht dieses werk zu einem vortrefflichen beispiel ihres experimentellen umgangs mit innovativer technik. \n die auf einen weiß bemalten grund aufgesprühte, türkis anmutende acrylfarbe erstreckt sich in heterogenen verdichtungen auf der aluminiumtafel. das mal intensiv deckend, mal sanft aufgetragene türkis vermittelt eine enorme farbliche brillanz. in seiner gestischen qualität evoziert die ungleichmäßig besprühte tafel ein gefühl von dynamik, das den ausdruck von grosses unmittelbarer körperbewegung aufgreift. mit dem einsatz der sprühtechnik, der faktischen trennung von farbe und trägersystem, führt sie das erbe von jackson pollock fort, der mit seinen berühmten \"drip-paintings\" ebenfalls auf distanz zur leinwand ging. doch grosse geht einen schritt weiter: in der unbetitelten arbeit von 1999 dehnt sie die grenzen der abstrakten malerei aus. das aufsprühen von farbe ermöglicht ihr die ästhetische erfahrbarkeit von farblichen schichten, heterogenen fragmentierungen und malerischen beziehungen noch intensiver zu erkunden. ihre technik ist umso mehr mit einer neu gewonnenen körperlichen freiheit gleichzusetzen. im gegensatz zu pollock und grosses weiteren vorgängern muss sie nicht länger zurücktreten, um die entwicklung des bildes, die türkisen farbexplosionen auf weißem grund, zu beurteilen. dabei nimmt sie die betrachtenden mit, die fähigkeiten von malerei und farbe gemeinsam auf sich wirken zu lassen. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n katharina grosse deutschland abstraktion zeitgenössische kunst unikate 1990er farbe malerei acryl","en":"grosse, katharina \n 1961 freiburg \n \n \n title: untitled. \n \n date: 1999. \n \n technique: acrylic on aluminium. \n \n measurement: 188 x 125cm. \n \n notation: dated and signed thrice verso: 1999 katharina grosse. here additionally equipped with work details. \n \n the work is registered under the number 1999_2086l at the artist's archive. we are grateful to the wunderblock doundation (katharina grosse archive), berlin, for the kind support. \n \n provenance: \n - galerie sfeir-semler, hamburg \n - bremer landesbank (in 2000 acquired from the previous owner) \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 75, ill. \n \n \n - work typical of the late 1990s, in which grosse experimented with spray paint for the first time \n \n - innovative approach by one of the most important artists of contemporary abstraction \n \n - the work captivates with its turquoise colour applied in iridescent nuances \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n katharina grosse germany abstraction contemporary art 1990s colour painting acrylic"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"2","title":{"de":"katharina grosse: ohne 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naturphänomenen betreibt herbert brandl, der zu den wichtigsten österreichischen vertretern des neoexpressionismus gehört, die erschließung von farb- und lichträumen in der malerei. die abstraktion von zerklüfteten felsen, reißenden wasserfällen, dichten wäldern oder scharfkantigen bergkristallen dient zur eröffnung assoziativer freiräume, die eine metaphysische dimension berühren. mit seinen gemälden thematisiert brandl so die menschliche verortung in der welt und beziehung zum kosmos. \n die anschauung der landschaft weicht einer individuellen auffassung dieser als projektionsfläche für seelenzustände. brandls ausführung entspricht einer emotionalen entäußerung, bei der die realitätsgetreue darstellung der landschaft einer subjektiven stimmung weicht. den abstraktionen brandls ist eine romantische vorstellung von einer naturidylle eingeschrieben. jenseits des sujets wird die malerei selbst zum sehnsuchtsort. \n in brandls jüngeren werken tritt die form vollkommen hinter der farbe zurück. explosive malerische äußerungen, von expressiven gesten vollzogen, schöpfen aus der unmittelbaren ausdruckskraft der farbmaterie, die sich in der spontanen körperlichen aktion entlädt. \n \n \n auflösung von gegenständlichkeit und fluss der pinselstriche \n so ist das motiv des vorliegenden gemäldes kaum bestimmbar. sind exotische blüten dargestellt, die durch das dichte grüne blätterwerk des dschungels aufleuchten? in eine reine impression verwandelt, dominiert ein farblicher dreiklang aus magenta, petrol und gelb das bild. die zweidimensionalität der leinwand wird durch einen wechselnden tiefeneindruck durchbrochen, der einzig durch farbperspektivische effekte zustande kommt: in der wahrnehmung suggerieren die warmen rot- und gelbhaltigen farben eine nähe, während die kalten, türkishaltigen farben eher in der ferne verortet werden. vor- und zurückspringende pinselstriche versetzen die bildfläche in vibrierende bewegung. das intensive flimmern des kolorits erinnert an monets flüchtige beobachtungen seines gartens in giverny oder an die ekstatische glut wirbelnder farbstrudel, mit denen william turner licht und atmosphäre schafft. \"[.] im grunde geht es mir darum, ob ein flirren entsteht, ob es eine harmonie gibt und ob die pinselstriche einen fluss kriegen und miteinander kommunizieren.\" (herbert brandl zit. nach \"es ist alles verbunden, wie ein riesiger körper\" in: kurier, 26.01.2020). \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n herbert brandl österreich neue wilde nachkriegskunst unikate 2010er abstrakt gemälde öl farbe","en":"brandl, herbert \n 1959 graz/austria \n \n \n title: untitled. \n \n date: 2016. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 200 x 300cm. \n \n notation: signed and dated verso upper left: brandl 2016. \n \n provenance: \n - galerie bärbel grässlin, frankfurt a.m. \n - private collection hesse (in 2015 acquired from the previous owner) \n \n \n - powerfully gestural painting of an impression of nature \n \n - the painting as an expressive space of colour and light \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n herbert brandl neue wilde post-war art post war 2010s abstract painting oil colour"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"3","title":{"de":"herbert brandl: ohne titel","en":"herbert brandl: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27702/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":60000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.470Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":27702,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post 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privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - spies, werner (hrsg.): max ernst - oeuvre-katalog, werke 1954-1963, houston/köln 1998, wvz.-nr. 3378, abb. \n \n \n - lange zeit in besitz der familie des künstlers \n \n - ein persönliches statement, das die bedeutung vincent van goghs für max ernst belegt \n \n - erstmals auf dem kunstmarkt angeboten \n \n \n \"wenn die kunst ein spiegel der zeit ist, so muss sie wahnsinnig sein\" \n (max ernst zit. nach www.kunstzitate.de) \n \n \n das \"theatrum mundi\" als kunstprinzip \n das künstlerische schaffen und wirken max ernsts kurz zu fassen, ist kaum möglich. mehr als 65 jahre als künstler aktiv, ist er in der ersten hälfte des 20. jahrhunderts teil der avantgarde, die er über weite strecken mitprägt. \n max ernst wächst im rheinischen brühl unweit von köln auf. sein vater, ein taubstummenlehrer und selbst talentierter hobbymaler, bringt seinem sohn die ersten grundlagen der malerei bei. der kleine ort brühl ist geprägt durch das imposante, barocke schloss augustusburg, das der spätere künstler in seiner jugend jeden tag vor augen hat. und es scheint, als ob er das barocke prinzip des \"theatrum mundi\" zu seinem eigenen leitfaden gemacht hat. alles in der welt sichtbare (und sogar das unsichtbare) kann künstlerisch interpretiert, gewandelt und verwertet werden. alles wird bedeutungsträger und zugleich wird die kunst zum leben schlechthin. \n \n als max ernst das hier vorgestellte gemälde 1958 malt, hat er die kunstgeschichte vor dem hintergrund der europäischen geschichte der ersten hälfte des 20. jahrhunderts nachhaltig mitgestaltet: als autodidakt kann der junge student der bonner philosophischen fakultät schnell erste anerkennung als maler finden. in den jahren nach dem ersten weltkrieg, in dem er selbst als soldat kämpfen muss, wird er als \"dadamax\" an der seite von hans arp und johannes theodor baargeld wichtiger motor für die internationale kunstbewegung dada in deutschland. dada knüpft auch verbindungen und schafft netzwerke, die max ernst 1921 nach paris führen. bis weit in die 1930er jahre prägt er dort die kunst des surrealismus mit. er entwickelt neue maltechniken wie die \"frottage\" und die \"grattage\", die seine malerei fortan prägen. auch die technik des \"drip-paintings\" geht auf max ernst zurück. in der papiercollage entdeckt der künstler eine ihm besonders eigene, surreale ausdrucksmöglichkeit. wohl auch durch seinen nachbarn und freund alberto giacometti inspiriert, schafft max ernst seit den 1930er jahren zudem auch ein großes plastisches gesamtwerk. in nazi-deutschland als \"entartet\" diffamiert, wird ihm auch die neue heimat frankreich feindlich. max ernst wird mehrfach interniert, kann fliehen und kommt 1941 mit hilfe seiner späteren ehefrau peggy guggenheim in die usa. dort arbeitet er weiter surrealistisch; 1948 erhält er die amerikanische staatsbürgerschaft. 1951 ehrt seine heimatstadt brühl den maler mit der ersten großen retrospektive: natürlich im schloss augustusburg. 1953 kehrt max ernst endgültig nach frankreich zurück. im folgejahr wird er mit dem preis für malerei der 27. biennale von venedig ausgezeichnet. 1958 erhält max ernst seine dritte, die französische staatsbürgerschaft. der künstler nimmt an den ersten drei documenta-ausstellungen in kassel teil und wird zu lebzeiten mit ausstellungen und retrospektiven von den bedeutendsten institutionen geehrt. max ernst stirbt 1976 in paris. heute gehört sein malerisches, plastisches und graphisches werk weltweit zum festen kanon der führenden museen für moderne kunst. \n \n \n max und vincent \n als farbiges, pastoses flirren begegnet uns diese kleinformatige arbeit. gelb herrscht vor; in der oberen bildhälfte kombiniert mit blau und ihrer beider mischfarbe grün. das untere linke bildviertel wird von orange-rot dominiert. in diesem farbflimmern fällt die runde blaue kontur ins auge, die ein kleines rotes, von schwarzem schatten umgebenes zentrum hat. in max ernsts bildwelt ist die kreisrunde form als sonne, vollmond oder sonstiger planet vertraut, begegnet aber auch als iris mit stecknadelkopfkleiner pupille. es ist evident, dass das runde hier auch an eine weibliche brust erinnert. max ernsts kunst fordert den betrachter immer zu freier assoziation auf; hier gibt der maler aber ausnahmsweise einen deutlichen hinweis zur interpretation. unterhalb der runden form steht in weißer zu blauer schrift wechselnd: vincent. die buchstaben sind in der pastosen, farbigen unruhe nicht direkt erkennbar. auf der rückseite des gemäldes hat der maler die leinwand zudem betitelt: \"l'oeil de vincent\" (vincents auge). tatsächlich erinnern der nervös flimmernde farbauftrag wie auch die verwendete farbpalette stark an gemälde vincent van goghs. der \"prototyp\" des zu lebzeiten unverstandenen künstlers, dessen werk heute zum kollektiven bildgedächtnis von generationen gehört, war ein wichtiges vorbild max ernsts. eines seiner ersten bekannten gemälde \"landschaft mit sonne\" (1909) zeigt die frühe nähe ernsts zum berühmten niederländer (abb. 1) und in einem zeitschriftenbeitrag von 1942 (ford, charles henry (hrsg.), view: through the eye of poets. max ernst sondernummer. serie nr. i, new york, april 1942), in dem max ernst seine liebsten dichter und maler typographisch darstellt, ist van gogh als einem der wenigen modernen ein platz sicher (abb. 2). im entstehungsjahr des gemäldes 1958, erlangt max ernst die französische staatsbürgerschaft. auch diese zweite heimat verbindet ihn mit seinem vorbild. \n ist die schrift im bild einmal gesehen, fühlt sich der betrachter herausgefordert: ist da nicht noch mehr verborgenes zu lesen? einzelne buchstaben tauchen in dem farbgewirr scheinbar auf und verschwinden. das kleine bild entwickelt großes suggestions-potential und scheint ein humorvolles augenzwinkern max ernsts zu vermitteln, der diese arbeit vermutlich als ein persönliches statement schuf. so ist es nicht verwunderlich, dass das gemälde lange im besitz der familie des künstlers blieb. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n max ernst frankreich rheinischer expressionismus dadaismus surrealismus moderne kunst unikate 1950er rahmen farbe gemälde öl","en":"ernst, max 1891 bruehl - 1976 paris \n \n \n title: \"l'oeil de vincent\". \n \n date: 1958. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 24 x 16cm. \n \n notation: titled, signed and dated verso: l'oeil de vincent max ernst 58. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - henrike pretzell collection, cologne (directly from the artist) \n - private collection japan (ca. 1990 acquired from the previous owner) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - spies, werner (ed.): max ernst - oeuvre-katalog, werke 1954-1963, houston/cologne 1998, cat. rais. no. 3378, ill. \n \n \n - long owned by the artist's family \n \n - a personal statement that proves the importance of vincent van gogh for max ernst \n \n - offered on the art market for the first time \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n max ernst rhenish expressionism dadaism surrealism modern art 1950s framed colour painting oil"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"4","title":{"de":"max ernst: \"l'oeil de vincent\"","en":"max ernst: \"l'oeil de vincent\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27703/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":65000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.489Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27703,"category":{"de":"Mod. 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(hier abweichend betitelt: monturi mit segmenten) \n - grohmann, will: willi baumann - leben und werk, köln 1963, wvz.-nr. 1546, abb. \n - ausst.-kat. baumeister, galerie beyeler, basel 1978, kat.-nr. 42 \n - ausst.-kat. willi baumeister, leonard hutton galleries, new york 1978/79, s. 29, kat.-nr. 21, abb. \n - ausst.-kat. willi baumeister 1945-1955, württembergischer kunstverein, stuttgart 1979, s. 137, kat.-nr. 51 \n \n \n - baumeisters werk hat die weiterentwicklung der abstrakten kunst nach 1945 entscheidend vorangetrieben \n \n - heitere komposition mit hoher poetischer aussagekraft \n \n - ausdruck von baumeisters erkundungen des unbekannten und unbegreiflichen \n \n \n das unbekannte in der kunst \n in seinem buch \"das unbekannte in der kunst\", das zwischen 1943 und 1944 verfasst und 1947 veröffentlicht wird, bereitet willi baumeister die grundlagen für einen neuanfang der kunst. aus der inneren emigration formuliert er seine vision einer erlösung der kunst: \"der originale künstler verlässt das bekannte und das können. er stößt bis zum nullpunkt vor. hier beginnt sein hoher zustand.\" (baumeister, willi: das unbekannte in der kunst, 3. überarb. auflage, köln 1988, s. 138) baumeister, dessen künstlerisches werk die weiterentwicklung der abstrakten kunst nach 1945 entscheidend vorantreibt, zählt zu den bedeutendsten künstlern der deutschen nachkriegsmoderne. kurz nach dem ende des zweiten weltkriegs verteidigt er zeitgenössische tendenzen der gegenstandslosigkeit gegen den vorwurf vom \"verlust der mitte\" (hans sedlmayr). nach seiner auffassung einer absoluten, von jeder abhängigkeit und zielgerichtetheit entbundenen kunst, entspringt das wahre kunstwerk dem vitalen forscherdrang des künstlers, der aus einem unbedingten lebenswillen heraus notwendig wird. \n \n \n lebenslange entdeckungsreise \n der originale künstler setzt am nullpunkt seiner existenz an, lässt erfahrung und anwendung hinter sich. er begibt sich ohne vorbild, gleichsam blind, auf die suche, um zu finden - und ist sich dabei ständig auf der spur. in seiner lebenslangen entdeckungsreise strebt baumeister, der 1955 im atelier während der arbeit an einem werk verstirbt, unermüdlich danach, dem unsichtbaren und unbegreiflichen ausdruck zu verleihen. \n für baumeister ist die auseinandersetzung mit dem schöpfungsprozess zugleich motivation und motiv. seine werke treten als äußerungen einer dynamik kreativer kräfte in erscheinung. in ihnen fallen mikroskopische und makrokosmische erscheinungsformen zusammen in einer universellen metamorphose der kunst. diese stets offene herangehensweise und ihre offenbarungen zeichnet vor allem baumeisters letzte werke aus. so folgen die künstlerischen formerfindungen der zwischen 1953 und dem todesjahr des künstlers entstandenen, zugleich kontrastierenden und komplementären serien \"monturi\" und \"montaru\" dem antrieb fortdauernder genese und permanenter entfaltung. mit den titelgebenden wortschöpfungen ergänzt er seine rein abstrakten formen auf einer lautmalerischen ebene, in der klänge die bildwirkung unterstreichen. \n \n \n existenzielle strukturen und \"immer neue formungen\" \n den zentralen anziehungspunkt von \"monturi, diskus (mit segmenten)\" von 1954 bildet eine weiße kreisförmige fläche; am unteren bildrand ist eine weitere, angeschnittene scheibe angelegt. wie zwei sich umkreisende himmelskörper, deren unregelmäßige konturen an die eruptive oberfläche der sonne denken lassen, schweben sie auf dem hellbeigen, mit sand angemischten grund. auf dem oberen rand des prominenten runds, balanciert eine zarte figur wie ein vogel mit ausgebreiteten flügeln. schwarze linien bewegen sich tastend über die bildfläche, filigran wie fäden. im gegensatz zu den losen, unbestimmten graphischen setzungen vermitteln die farbigen segmente einen eindruck von gegenständlichkeit oder materialität: wie papierausrisse durchbrechen sie collageartig die einheitlich weißen bereiche. \n die heitere komposition ergibt sich aus dem bewegten zusammenspiel sich austarierender elemente und spannungsfelder. gegensätze wie positiv - negativ, schwarz - weiß, farbe - form, fläche - linie sind existenzielle strukturen, die auf den entwurf einer künstlerischen ordnung, einem weltbild gleich, verweisen. sie behaupten sich als manifestationen von baumeisters erkundungen \"immer neuer formungen, aus denen die welt des sichtbaren unsichtbar besteht.\" (ebd. s. 138) \n gegenständliche andeutungen eröffnen freie assoziationsspielräume, erinnern an die primitive organisation von zellen und mikroorganismen, aber auch an archaische urformen. striche kreuzen und bündeln sich, werden zu sternen, haaren oder federn. ebenso wie die eigenwillig chiffrenhafte bildsprache von joan miró von einem materiellen wie geistigen werden und wandel zeugt, führt auch baumeister in seinen werken ein variantenreiches poetisches vokabular vor, in dem das bekannte ausgeschaltet wird zugunsten verrätselnd sich durchdringender kunst- und lebensformen: baumeister begreift diese als zeichen jener schöpferischen naturkräfte, die dem unbekannten gestalt verleihen. \n bettina haiss. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n willi baumeister deutschland zen 49 abstraktion moderne kunst unikate 1950er modellrahmen formen gemälde mischtechnik abstrakt","en":"baumeister, willi stuttgart 1889 - 1955 \n \n \n title: monturi, diskus (mit segmenten). \n \n date: 1954. \n \n technique: oil, synthetic resin and sand on fibreboard. \n \n measurement: 185 x 129cm. \n \n notation: signed and dated lower right: baumeister 3 54. verso bottom equipped with stamp: atelier willi baumeister. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - estate willi baumeister \n - galerie michael hertz, bremen \n - corporate collection germany (in 1981 acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - galerie beyeler, basel 1978 \n - leonard hutton galleries, new york 1978/79 \n - württembergischer kunstverein, stuttgart 1979 (label) \n \n literature: \n - beye, peter/baumeister, felicitas: willi baumeister - werkkatalog der gemälde ii, ostfildern ruit 2002, cat. rais. no. 2004, ill. (here differntly titled: monturi mit segmenten) \n - grohmann, will: willi baumann - leben und werk, cologne 1963, cat. rais. no. 1546, ill. \n - exhib. cat. baumeister, galerie beyeler, basel 1978, cat. no. 42 \n - exhib. cat. willi baumeister, leonard hutton galleries, new york 1978/79, p. 29, cat. no. 21, ill. \n - exhib. cat. willi baumeister 1945-1955, württembergischer kunstverein, stuttgart 1979, p. 137, cat. no. 51 \n \n \n - baumeister's work decisively advanced the further development of abstract art after 1945 \n \n - cheerful composition with high poetic expressiveness \n \n - expression of baumeister's exploration of the unknown and incomprehensible \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n willi baumeister germany zen 49 abstraction modern art 1950s craftman's frame shapes painting mixed media abstract"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"5","title":{"de":"willi baumeister: monturi, diskus (mit segmenten)","en":"willi baumeister: monturi, diskus (mit segmenten)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27704/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart_PaintingsandMixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":280000,"soldPrice":400000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.522Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac350,000 - \u20ac500,000","currency":"EUR","id":27704,"category":{"de":"Mod. 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privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - vgl. kaufmann, susanne: im spannungsfeld von fläche und raum. studien zur wechselwirkung von malerei und skulptur im werk von max ernst, weimar 2003, nr. 104 \n - vgl. pech, jürgen: max ernst. plastische werke, köln 2005, s. 208-211, abb. \n \n \n - die bronze gehört zu den wichtigsten skulpturen aus dem spätwerk des künstlers \n \n - beeindruckende dichte der künstlerischen ideen max ernsts gebündelt in einer plastik \n \n - weitreichende kunsthistorische bezüge bis hin zu den anfängen des surrealismus \n \n \n max ernst - ein jahrhundertkünstler \n max ernst prägt die kunstgeschichte des 20. jahrhunderts wie kaum ein anderer künstler. ausgehend von seiner 1911 entstandenen freundschaft zu august macke und der großen anerkennung, die er für seine ersten werke durch den freundeskreis mackes erfährt, beschließt ernst sich ohne akademische ausbildung der malerei zuzuwenden. besonders künstler wie vincent van gogh und caspar david friedrich, die mit den traditionellen sehgewohnheiten der malerei brechen und so das zeitalter der modernen kunst einläuten, üben eine große faszination auf den autodidakten ernst aus. \n nachdem er 1919 - unter anderem gemeinsam mit hans arp - an der gründung der dada-gruppe in köln maßgeblich beteiligt ist, wandert er 1922 endgültig nach frankreich aus, um sich dort den surrealisten um andré breton anzuschließen. nachdem ernst in köln mit der dada-gruppe bereits avantgardistische und radikale kunst geschaffen hat, fasziniert ihn am surrealismus besonders die betonung des unbewussten, des traumhaften und des irrationalen. \n \n \n der surrealismus & freud: eine kreative allianz \n der surrealismus formiert sich ausgehend vom dadaismus als künstlerische reaktion auf die schrecken des ersten weltkriegs. die surreale plastik soll dabei kein realitätsgetreues abbild darstellen, sondern die tür zur freien assoziation öffnen - ein konzept, welches eng mit der freud'schen psychoanalyse verbunden ist. ausgehend von freuds annahme, dass sich im unterbewussten ängste, träume und triebe materialisieren, ist es erklärtes ziel des surrealismus über kunst einen zugang zu dieser bewusstseinsebene zu schaffen. surrealistische skulptur wird so zur bühne, auf der freuds konzepte körperlich in szene gesetzt werden. \n \n \n der janus-vogel \n die 1974 entstandene arbeit \"l'oiseau janus\" von max ernst zählt zu den herausragenden plastiken aus dem spätwerk des künstlers und darf als direkte fortführung von giacomettis scheibenplastiken aus den späten 1920er jahren verstanden werden (abb. 1). giacomettis reliefartige scheibenplastiken brechen mit der klassischen bildhauerischen tradition, laden sie mit psychischen, symbolischen und surrealen inhalten auf und eröffnen völlig neue wege, über form, fläche und bedeutung nachzudenken. \n die vorliegende arbeit weist eine vielzahl von bezügen zu den künstlerischen ideen ernsts auf und kann so als zentrales ergebnis jahrzehntelanger auseinandersetzung künstlerischer grundfragen gelesen werden. das vogelmotiv spielt im oeuvre des künstlers eine zentrale rolle und wird hier in der traditionellen doppelgesichtigen darstellungsweise des römischen gottes janus, der für den anfang und das ende steht, umgesetzt. ausgehend von einem erlebnis in der kindheit des künstlers - ein vom jungen max ernst sehr geliebter vogel verstarb im zeitraum der geburt seiner jüngeren schwester - findet das motiv des vogels als symbol für den kreislauf des lebens und die unbestreitbare verflochtenheit von leben und tod immer wieder einzug in die arbeiten des künstlers. \n die beiden ansichten der arbeit \"l'oiseau janus\" zeigen darstellungen von mann und frau, deren primäre geschlechtsmerkmale vom künstler durch stilisierte tierformen dargestellt werden. ernst verwendete hierfür gipsabdrücke, die er mittels überarbeiteter spielzeugförmchen anfertigt. so entfernt ernst beispielsweise die füße des frosches und schafft eine phallusartige form, in der die ursprüngliche tierform aber erhalten bleibt (abb. 2). auf der weiblichen seite deuten zwei muscheln brüste an. besonders deutlich wird in der vorliegenden arbeit die additive arbeitsweise ernsts, bei der das gesamtobjekt aus mehreren individuellen einzelobjekten konstruiert wird. \n in \"l'oiseau janus\" kommen so alle wichtigen inhaltlichen punkte max ernsts künstlerischer position zur geltung: die gegenüberstellung von mann und frau, der vogel als symbol der universellen verflochtenheit von tod und leben, sowie der formale rückbezug auf die revolutionären scheibenplastiken giacomettis bündeln sich in der vorliegenden arbeit zu einer wunderbar reinen konzentration surrealistischer skulptur. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n max ernst frankreich rheinischer expressionismus dadaismus surrealismus moderne kunst objekte 1970er fantasiewesen plastik bronze","en":"ernst, max \n 1891 bruehl - 1976 paris \n \n \n title: l'oiseau janus. \n \n date: 1974 (draft). \n \n technique: bronze. \n \n measurement: 44 x ø 23cm. \n \n notation: signed and inscribed on the upper footing: max ernst epr. d'essai. \n \n foundry mark: below foundry mark a. valsuani cire perdu. \n \n number: épreuve d'essai. \n \n this work originated from an edition of 20 copies, 8 épreuves d'artiste and some épreuves d'essai. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - cf. kaufmann, susanne: im spannungsfeld von fläche und raum. studien zur wechselwirkung von malerei und skulptur im werk von max ernst, weimar 2003, no. 104 \n - cf. pech, jürgen: max ernst. plastische werke, cologne 2005, pp. 208-211, ill. \n \n \n - the bronze is one of the most important sculptures from the artist's late work \n \n - impressive density of max ernst's artistic ideas bundled into one sculpture \n \n - far-reaching art-historical references up to the beginnings of surrealism \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n max ernst rhenish expressionism dadaism surrealism modern art sculptures 1970s fantasy beings sculpture bronze"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"6","title":{"de":"max ernst: l'oiseau janus","en":"max ernst: l'oiseau janus"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27705/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":70000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.563Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - 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Objekte","en":"Modern Sculptures"},"estimateMin":50000},{"startPrice":48000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27706/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27706/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27706/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27706/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"picasso, pablo \n 1881 malaga - 1973 mougins \n \n \n titel: femme couchée. \n \n datierung: 1915. \n \n technik: bleistift auf papier. \n \n maße: 16 x 24,5cm. \n \n bezeichnung: von fremder hand bezeichnet verso. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n provenienz: \n - nachlass pablo picasso, paris \n - sammlung marina picasso, frankreich \n - galerie jan krugier, genf \n - sammlung konrad klapheck, düsseldorf \n \n ausstellungen: \n - haus der kunst, münchen 1981 \n - centro di cultura di palazzo grassi, venedig 1981 \n - josef-haubrich-kunsthalle, köln 1981 \n - städtische galerie im städelschen kunstinstitut, frankfurt 1981/82 \n - kunsthaus zürich, 1982 \n - the national museum of modern art, tokio 1983 \n - municipal museum, kyoto 1983 \n - fundazio de caixa, barcelona 1987 \n - jan krugier gallery, new york 1987 \n - tokyo station gallery, 1988 \n - the israel museum, jerusalem 1993 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. pablo picasso - eine ausstellung zum hundertsten geburtstag - werke aus der sammlung marina picasso, haus der kunst, münchen 1981, s. 283, kat.-nr. 101, abb. \n - ausst.-kat. picasso. opere dal 1895 al 1971 dalla collezione marina picasso, centro di cultura di palazzo grassi, venedig 1981, s. 246, kat.-nr. 121, abb. \n - ausst.-kat. picasso: masterpieces from the marina picasso collection and from museums in usa and ussr, the national museum of modern art, tokio 1983, s. 228, kat.-nr. 85, abb. \n - ausst.-kat. picasso: cubist works from the marina picasso collection, jan krugier gallery, new york 1987, kat.-nr. 42, abb. \n - ausst.-kat. pablo picasso: focused on cubist works from the marina picasso collection, tokyo station gallery, tokio 1988, kat.-nr. 30, abb. \n - ausst.-kat. picasso the draughtsman: 103 works from the marina picasso collection, israel museum, jerusalem 1993, kat.-nr. 32 \n \n \n - zeichnung aus der wichtigen kubistischen phase des einflussreichsten künstlers des 20. jahrhunderts \n \n - \"dokument\" mit sehr intimem charakter \n \n - erstklassige provenienz: marina picasso und konrad klapheck \n \n \n die mehrdimensionalität in der fläche \n als pablo picasso die vorliegende zeichnung 1915 fertigt, hat der 34-jährige die kunstwelt schon nachhaltig beeindruckt und grundlegend verändert. in seiner spanischen heimat kann der so talentierte maler im jahr 1900 bereits seine erste einzelausstellung feiern; der besuch der weltausstellung führt ihn aber in das kunst-mekka paris, das seine zweite heimat werden wird. dort sind die anfänge in den ersten jahren hart, auch wenn picasso schnell die galerist*innen berthe weill und ambroise vollard auf sich aufmerksam machen kann. gertrude und leo stein werden wichtige \"katalysatoren\" in picassos karriere und mitte der 1900er jahre ist der spanier nicht nur in künstlerkreisen geachtet, sondern auch finanziell konsolidiert. vor diesem hintergrund wagt er 1907 unerhörtes, als er die \"demoiselles d'avignon\" malt, das initial-gemälde des kubismus. das risiko ist groß und lange bleibt die verstörende ansicht der fünf nackten frauen allein dem freundeskreis picassos bekannt: die kunsthändler wilhelm von uhde und daniel-henry kahnweiler sowie guillaume apollinaire, andré derain, georges braque und henri matisse diskutieren intern über picassos radikal neue darstellung der welt. die maler derain und braque, später auch juan gris nehmen die idee der simultanen vielansichtigkeit in der zweidimensionalen malerei auf. 1909 bekommt der neue stil einen namen: der kubismus ist in der welt. etwa zehn jahre wird diese, den betrachter herausfordernde \"weltansicht\" für picassos werk prägend sein. ab 1910 wird pablo picasso auch im deutschen reich und in england, 1913 auch in den usa berühmt - im alter von 30 jahren liegt ihm die kunstwelt zu füßen. \n \n \n \"ma jolie\": eva gouel \n diese kubistische zeichnung der \"femme couchée\" wird in das späte jahr 1915 datiert. eine frau mit geschlossenen augen und ohne sichtbaren mund liegt auf einem bett. ihr gesicht ist auf ein schmales rechteck reduziert. schultergürtel, hals und dekolleté der ruhenden sind hartkantig und kubisch gezeichnet, wogegen die weich schraffierte rundung der nackten brust stark differiert. die linie links von dieser brust markiert die oberkante der bettdecke, unter der sich die zweite brust und der leib deutlich abzeichnen, während der verlauf der kontur der beine kaum angedeutet ist. die summarisch dargestellten füße der frau schauen unter der zudecke hervor. ihr linker arm ist parallel zu der vorderen bettkante sichtbar; ein welliger haarzopf unterbricht die strenge dieser linie. das bett selbst ist als geschlossener kasten gedacht und hat ein schräg aufgestelltes kopfteil. \n pablo picasso hat seine werke als \"einträge in sein persönliches tagebuch\" (nancy, hugues/widmaier picasso, olivier: picasso - l'inventaire d'une vie, arte 2013) bezeichnet und bei dieser zeichnung handelt es sich um ein ungewöhnlich intimes \"dokument\". es ist eva gouel (1885-1915, auch bekannt als marcelle humbert), die hier in ihrem krankenbett liegt. sie war seit 1912 picassos zweite lebensgefährtin nach fernande olivier. pablo picasso hat eva gouel kaum portraitiert; ihr name erscheint aber in verschiedenen seiner kubistischen werke als schriftzug oder als bildtitel: \"ma jolie\" (dies ist picassos kosename für eva gouel), \"violon 'jolie eva'\" oder \"guitar 'j'aime eva'\". 1915 erkrankt eva gouel schwer an tuberkulose und wird im november stationär ins krankenhaus von auteuil eingewiesen; dort besucht picasso sie täglich und zeichnet sie auch (abb. 1). am 14. dezember 1915 stirbt picassos \"jolie\", eva gouel. pablo picasso behält dieses blatt, das nach seinem tod in das eigentum seiner enkelin marina übergeht. es handelt sich um eine anrührende, sehr private zeichnung aus der kubistischen phase des einflussreichsten künstlers des 20. jahrhunderts. dass die zeichnung aus der provenienz des künstlers konrad klapheck stammt, gibt ihr noch eine zusätzliche historische dimension. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n pablo picasso spanien kubismus surrealismus moderne kunst unikate rahmen abstrakt papierarbeit bleistift figur / figuren","en":"picasso, pablo 1881 malaga - 1973 mougins \n \n \n title: femme couchée. \n \n date: 1915. \n \n technique: pencil on paper. \n \n measurement: 16 x 24,5cm. \n \n notation: inscribed by a hand other than that of the artist verso. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - estate pablo picasso, paris \n - marina picasso collection, france \n - galerie jan krugier, geneva \n - konrad klapheck collection, düsseldorf \n \n exhibitions: \n - haus der kunst, munich 1981 \n - centro di cultura di palazzo grassi, venice 1981 \n - josef-haubrich-kunsthalle, cologne 1981 \n - städtische galerie im städelschen kunstinstitut, frankfurt 1981/82 \n - kunsthaus zürich, 1982 \n - the national museum of modern art, tokyo 1983 \n - municipal museum, kyoto 1983 \n - fundazio de caixa, barcelona 1987 \n - jan krugier gallery, new york 1987 \n - tokyo station gallery, 1988 \n - the israel museum, jerusalem 1993 \n \n literature: \n - exhib. cat. pablo picasso - eine ausstellung zum hundertsten geburtstag - werke aus der sammlung marina picasso, haus der kunst, munich 1981, p. 283, cat. no. 101, ill. \n - exhib. cat. picasso. opere dal 1895 al 1971 dalla collezione marina picasso, centro di cultura di palazzo grassi, venice 1981, p. 246, cat. no. 121, ill. \n - exhib. cat. picasso: masterpieces from the marina picasso collection and from museums in usa and ussr, the national museum of modern art, tokyo 1983, p. 228, cat. no. 85, ill. \n - exhib. cat. picasso: cubist works from the marina picasso collection, jan krugier gallery, new york 1987, cat. no. 42, ill. \n - exhib. cat. pablo picasso: focused on cubist works from the marina picasso collection, tokyo station gallery, tokyo 1988, cat. no. 30, ill. \n - exhib. cat. picasso the draughtsman: 103 works from the marina picasso collection, israel museum, jerusalem 1993, cat. no. 32 \n \n \n - drawing from the important cubist phase of the most influential artist of the 20th century \n \n - 'document' with a very intimate character \n \n - first-class provenance: marina picasso and konrad klapheck \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n pablo picasso spain cubism surrealism modern art framed abstract works on paper pencil figure / figures"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"7","title":{"de":"pablo picasso: femme couchée","en":"pablo picasso: femme couchée"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27706/view","tags":["daFineart_DrawingsandPastels","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":60000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.572Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27706,"category":{"de":"Mod. 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(hier abweichend betitelt: blumenstillleben) \n - ausst.-kat. a. von jawlensky, neues museum, wiesbaden 1954, kat.-nr. 83 \n - ausst.-kat. frankfurter kunstkabinett, 1954, kat.-nr. 45 \n - ausst.-kat. kunst des 20. jahrhunderts, galerie bertram, bremen 1990, s. 18, abb. \n - ausst.-kat. alexej von jawlensky - reisen, freunde, wandlungen, museum am ostwall, dortmund 1998, nr. 286, abb. \n - ausst.-kat. alexej von jawlensky und sein kreis, galerie neher, essen 1991, s. 50/51, abb. \n \n \n - ein künstler von weltrang aus dem kreis des blauen reiters \n \n - herausragendes ölgemälde der letzten werkphase, das den berühmten meditationen in nichts nachsteht \n \n - das bild stammt ursprünglich aus der sammlung der bekannten malerin, mäzenin und galeristin hanna bekker vom rath \n \n \n \"als ich etwas erleichterung in meinen händen fühlte, malte ich gleich größere bilder, nur stilleben, meistens blumen. sie sind sehr schön in farben und haben großen erfolg bei den menschen.\" \n (alexej von jawlensky, erinnerungen, 1937, zit. nach: weiler, clemens: alexej jawlensky. köpfe - gesichte - meditationen, hanau 1970, s. 120) \n \n \n ein durch die zeitläufe geprägter lebensweg \n als mitglied der künstlergruppe \"blauer reiter\" und wegbereiter des expressionismus fand alexej von jawlensky eingang in die geschichte der kunst. 1896 von russland nach münchen übergesiedelt, wird er schnell zum teil der avantgardistischen kunstszene der metropole und revolutioniert die malerei mit seiner leidenschaftlichen verwendung von farbe und form. sein lebensweg ist geprägt von den wechselhaften politischen zeitläufen: nachdem er die jahre ab 1914 im schweizer exil verbracht hat, kehrt er 1921 nach deutschland zurück und lässt sich in wiesbaden nieder, wo sein malerisches spätwerk entsteht. die porträts, landschaften und stillleben von alexej von jawlensky zählen zu den hauptwerken der klassischen moderne. \n \n \n jawlensky und hanna bekker vom rath \n das \"große stillleben: blumenstillleben mit zwei vasen\" stammt aus der sammlung der bekannten malerin, mäzenin und kunsthändlerin hanna bekker vom rath. die bedeutende wegbereiterin der modernen kunst, deren haus im taunus in den dunklen jahren des nationalsozialismus zufluchtsort für zahlreiche künstler wird, spielt im leben von alexej von jawlensky eine bedeutende rolle. mitte der 1920er jahre lernt der künstler sie in wiesbaden kennen. sie wird ihm während der späten, von einem unheilbaren leiden geprägten jahre seines schaffens - 1929 erkrankte er schwer an arthritis, ab 1938 war er fast vollständig gelähmt - treu und unterstützend zur seite stehen. ihr ist die gründung der \"vereinigung der freunde der kunst alexej von jawlenskys\" zu verdanken, die dem maler mit der zahlung eines monatlichen einkommens das finanzielle überleben sichert. \"sie sollte mir auch eine treue freundin werden\", bemerkt jawlensky 1937 in seinen lebenserinnerungen. \"ich habe ihr vieles zu verdanken. in meiner schweren zeit der krankheit hat sie sich immer wieder als ein inniger freund gezeigt und mich und meine familie vor bitterer not bewahrt.\" (alexej von jawlensky, erinnerungen, 1937, zit. nach: weiler, clemens: alexej jawlensky. köpfe - gesichte - meditationen, hanau 1970, s. 120) \n \n \n das stillleben im spätwerk des künstlers \n das motiv des stilllebens rückt in der letzten werkphase neben den meditationen noch einmal in den mittelpunkt des schaffens von alexej von jawlensky, die serie der zwischen 1934 und 1937 entstandenen blumenbilder umfasst mehr als 180 ölgemälde. inzwischen muss der maler den pinsel aufgrund seiner krankheit mit beiden händen führen, doch initiiert die motorische einschränkung einen innovativen aufbruch, einen ungeahnten neuen reichtum in seiner malerei. die bisweilen laute dominanz der kraftvollen, leuchtenden farbpalette früherer jahre weicht nun einer tiefen, glutvollen und sonoren farbigkeit, die einstige präzision konturumschlossener formen dem ruhigen, meditativen rhythmus gleichmäßig gezogener pinselstriche. \n \n diese eindrucksvolle malweise der späten jahre prägt auch das \"große stillleben\". der künstler präsentiert zwei spätsommerliche blumensträuße mit eisenhut, dahlien und sonnenhut in blauen, nebeneinander platzierten vasen auf einer schmalen vordergrundbühne, der hintergrund wird vom takt der breiten, flächigen pinselführung rhythmisiert. und während die gleichzeitig entstandenen, den stillleben stilistisch eng verwandten meditationen auf die jenseitige welt vorausweisen, legen die späten blumenbilder zeugnis ab von dem sich immer mehr verengenden aktionsradius des künstlers, werden zu letzten malerischen symbolen der diesseitigen welt. das \"große stillleben: blumenstillleben mit zwei vasen\" aus der letzten lebensphase des herausragenden malers steht den großen meditationen in nichts nach. mit bildern wie diesen führt alexej von jawlensky sein malerisches werk zur vollendung. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n alexej jawlensky russland expressionismus moderne kunst unikate 1930er modellrahmen stillleben gemälde öl blumen","en":"jawlensky, alexej 1867 twer/moscow - 1941 wiesbaden \n \n \n title: großes stillleben: blumenstillleben mit zwei vasen. \n \n date: 1936. \n \n technique: oil on card with linen embossing. \n \n measurement: 45 x 35cm. \n \n notation: monogrammed in the lower left margin: a.j. additionally dated lower right: 36. signed, dated and inscribed (by a hand other than that of the artist) verso: a v. jawlensky. ix.1936. n.st.n.1. additionally illegibly inscribed (incised). \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n enclosed with the work is a photo expertise by maria jawlensky, alexej von jawlensky archiv sa, locarno, dated 31st march 1991. \n \n provenance: \n - hanna bekker vom rath, hofheim \n - stuttgarter kunstkabinett r.n. ketterer, auction, 20th/21st november 1959, lot 299 (label) \n - schrag collection, stuttgart \n - w. ketterer, munich, auction, 30th may 1989, lot 140 \n - galerie bertram, bremen \n - galerie thomas, munich \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection north rhine-westphalia (in 1991 acquired from the previous owner) \n - independent foundation in the care of the german foundation centre, essen \n \n exhibitions: \n - frankfurter kunstkabinett, frankfurt 1954 \n - kunstkabinett klihm, munich, 1954 \n - neues museum, wiesbaden 1954 \n - galerie bertram, bremen 1990 \n - galerie neher, essen 1991 \n - museum am ostwall, dortmund 1998 \n \n literature: \n - jawlensky, maria/pieroni-jawlensky, lucia/jawlensky, angelica: alexej von jawlensky - catalogue raisonné of the oil paintings, vol. 3 1934-1937, munich 1993, cat. rais. no. 2049 \n - weiler, clemens: alexej jawlensky, cologne 1959, cat. rais. no. 777, ill. (here differently titled: blumenstillleben) \n - exhib. cat. a. von jawlensky, neues museum, wiesbaden 1954, cat. no. 83 \n - exhib. cat. frankfurter kunstkabinett, 1954, cat. no. 45 \n - exhib. cat. kunst des 20. jahrhunderts, galerie bertram, bremen 1990, p. 18, ill. \n - exhib. cat. alexej von jawlensky - reisen, freunde, wandlungen, museum am ostwall, dortmund 1998, no. 286, ill. \n - exhib. cat. alexej von jawlensky und sein kreis, galerie neher, essen 1991, pp. 50/51, ill. \n \n \n - a world-class artist from the blue rider circle \n \n - outstanding oil painting from the last phase of his work, which is in no way inferior to the famous meditations \n \n - the painting originally came from the collection of the well-known painter, patron and gallery owner hanna bekker vom rath \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n alexej jawlensky russia modern art 1930s craftman's frame still life painting oil flowers"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"8","title":{"de":"alexej jawlensky: großes stillleben: blumenstillleben mit zwei vasen","en":"alexej jawlensky: großes stillleben: blumenstillleben mit zwei vasen"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27707/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"soldPrice":95000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.606Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - \u20ac150,000","currency":"EUR","id":27707,"category":{"de":"Mod. Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Modern Art"},"estimateMin":100000},{"startPrice":120000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27708/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27708/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27708/003/003.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"liebermann, max \n berlin 1847 - 1935 \n \n \n titel: aus dem grunewald. \n \n datierung: 1912. \n \n technik: öl auf malkarton. \n \n maße: 56,5 x 42,5cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten links: m liebermann 1912. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. \n \n provenienz: \n - otto hermann claass, königsberg (seit 1914) \n - paul cassirer, berlin (1916 vom vorherigen erworben) \n - galerie thannhauser, münchen (1916 von vorheriger erworben) \n - sammlung karolina arbini, luzern (seit 1943) \n - galerie fischer, luzern, auktion 1.-5.6.1948, lot 2385 \n - privatsammlung stein am rhein (seit 1979) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - eberle, matthias: max liebermann, 1847-1935 - werkverzeichnis der gemälde und öl studien, bd. ii 1900-1935, münchen 1996, wvz.-nr. 1912/34, abb. (hier mit abweichenden werkangaben) \n - hancke, erich: max liebermann, sein leben und seine werke. mit einem werkkatalog der gemälde und pastelle bis 1913, berlin 1914, s. 546 \n \n \n - unbeschwerte spätimpressionistische arbeit \n \n - aus der begehrten grunewaldserie \n \n - 1912 wird liebermann mitglied der französischen akademie des beaux-arts \n \n - beste provenienz mit den galerien paul cassirer und thannhauser \n \n \n das ländliche und barbizon \n zwei jahre vor beginn des ersten weltkrieges ist max liebermann am zenit seiner gesellschaftlichen und künstlerischen wirkung. im durchaus konservativen, aber für die bürgerliche welt auch recht unbeschwerten kaiserreich widerfahren liebermann zahlreiche ehrungen und ämter. so übt er von 1898 bis 1911 das amt des vorsitzenden der berliner sezession aus, deren gründungsmitglied er bereits war. im jahr der bildentstehung, also 1912, wird er sogar mitglied der akademie des beaux-arts in paris. vorbei sind die jahre des kampfes und der schmähungen wie zu beginn seiner karriere. die anfängliche ablehnung seiner bildmotive aus den 1870er jahren, in denen er alltagsszenen der ärmeren bevölkerungsschichten thematisiert und in ihrer drastischen realität darstellt, wie z.b. \"die gänserupferinnen\", ist inzwischen vorbei. ihn interessiert ohnehin weniger der soziale aspekt als vielmehr das malerische. sein eigenes verständnis ist doch eher das eines großbürgers, der eben auch künstler ist. bei seinem fünfjährigen paris-aufenthalt von 1873-1878 lässt er sich stark von der schule von barbizon beeinflussen, malt bauernmotive in erdigen tönen, verpasst wohl aber auch nicht die 1874 in paris abgehaltene erste impressionisten-ausstellung. \n er übernimmt die neue sichtweise der impressionisten nicht unreflektiert, sondern bringt sie in einklang mit seiner eigenen künstlerischen entwicklung und erarbeitet sich eine im besonderen maße von realistischen elementen bestimmte variante. dabei gibt er im gegensatz zu den franzosen den flüchtigen visuellen natureindruck nicht mittels winziger pinselstriche wieder und löst die modellierung von figuren und gegenständen wie auch die räumliche staffelung und perspektivischen verkürzungen nicht in flimmernden flächenerscheinungen auf. \n \n \n die großstadt und \"männe\" \n einhergehend mit der malerischen auseinandersetzung wendet sich liebermann aber mit seinen ansichten von straßenzügen und parkanlagen oder szenen von caféterrassen und gartenlokalen den sujets der impressionisten zu - das pulsierende, moderne leben in der großstadt und die vergnügungen des bürgertums. \n liebermann malt in unserem bild \"aus dem grunewald\" das, was er vorfindet: menschen bei freizeitbeschäftigungen in einer großstadt; menschen beim flanieren. erstmals gibt es orte, wo sich das flanieren überhaupt lohnt. so wie bei gustave caillebotte, der eine großstadt als neues, unerschöpfliches sujet entdeckt und in zahllosen ansichten thematisiert, sind \"all diese aktivitäten unter freiem himmel [.] wie dafür geschaffen, die lichtdurchflutete atmosphäre eines unbeschwerten sommertages zu bannen\" (faass, martin/schmidt, jessica in: ausst.-kat. ich. max liebermann - ein europäischer künstler, dresden 2021, s. 24). der flaneur ist das gegenstück zu den ländlichen szenen der barbizon schule. \n wir sehen hier promenierende großstädter in sommerlicher kleidung in einer allee des grunewalds. im hintergrund ein umschlungenes paar und ein mann mit hund. im vordergrund eine fünfköpfige personengruppe mit zwei kindern, zwei damen und einem am stock gehenden herrn, der seinen hut in der hand hält, um den kopf von der hitze zu lüften. die bäume spenden schatten, während in der perspektive die baumkronen bereits wieder ein stück himmel freigeben. die licht- und farbflecke vermitteln die immer wieder durchscheinende sonne und lassen uns die konturenlosen bäume weniger botanisch, denn als atmosphärisches bild erscheinen. eine schöne petitesse ist der kleine hund im vordergrund, mit dem die beiden herausgeputzten kinder spielen. es handelt sich dabei wohl um eine reminiszenz an liebermanns dackel \"männe\", der ihn bei ausflugspartien und fußläufigen exkursionen begleitete (abb. 1). \n \n \n der impressionismus und liebermann \n liebermanns begeisterung und wertschätzung für seine französischen malerkollegen schlägt sich auch in seiner persönlichen sammlung nieder: seine zahlreichen werke von cézanne, degas, monet, pissarro, renoir, toulouse-lautrec und sage und schreibe 17 arbeiten édouard manets waren die glanzpunkte in den impressionismus-sammlungen berlins. eines der bekanntesten werke ist manets \"spargelbündel\" (abb. 2), welches bis zu liebermanns tod 1935 in dessen besitz bleibt und heute im kölner wallraff-richartz-museum der öffentlichkeit zugänglich ist. der damit deutlich manifestierte inhaltliche austausch mit den impressionisten hat in liebermanns werk bleibende spuren hinterlassen, die ihn aber nicht davon abhielten, seine eigene sicht- und malweise zu entwickeln. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n max liebermann deutschland impressionismus berliner sezession münchner sezession moderne kunst unikate 1910er modellrahmen wald gemälde öl figurengruppe","en":"liebermann, max berlin 1847 - 1935 \n \n \n title: aus dem grunewald. \n \n date: 1912. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 56,5 x 42,5cm. \n \n notation: signed and dated lower left: m liebermann 1912. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - otto hermann claass, königsberg (since 1914) \n - paul cassirer, berlin (in 1916 acquired from the previous owner) \n - galerie thannhauser, munich (in 1916 acquired from the previous owner) \n - karolina arbini collection, lucerne (since 1943) \n - galerie fischer, lucerne, auction 1st-5th june 1948, lot 2385 \n - private collection stein am rhein (since 1979) \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - eberle, matthias: max liebermann, 1847-1935 - werkverzeichnis der gemälde und öl studien, vol. ii 1900-1935, munich 1996, cat. rais. no. 1912/34, ill. (here with diverging work measurements) \n - hancke, erich: max liebermann, sein leben und seine werke. mit einem werkkatalog der gemälde und pastelle bis 1913, berlin 1914, p. 546 \n \n \n - carefree late impressionist work \n \n - from the coveted grunewald series \n \n - liebermann becomes a member of the french academy of fine arts in 1912 \n \n - best provenance with the paul cassirer and thannhauser galleries \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n max liebermann germany berlin secession munich secession modern art 1910s craftman's frame forest painting oil group of figures"},"estimateMax":200000,"lotNumber":"9","title":{"de":"max liebermann: aus dem grunewald","en":"max liebermann: aus dem grunewald"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27708/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":120000,"soldPrice":150000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.653Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac150,000 - \u20ac200,000","currency":"EUR","id":27708,"category":{"de":"Mod. 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galerie alfred flechtheim, berlin \n - hans dittmayer, dresden (1939/1940 von vorheriger erworben) \n - k. michalová-horákova, prag (nach 1946, dem tod von hans dittmayer) \n - nationalgalerie galerie, prag (ehem. inv. nr. 0-797, aufkleber, 1960 von vorheriger erworben) \n - galerie lodi, münchen (seit 1970) \n - galerie henze, bern (seit 1976) \n - privatsammlung solingen \n - galerie neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1994 von vorheriger erworben) \n - selbstständige stiftung in der betreuung des deutschen stiftungszentrums, essen \n \n ausstellungen: \n - nationalgalerie prag, 1966, kat.-nr. 28 \n - spalova galerie, prag 1966/1967 \n \n literatur: \n - wohlert, karl bernhard: karl hofer - werkverzeichnis der gemälde, bd. 2, van ham art publications, köln 2007, wvz.-nr. 891(b), abb. \n - ausst.-kat. moderne kunst, galleria henze, bern 1978, kat.-nr. 55, abb. \n \n \n - das motiv der sinnenden, melancholischen frau ist zentrales motiv in hofers oeuvre \n \n - flieder als symbol für liebe, sehnsucht und unschuld \n \n - geschlossene provenienz \n \n - das menschliche darzustellen und nicht den mensch allein war zeitlebens hofers bestreben und kommt hier wunderbar zum ausdruck \n \n \n der absolute individualist... \n der so erfolgreiche maler karl hofer hatte keinen leichten start ins leben: sein vater stirbt vier wochen nach der geburt des sohnes; und so wächst der junge bei zwei großtanten und kurzzeitig auch im waisenhaus auf. nach einer buchhändlerlehre wird er 1897 als stipendiat an der kunstakademie karlsruhe aufgenommen. hier studiert er bei hans thoma, später noch kurzzeitig in stuttgart bei leopold von kalckreuth. entscheidender für seine künstlerische entwicklung sind aber auslandsaufenthalte, die karl hofer dank der unterstützung eines schweizer mäzens möglich werden. fünf jahre lebt er in rom und setzt sich hier intensiv mit den fresken hans von marées auseinander. weitere fünf jahre, von 1908 bis 1913, wohnt der maler dann in paris; werke von pierre puvis de chavannes beeindrucken ihn. in diese zeit fallen auch zwei reisen des künstlers nach indien. als karl hofer 1913 nach berlin zieht, vernetzt er sich schnell in der deutschen kunstmetropole. 1914 zeigt berlins einflussreichster galerist, paul cassirer, hofers gemälde in einer einzelausstellung und nimmt den künstler unter vertrag. eine reise des künstlers nach frankreich fällt mit dem ersten weltkrieg zusammen. als tourist aus einem feindlichen land wird karl hofer 1914 umgehend verhaftet. später gelingt die ausreise in die schweiz; erst 1919 kehrt der maler nach berlin zurück. im jahr darauf wird er hochschulprofessor und bald auch in die preußische akademie der künste aufgenommen. karl hofer hebt sich mit dem ihm eigenen stil aus der masse seiner malenden zeitgenossen ab. seine gemälde weisen auch expressionistische züge auf, bleiben aber in kontur, farbtextur und palette immer speziell und wiedererkennbar. neben landschaften und stillleben sind es menschliche konstellationen und empfindungen, die er vor allem im gemälde thematisiert. museen und sammler kaufen seine werke. es ergeben sich erste kontakte in die usa. dann eine erneute zäsur: das stigma der \"entartung\", verbunden mit zeitweisem berufsverbot und entzug der lehrerlaubnis. der gegenwart beraubt, verliert karl hofer auch seine vergangenheit, als sein atelier und auch seine wohnung durch bombenangriffe zerstört werden. nach dem krieg ist hofer intensiv als direktor der hochschule für bildende künste in berlin am wiederaufbau des hochschulwesens beteiligt und setzt sich als präsident des deutschen künstlerbundes und mitherausgeber der zeitschrift \"bildende kunst\" in unterschiedlichen bereichen auch kulturpolitisch ein. \n \n \n ... der die seele malt \n eine gemalte tischplatte trennt und verbindet den realen raum des betrachters und den gedachten bildraum. vis-à-vis, in der linken bildhälfte, sitzt ein junges mädchen, das den kopf melancholisch in seine aufgestützte rechte hand schmiegt. ihr linker unterarm ruht auf der tischplatte und mit der linken hand fasst sie den rechten ellenbogen. sie trägt nur ein dünnes, weißes hemd, dessen träger von ihrer rechten schulter gerutscht ist. versonnen träumend und in sich gekehrt schaut sie aus ihren großen, braunen, ganz karl-hofer-typischen, mandelförmigen augen, ohne blickkontakt mit dem betrachter aufzunehmen. die rechte bildhälfte wird von einem üppigen weißen fliederstrauß in einer schwarzen überfang-glasvase eingenommen, der auf dem tisch steht. teilweise verdeckt er den linken arm und die schulter der sinnenden. weißer flieder steht symbolisch für die erste liebe, die romantische liebe und auch für die unschuld. dies lässt einiges über die gedanken des mädchens vermuten. es sind zwei stilmittel, mit denen karl hofer in diesem gemälde die besondere atmosphäre schafft: zum einen setzt er licht und schatten gekonnt falsch ein. so entsteht eine unbewusste irritation. zum anderen umgibt der maler sein motiv mit engeren und weiteren konturen, als wären der flieder und das mädchen von einer aura umgeben. in diesem werk nimmt karl hofer das motiv der sinnenden jungen frau wieder auf, das er etwa fünf jahre früher in einem anderen gemälde dargestellt hat (abb.1). die melancholie, die in karl hofers gemälden so oft mitschwingt, kommt hier besonders intensiv zum ausdruck. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n karl hofer deutschland expressionismus neue sachlichkeit moderne kunst unikate 1930er mädchen gemälde öl porträt","en":"hofer, karl 1878 karlsruhe - 1955 berlin \n \n \n title: \"mädchen am tisch mit vase\". \n \n date: 1930. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: relined. \n \n measurement: 80 x 65cm. \n \n notation: monogrammed lower right: ch (ligated). \n \n enclosed with this work is a photo expertise by karl bernhard wohlert, dortmund, dated 16th december 1994. \n \n the painting is being offered on the basis of an amicable agreement between the consignor and the heirs of hans dittmayer. \n \n provenance: \n - galerie alfred flechtheim, berlin \n - hans dittmayer, dresden (in 1939/1940 acquired from the previous owner) \n - k. michalová-horákova, prague (after 1946, the death of hans dittmayer) \n - nationalgalerie galerie, prague (prev. inv. no. 0-797, label, in 1960 acquired from the previous owner) \n - galerie lodi, munich (since 1970) \n - galerie henze, bern (since 1976) \n - private collection solingen \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection north rhine-westphalia (in 1994 acquired from the previous owner) \n - independent foundation in the care of the german foundation centre, essen \n \n exhibitions: \n - nationalgalerie prague, 1966, cat. no. 28 \n - spalova galerie, prague 1966/1967 \n \n literature: \n - wohlert, karl bernhard: karl hofer - werkverzeichnis der gemälde, vol. 2, van ham art publications, cologne 2007, cat. rais. no. 891(b), ill. \n - exhib. cat. moderne kunst, galleria henze, bern 1978, cat. no. 55, ill. \n \n \n - the motif of the contemplative, melancholy woman is a central motif in hofer's oeuvre \n \n - lilac as a symbol of love, longing and innocence \n \n - closed provenance \n \n - depicting the human and not the human alone was hofer's endeavour throughout his life and is wonderfully expressed here \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n karl hofer germany new objectivity modern art 1930s girls painting oil portrait"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"10","title":{"de":"karl hofer: \"mädchen am tisch mit vase\"","en":"karl hofer: \"mädchen am tisch mit vase\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27709/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":60000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:22.665Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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\n verso befindet sich eine handschriftliche echtheitsbestätigung von otto modersohn: \"hiermit bestätige ich, daß dieses bild von der hand paula modersohn-beckers stammt, 17. juni 1926.\" \n \n provenienz: \n - privatsammlung israel (1930er jahre) \n - kunsthaus lempertz, köln, 9./10.12.86, lot 797 \n - privatbesitz \n - galerie neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (2002 von vorheriger erworben) \n - selbstständige stiftung in der betreuung des deutschen stiftungszentrums, essen \n \n literatur: \n - busch, günter/schicketanz, milena/werner, wolfgang: paula modersohn-becker, 1876-1907 - werkverzeichnis der gemälde, bd. ii, münchen 1998, wvz.-nr. 138, abb. \n \n \n - paula modersohn-becker ist eine der ersten wirklich emanzipiert malenden frauen in deutschland \n \n - typisches beispiel der radikalen reduktion im werk der künstlerin \n \n - frühes werk, wohl aus der ersten zeit in worpswede \n \n \n \"es brennt in mir ein verlangen, in einfachheit groß zu werden.\" \n (paula modersohn-becker zit. nach www.aphorismen.de: modersohn-becker - tagebuchblätter. april 1903) \n \n \n von dresden und berlin - über worpswede - nach paris \n paula becker wächst zunächst in dresden auf, bevor ihre familie 1888 nach bremen übersiedelt. die bürgerlichen eltern von insgesamt sieben kindern sind nicht sehr wohlhabend, aber kulturell interessiert. als paula ihre leidenschaft für das zeichnen und die kunst entdeckt, wird ein kompromiss ausgehandelt: die tochter soll eine solide ausbildung zur lehrerin machen, darf aber daneben privaten malunterricht nehmen. 1896, nach erfolgtem examen, erhält die 20-jährige paula becker die möglichkeit, ihre künstlerischen studien an der malschule des vereins der berliner künstlerinnen fortzusetzen. berliner verwandte unterstützen sie dabei. eine kleine erbschaft befähigt paula becker ab 1898, ihre ausbildung zur malerin selbständig voranzutreiben. sie zieht in das künstlerdorf worpswede, wo sie unterricht bei fritz mackensen nimmt. dort kommt sie auch in kontakt mit otto modersohn, heinrich vogeler und fritz overbeck. im jahr 1900 macht die junge frau eine erste reise in die kunst-metropole paris. hier wird sie an der privaten académie colarossi unterrichtet, kommt aber vor allem mit der zeitgenössischen avantgarde in kontakt. werke paul cézannes und der künstler des nabis-kreises beeindrucken sie. im folgenden jahr kehrt paula becker nach worpswede zurück, heiratet den verwitweten otto modersohn und nimmt den doppelnamen modersohn-becker an. aber paris bleibt ihre zweite heimat. dreimal verbringt die junge malerin aus der norddeutschen provinz lange aufenthalte in der quirligen französischen metropole. sie belegt kurse an der académie julian und an der école des beaux arts, ist am künstlerischen puls der zeit und setzt sich mit werken paul gauguins, aber auch mit japanischen holzschnitten auseinander. 1907 stirbt paula modersohn-becker im alter von 31 jahren nach der geburt ihrer tochter in worpswede. \n \n \n der baum. das land. \n hatten maler zu allen zeiten einen komponierten ausschnitt der realität auf die meist rechteckige malfläche gebracht, so änderte sich dies im 19. jahrhundert. die maler, die sich als \"realisten\" verstanden, wollten den bildausschnitt nicht komponieren, sondern den tatsächlichen blick auf die welt abbilden. zudem änderten sich im zusammenhang mit der neuen technik der fotografie die sehgewohnheiten. auch die verstärkte rezeption japanischer holzschnitte in künstler- und sammlerkreisen war zugleich ursache und ausdruck dieser entwicklung. um 1900, in der strömung des jugendstils, kommt ein beliebtes motiv immer wieder zur geltung: ein oder mehrere schlanke baumstämme, die vor einer landschaft stehen. überschnitten von den realen begrenzungen des gemäldes erscheinen sie wie durch ein fenster gesehen, ohne wurzel und krone. sie versperren den blick und betonen doch das nah und fern, das davor und dahinter. \n \n um 1900 widmet sich auch paula becker intensiv diesem motiv. einzelne bäume oder baumgruppen, mal mit einem ansatz von blattwerk, mal ohne jegliches laub oder äste, macht sie zu protagonisten ihrer gemälde. auch in der vorliegenden arbeit versperrt der stamm den blick in die weite der landschaft, betont aber zugleich die horizontale schichtung der landwirtschaftlich genutzten fläche. als abstrakte farbstreifen bauen sich dunkelgrün, rot- und brauntöne in der unteren bildhälfte auf. das wolkenlose, leicht milchige hellblau des himmels nimmt die obere bildhälfte ein. die horizontlinie verzichtet fast völlig auf silhouette. hier zeigt sich paula becker als meisterin der radikalen reduktion. allein der baum mit seinem herbstlich gefärbten laub gibt einen jahreszeitlichen kontext an. der stamm selbst ist in zwei farbzonen geteilt: unten grünlich grau, darüber ocker-beige. so einfach macht die malerin den stand der sonne deutlich, während sie auf jede naturalistische schilderung der schatten verzichtet. \n die junge paula becker stellt den betrachter dieses gemäldes in den kühlen schatten eines herbsttages und lässt ihn die weite des himmels über der worpsweder landschaft genießen. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n paula modersohn-becker deutschland expressionismus norddeutscher expressionismus moderne kunst unikate 1900er modellrahmen worpswede gemälde öl baum","en":"modersohn-becker, paula 1876 dresden - 1907 worpswede \n \n \n title: birke vor herbstlandschaft. \n \n date: 1899. \n \n technique: oil on card. \n \n mounting: mounted to card. \n \n measurement: 54,5 x 40cm. \n \n notation: monogrammed lower left: pmb. as well as dated with difficulty legible lower left (presumably by a hand other than that of the artist): 1899. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n verso there is a handwritten confirmation of authenticity by otto modersohn: \"hiermit bestätige ich, daß dieses bild von der hand paula modersohn-beckers stammt, 17. juni 1926.\" \n \n provenance: \n - private collection israel (1930s) \n - kunsthaus lempertz, cologne, 9th/10th december 1986, lot 797 \n - private ownership \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection north rhine-westphalia (in 2002 acquired from the previous owner) \n - independent foundation in the care of the german foundation centre, essen \n \n literature: \n - busch, günter/schicketanz, milena/werner, wolfgang: paula modersohn-becker, 1876-1907 - werkverzeichnis der gemälde, vol. ii, munich 1998, cat. rais. no. 138, ill. \n \n \n - paula modersohn-becker was one of the first truly emancipated women painters in germany \n \n - typical example of radical reduction in the artist's work \n \n - early work, probably from the first period in worpswede \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n paula modersohn-becker germany north german 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sammlung erich wolfssohn, berlin (1920) \n - sammlung hilde freund, jerusalem (1976) \n - galerie michael hasenclever, münchen (1982) \n - galerie michael neumann, düsseldorf (1986) \n - galerie neher, essen \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1988 von vorheriger erworben) \n - selbstständige stiftung in der betreuung des deutschen stiftungszentrums, essen \n \n literatur: \n - busch, günter/schicketanz, milena/werner, wolfgang: paula modersohn-becker, 1876-1907, werkverzeichnis der gemälde, bd. ii, münchen 1998, wvz.-nr. 340 \n - bestandskatalog galerie michael neumann, düsseldorf, 1986/87, kat.-nr. 3, abb. \n \n \n - klare, farbstarke komposition der viel zu früh verstorbenen ausnahmekünstlerin \n \n - wunderbares beispiel für modersohn-beckers innovativen ansatz der radikalen reduktion der form zugunsten von fläche und farbe \n \n - in unverkennbarer formensprache, die stets geprägt ist von den persönlichen empfindungen der malerin \n \n \n \"...rücksichtslos und geradeaus malend, dinge, die sehr worpswedisch sind und die noch nie einer sehen und malen konnte...\" \n (rainer maria rilke über paula modersohn-becker in einem brief an karl von der heydt vom 16. januar 1906, zit. nach: www.lyrikrilke.de) \n \n \n eine pionierin der modernen kunst \n paula modersohn-becker ist eine ausnahme-künstlerin: eine frau als professionelle malerin gilt zur jahrhundertwende an sich schon als unerhört; sie aber setzt sich mit ihrer art, die welt zu zeigen, über alle traditionen in deutschland hinweg. der impressionismus eines lovis corinth oder max liebermann entspricht ihr nicht. der expressionismus ist um 1900 noch nicht \"erfunden\": die künstlergruppe \"die brücke\" folgt paula modersohn-becker zeitlich und räumlich (die künstlerin stammte aus dresden) unmittelbar nach. \n zwischen zwei extremen polen pendelnd - hier das abgeschiedene, provinzielle und ärmliche worpswede, dort die überbordende kunstmetropole paris - steht sie mit ihrer radikalen reduktion der form zugunsten von fläche und farbe sehr allein. \n paula modersohn-becker kann in ihrem leben nur sehr wenige ihrer bilder verkaufen. doch nach dem frühen tod der malerin 1907 setzen sich ihr mann, otto modersohn, und die mit ihr befreundeten heinrich vogeler und rainer maria rilke intensiv für ihr werk ein. 1908 zeigt die bremer kunsthalle eine erste gedächtnis-ausstellung; im folgejahr sind es die wichtigsten galerien für moderne kunst - der kunstsalon paul cassirer in berlin und die galerie ernst arnold in dresden - die ihr werk ausstellen und es sammlern näherbringen. sehr schnell springt der funke über. allein der sammler august von der heydt erwirbt, angeregt durch rainer maria rilke, 28 werke modersohn-beckers. \n heute gilt paula modersohn-becker, weltweit die erste frau, für deren werk ein eigenes museum gegründet wurde, international als pionierin der modernen kunst. \n \n \n das \"gehöft\" in worpswede \n \"...das ding an sich, in stimmung\" (otto modersohn, zit. nach www.musenblaetter.de). dies ist laut tagebucheintrag otto modersohns vom 19. april 1902 die gemeinsame devise des künstlerpaars in bezug auf ihre malerei. und es ist die treffende beschreibung für das vorliegende gemälde eines gehöfts in worpswede. vom linken bildrand beschnitten ist gerade noch ein teil des wohnhauses mit einem sprossenfenster und grünem fensterladen sichtbar. den größten teil der darstellung nimmt aber der rote stalltrakt mit grünen fenster- und toröffnungen ein. im hintergrund wird die hofsituation durch zwei weitere, ganz summarisch dargestellte gebäude abgeschlossen. über diesem menschenleeren blick auf das gehöft steht ein bleierner, nur von wenigen blauen streifen durchzogener himmel. eine angeschnittene, belaubte baumkrone rechts und zwei summarisch dargestellte rasenstreifen sind die einzig belebten elemente im bild. es herrscht absolute stille in diesem gemälde und - ganz typisch für paula modersohn-beckers malerei - es gibt kein licht- und schattenspiel. in dieser reduktion der form zu einer subjektiv erlebten ruhe und wesenhaftigkeit der dinge liegt vielleicht die besondere eigenart der malerei dieser künstlerin. wenn die künstler der \"brücke\" bald darauf die formen reduzieren, dann geschieht dies, um energien aufzuzeigen. paula modersohn-becker führt den betrachter ihrer kunstwerke eher zu einer inneren einkehr. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n paula modersohn-becker deutschland expressionismus norddeutscher expressionismus moderne kunst unikate 1900er modellrahmen worpswede gemälde öl dorf","en":"modersohn-becker, paula 1876 dresden - 1907 worpswede \n \n \n title: gehöft. \n \n date: ca. 1902. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 40 x 54cm. \n \n notation: illegibly inscribedunten links. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n there is a photoexpertise by prof. günter busch, from 31st august 1987, available as well as a handwritten confirmation by otto modersohn, from 9th november 1922. \n previously the painting was the verso of the painting \"bauernhaus hinter kiefern\" (ca. 1902, cat. rais. no. 342). \n \n provenance: \n - erich wolfssohn collection, berlin (1920) \n - hilde freund collection, jerusalem (1976) \n - galerie michael hasenclever, munich (1982) \n - galerie michael neumann, düsseldorf (1986) \n - galerie neher, essen \n - private collection north rhine-westphalia (in 1988 acquired from the previous owner) \n - independent foundation in the care of the german foundation centre, essen \n \n literature: \n - busch, günter/schicketanz, milena/werner, wolfgang: paula modersohn-becker, 1876-1907, werkverzeichnis der gemälde, vol. ii, munich 1998, cat. rais. no. 340 \n - inventory catalogue galerie michael neumann, düsseldorf, 1986/87, cat. no. 3, ill. \n \n \n - clear, colourful composition by the exceptional artist who died far too early \n \n - wonderful example of modersohn \n \n - becker's innovative approach of radically reducing form in favour of surface and colour \n \n - in an unmistakable formal language that is always characterised by the painter's personal feelings \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n paula modersohn-becker germany north german expressionism modern art 1900s craftman's frame worpswede painting oil village"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"12","title":{"de":"paula modersohn-becker: gehöft","en":"paula modersohn-becker: gehöft"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27711/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":100000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.761Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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die angewandte kunst wird ewald mataré immer auch in sein werk einbinden. ein monatliches salär eines mäzens, der auch einige arbeiten von ihm kauft, bringt aufschwung, auch vom kultusministerium bekommt er finanzielle unterstützung. ewald mataré bereist in den sommern das baltikum, dänemark und finnland. 1932 gibt er das unstete leben zugunsten einer professoren-stelle an der düsseldorfer akademie auf. dies wird aber nur ein kurzes intermezzo, denn 1933 wird mataré von den nationalsozialistischen verantwortlichen entlassen, gilt später auch als \"entartet\". er hat aber das glück, dass weder ein ausstellungs- noch ein berufsverbot über ihn verhängt wird. in dieser zeit wird, neben gelegentlichen privaten verkäufen, ein kontakt zur katholischen kirche in köln ein glücksfall für den künstler. hier bekommt er aufträge, die ihn die zeit bis 1945 überstehen lassen. n \n \n \n \"das ganze problem kuh\" \n als sich der in berlin lebende ewald mataré um 1920 der tierskulptur zuwendet, ist er mit diesem themenschwerpunkt nicht allein. künstler-kolleg*innen wie august gaul, renée sintenis oder wilhelm krieger bemühen sich in ihrem plastischen werk ebenfalls in besonderem maß darum, natur und kunst zu verbinden. matarés interesse scheint aber ein anderes: immer stärker abstrahiert er den tierkörper bis kopf, rumpf und glieder zu einer einheit verschmelzen, ohne dass der bezug zum naturentwurf verloren geht. bei dieser vorgehensweise spielt das ornament eine wichtige rolle, denn für den künstler bedeutet es ordnung, bildung eines inneren zusammenhangs und darstellung des wesentlichen. so werden seine tierplastiken zunehmend reduzierter, zeichenhafter; sie werden zum emblem. mataré geht es nicht um die wiedergabe von charakteristika, sondern immer um das beispielhafte und ursprüngliche. \n den sommer 1930 verbringt ewald mataré in südfinnland. zunächst auf lill pellinge, im juli dann in sahalahti. in seinem tagebuch notiert er: \"[...] diesmal eine fressende kuh. ich habe mich immer etwas gehütet, dieses problem anzugreifen, ich weiß nicht warum, ist es doch fast ein normaler zustand beim rindvieh, den kopf auf der erde zu haben [.] an das ganze problem kuh gehe ich nun heran [...]\" (ewald mataré, tagebucheintrag vom 30.5.1930, zit. nach ebd. s.164). aus dieser fragestellung entstehen in dieser zeit drei lösungen: der rumpf des rindes ist, geometrisch gesprochen, jeweils aus einem trapez und einem dreieck gedacht. die linie von bauch und kehle bildet nahezu eine horizontale. auf naturalistische details wie hüfthöcker oder hufe verzichtet der künstler zugunsten der geschlossenen form, der zeichenhaftigkeit und der haptik. die grasenden kühe i bis iii unterscheiden sich dennoch: die länge der hörner, die form des kopfes, der winkel des nackens und die position der beine sind verschieden und geben den tieren tatsächlich \"charakter\". die urform der grasenden kuh ii hat ewald mataré aus lindenholz geschnitzt. heute sind etwa 25 nicht nummerierte lebzeit-bronzegüsse bekannt, wobei diejenigen, die auf einer ovalen plinthe montiert sind, zu den früheren arbeiten zählen. das vorliegende exemplar weist zudem eine besonderheit auf: zusätzlich zu dem künstlersignet auf der plinthe befindet sich ein weiteres unterseitig am bauch der kuh. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ewald mataré deutschland expressionismus kubismus moderne kunst objekte 1930er kuh plastik bronze tier","en":"mataré, ewald \n 1887 aachen - 1965 büderich \n \n \n title: grasende kuh ii. \n \n date: 1930 (draft). \n \n technique: bronze, brown-patinated. \n \n measurement: 15,5 x 32 x 23cm. \n \n notation: artist's signet centre on the plinth: mataré (ligated). additionally a second artist's signet at the lower belly of the cow. \n \n early cast during the artist's lifetime from a small edition on oval plinth. this is one of a few copies of the cast with double artist's signet. \n \n we are grateful to mr guido de werd, cologne, for the kind scientific support. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - schilling, sabine maja/werd, guido de: ewald mataré - das plastische werk, werkverzeichnis, vol. ii, cologne 2024, cat. rais. no. 70a, ill. \n - schilling, sabine maja: ewald mataré - das plastische werk, catalogue raisonné, cologne 1987, cat. rais. no. 64a, ill. \n \n \n - animals, and cows in particular, were the artist's favourite motifs from 1917 on \n \n - one of the most beautiful depictions of cows in impressive size and perfect abstraction \n \n - wonderful patina \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ewald mataré germany cubism modern art sculptures 1930s cow sculpture bronze animal"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"13","title":{"de":"ewald mataré: grasende kuh ii","en":"ewald mataré: grasende kuh ii"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27712/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":95000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.782Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27712,"category":{"de":"Mod. Objekte","en":"Modern Sculptures"},"estimateMin":60000},{"startPrice":48000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27713/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27713/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27713/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27713/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"nolde, emil \n 1867 nolde - 1956 seebüll \n \n \n titel: abendwolken über dem watt. \n \n datierung: 1925/30. \n \n technik: aquarell und tusche auf japan. \n \n maße: 36 x 47cm. \n \n bezeichnung: signiert unten rechts: nolde. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n zu diesem werk liegt ein fotozertifikat in kopie von prof. dr. martin urban, stiftung seebüll ada und emil nolde, vom 23. februar 1990 sowie eine bestätigung der stiftung, vom 15. november 2024, vor. es ist dort unter der nummer fr.a.2521 registriert und wird in ein künftiges werkverzeichnis der aquarelle und zeichnungen aufgenommen. \n \n provenienz: \n - nachlass des künstlers \n - privatsammlung rheinland (seit 1959) \n - galerie otmar neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1990 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - kunstverein hamburg, 1957 \n - museum folkwang, essen 1957 \n - haus der kunst, münchen 1957 \n - westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte, münster 1991/92 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. emil nolde, gedächtnisausstellung, kunstverein hamburg, hamburg 1957, kat.-nr. 275 \n - ausst.-kat. emil nolde, aquarelle und figürliche radierungen, westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, münster 1991/92, s. 96, kat.-nr. 30, abb. \n \n \n - großformatiges aquarell, in der noldes überragende malerische technik voll zur geltung kommt \n \n - aus einer hochphase des künstlers, in der er bereits den ruf als führenden expressionisten innehatte \n \n - atmosphärisch dichte und spannungsreiche naturdarstellung der norddeutschen landschaft, die durch die wasserspiegelungen verstärkt wird \n \n \n die erste große erfolgszeit \n das vorliegende, von der forschung in die zeit um 1925/1930 datierte aquarell emil noldes, \"abendwolken über dem watt\", stammt aus der ersten von zwei hochphasen im leben des künstlers. er ist etwa 60 jahre alt und kann, nach harten und entbehrungsreichen anfängen, seit einigen jahren große erfolge feiern: sein werk wird ausgestellt, führende museen und sammler kaufen seine bilder. über vorübergehende mitgliedschaften in der künstlergruppe \"brücke\", der \"berliner sezession\" und der \"neuen sezession\" hat nolde sich in der reichshauptstadt künstlerisch und kunstpolitisch gut vernetzt. er hat sich den ruf eines der führenden expressionisten des deutschen reichs erworben. emil nolde hat weite teile europas und sogar deutsch-neuguinea bereist und sein werk ist nun gegenstand von monografien. an der westseite schleswigs hat der künstler, gemeinsam mit seiner frau ada nun ein großes grundstück erworben, auf dem das von ihm entworfene \"haus seebüll\" entsteht. in der zeit des nationalsozialismus wird dieses haus sein rückzugsort werden, wenn sein werk als \"entartet\" erklärt wird. aber nach dem krieg wird das werk emil noldes eine zweite blüte erleben: der künstler wird bis zu seinem tod 1956 hoch geehrt und national wie international gefeiert werden. \n seit den 1910er jahren ist das aquarell in emil noldes schaffen ein gleichwertiges medium neben der ölmalerei. ohne vorzeichnung komponiert er seine blätter, setzt nach der trocknung des papiers mit der feder akzente. speziell seinen himmel- und seebildern verleiht der maler durch die verwendung der \"wasser-farben\" eine thematische entsprechung. nolde, der in seiner norddeutschen heimat verwurzelt ist, beobachtet die sich hier so schnell verändernde landschaft. wechselnde tages- und jahreszeiten bringen licht und farbspiele, die der maler aufgreift und akzentuiert. die farbe ist in noldes aquarellen aber immer auch emotionsträger. ihre form gibt der maler vor, erlaubt dem nassen medium auf dem durchfeuchteten papier aber auch ein eigenleben. \n \n \n die spiegelung im watt \n es ist eine ganz weite landschaft, die sich da vor dem betrachter erstreckt: das unebene watt mit seinen unterschiedlich tiefen wasserflächen. der dunkelste, violette, horizontale, schmale streifen, etwa in der mitte des blattes, bezeichnet hier die aktuelle meeresfläche. die see hat sich zurückgezogen und lässt das watt davor satt und nass, offen liegen. wo kürzlich noch alles von wasser bedeckt war, offenbaren die höhenunterschiede des bodens nun eine neue realität: nicht alles wasser kann mit der strömung abfließen. zwei tiefere seengleiche senken, im vordergrund rechts und links, sind durch eine an einen weg erinnernde sanderhebung getrennt. das wassergetränkte land spiegelt die himmelsfarben in ganz eigener, verzerrender weise. und dieser himmel bietet drama. die abendsonne hat einen goldgelben keil in das schon nächtlich dunkle blau des himmels getrieben. am horizont und mehr noch in der spiegelung erscheint das letzte tageslicht als sanftes rosa. aber diese goldgelbe wolke - hat emil nolde ihr nicht mit seinen federstrichen und der leichten schraffur \"die idee eines vogels\" eingehaucht? wolken haben diese gabe, die fantasie der menschen zu beflügeln. ihre unstete form bietet immer neue bilder und emil nolde war ein meister der beseelung der unbelebten natur. die frage nach der wolkenform mag ganz individuell zu beantworten sein; das vorliegende blatt weist aber zweifellos in linie, form und farbe die meisterliche handschrift emil noldes in seiner reifezeit auf. \n alexandra bresges-jung. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n emil nolde deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate 1920er rahmen landschaft papierarbeit aquarell","en":"nolde, emil 1867 nolde - 1956 seebüll \n \n \n title: abendwolken über dem watt. \n \n date: 1925/30. \n \n technique: watercolour and india ink on japan. \n \n measurement: 36 x 47cm. \n \n notation: signed lower right: nolde. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n enclosed with this work is a copy of a photo certificate from prof. dr. martin urban, stiftung seebüll ada und emil nolde, dated 23rd february 1990, and a confirmation from the foundation dated 15th november 2024. it is registered there under the number fr.a.2521 and will be included in a future catalogue raisonné of the watercolours and drawings. \n \n provenance: \n - estate of the artist \n - private collection rhineland (since 1959) \n - galerie otmar neher, essen (label) \n - private collection north rhine-westphalia (in 1990 acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - kunstverein hamburg, 1957 \n - museum folkwang, essen 1957 \n - haus der kunst, munich 1957 \n - westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte, münster 1991/92 \n \n literature: \n - exhib. cat. emil nolde, gedächtnisausstellung, kunstverein hamburg, hamburg 1957, cat. no. 275 \n - exhib. cat. emil nolde, aquarelle und figürliche radierungen, westfälisches landesmuseum für kunst- und kulturgeschichte münster, münster 1991/92, p. 96, cat. no. 30, ill. \n \n \n - large-format watercolour in which nolde's outstanding painterly technique comes into its own \n \n - from one of the artist's peak periods, when he already had a reputation as a leading expressionist \n \n - atmospherically dense and exciting depiction of nature in the north german landscape, emphasised by the water reflections \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n emil nolde germany die brücke modern art 1920s framed landscape works on paper watercolour"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"14","title":{"de":"emil nolde: abendwolken über dem watt","en":"emil nolde: abendwolken über dem watt"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27713/view","tags":["daFineart_Watercolors","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.791Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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unter kennern gilt er schon bald als einer der führenden deutschen expressionisten. eindrücke bei einer neu-guinea-expedition 1913 öffnen emil nolde neue themenfelder und beeinflussen sein schaffen nachhaltig. 1916 zieht er mit seiner frau auf die nordsee-seite schleswigs, die nach dem krieg zu dänemark gehören wird. emil nolde nimmt nun die staatsangehörigkeit seiner frau an, die er sein leben lang behalten wird. \n in den 1920er jahren wird emil nolde einer der bekanntesten und erfolgreichsten deutschen maler. museen richten ihm große ausstellungen aus und kaufen seine werke an, ebenso die führenden sammler der weimarer republik. nolde wird mitglied der preußischen akademie der künste. er gilt - und sieht sich selbst - als der urdeutsche, nordische maler, der mit seiner kraftvollen kunst die malerei des frühen 20. jahrhunderts prägt. umso härter trifft ihn die ablehnung durch die nationalsozialisten. dem stigma \"entartet\" von 1937 folgt 1941 das berufsverbot. emil nolde zieht sich in sein großes haus in seebüll zurück. die nachkriegszeit rehabilitiert den maler und feiert seine expressiven und farbig leuchtenden gemälde und aquarelle. er beeinflusst junge künstler der nachkriegsjahre und zeigt seine kunst mehrfach auf der biennale von venedig sowie auf der documenta 1 in kassel 1955. wie wichtig seine position in deutschland angesehen wird, zeigt die posthume berücksichtigung emil noldes bei den documenta-ausstellungen 1959 und 1964. \n \n \n himmel trifft meer \n aquarelle emil noldes vermitteln bis heute etwas vom zauber des augenblicks ihrer entstehung. es war dem künstler ein faszinosum, die entwicklung der farbe auf dem nassen papier nur bedingt steuern zu können. war das blatt nach der ersten arbeitsphase getrocknet, konnte emil nolde dann mit souveränem pinselstrich die grob angelegte bildidee interpretierend hervorheben. so hat der künstler auch bei dem vorliegenden blatt gearbeitet. viel blau, auf der oberen blatthälfte darüber verteiltes violett und einige waagerechte kumulationen in gelb - am unteren blattrand eine schliere umbra und ein wenig türkis; mit diesen fünf wässrigen farben hat emil nolde das blatt zunächst fast völlig bedeckt. \n \n dann kommt der zweite schöpfungsakt: mit dunkelblauer farbe zeichnet der maler mit dem pinsel konturen auf das inzwischen getrocknete papier. eine einfache linie wird zum horizont - himmel und erde sind geschieden. schwingende schattenlinien umgeben die gelben wolken. einzeln gesetzte, kürzere striche deuten die wellen an, wodurch der streifen umbra klar zum strand wird. was nun die meeresfläche ist, bekommt mit leichter, kalligraphischer hand durch linien eine binnenzeichnung. die vom zufall gestalteten farbränder, die auf die waagerechte weiße zone treffen, wo das papier unbemalt blieb, werden zum wellenkamm akzentuiert, und das weiß wird zum schaum der ausrollenden welle. am horizont ist gerade noch ein kleines dampfschiff, als idee in dunkelblau, auszumachen. in der farbigen harmonie von himmel und meer kommt dem menschlichen sein bei emil nolde aber nur eine ganz unbedeutende rolle zu. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n emil nolde deutschland expressionismus die brücke moderne kunst unikate modellrahmen landschaft aquarell aquarell norddeutschland","en":"nolde, emil 1867 nolde - 1956 seebüll \n \n \n title: stilles meer. \n \n technique: watercolour on japan. \n \n measurement: 34 x 47,5cm. \n \n notation: signed lower right: nolde. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n enclosed with this work a confirmation of authenticity from wilhelm grosshennig, düsseldorf, dated 14th december 1979, and a confirmation from the seebüll ada and emil nolde foundation. it is registered there under the number fr.a.659 and will be included in a future catalogue raisonné of the watercolours and drawings. \n \n provenance: \n - emil nolde-stiftung, seebüll \n - private collection \n - galerie wilhelm grosshennig, düsseldorf \n - private collection hamburg (since 1979) \n - private collection austria (by inheritance) \n \n \n - wonderful play with perspective through the dominant use of the colour blue \n \n - the fusion of sea and sky shows nolde's proximity to abstraction \n \n - nolde's depictions of the north german sea are among the artist's most sought-after motifs \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n emil nolde germany die brücke modern art craftman's frame landscape watercolour watercolour northern germany"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"15","title":{"de":"emil nolde: stilles meer","en":"emil nolde: stilles meer"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27714/view","tags":["daFineart_Watercolors","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.796Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":27714,"category":{"de":"Mod. 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(hier betitelt: saarlandschaft) \n - ausst.-kat. staatliche kunsthalle nbgk, berlin 1981, kat.-nr. 3 \n - liste des künstlers 4/284 \n \n \n - entsteht in einer zeit gegen alle widerstände, in der der künstler als \"entartet\" verfemt wird \n \n - besonders schönes landschaftsbild, das realismus mit surrealismus verbindet und das unheilvolle bereits andeutet \n \n - werke des künstlers befinden sich in wichtigen öffentlichen sammlungen u.a. im museum folkwang, essen, in der nationalgalerie, berlin und im lenbachhaus, münchen \n \n \n \"ich werde maler\" \n auffällig: von erhöhtem standort - dem fenster eines turms oder einer burgterrasse - geht der blick über eine reich gegliederte landschaft bis hin zu fernen bergen. der fest gefugte teil einer mauer am linken bildrand des gemäldes stabilisiert eine komposition, die geprägt ist von zahlreichen schräg ansteigenden linien, die sich auftürmen und in die tiefe führen. rechts ein gebäude in aufsicht: der maler steht höher - er steht \"darüber\". \n \"saarlandschaft\": ein typisches werk des malers, der in jenen großen zusammenhängen denkt und arbeitet, die das menschliche leben mit der natur und ihrer unendlichkeit verbinden. immer hält er einen souveränen abstand zu dem, was auf ihn einstürmt. eine letzte unnahbarkeit umgibt ihn und ein nüchternes urteilsvermögen in allem, was seinen weg, seine kunst, sein leben betrifft, es gehört zu - wie er es nennt - \"meinem wesen\". das beginnt, als er unversehrt aus dem ersten weltkrieg zurückkehrt und mit unerschütterlicher gewissheit entscheidet: \"ich werde maler!\" (mündliche äußerung des künstlers) \n das wiederholt sich, als er 1935 seine professur an der düsseldorfer akademie verliert und brotlos auf seine weltabgewandte \"halbinsel der seligen\", dangast, zurückkehrt. damals schreibt er an seine frau (1. juli 1935): \"ich bin sehr ruhig und sage mir, wer kann wissen wofür dieses alles gut ist. [.] wenn ich alles dieses übersehe und denke an mein früheres tief in der malerei wurzelndes leben, dann bin ich geneigt nicht gegen das schicksal zu hadern, sondern ich bin innerlich dankbar.\" prof. dr. eberhardt schmidt, der 2019 eine präzise \"biografie\" vorlegt, spricht von: \". wiedergewonnener freiheit, sich ganz seiner malerei widmen zu können.\" und zitiert: \"meine düsseldorfer zeit war die grausamste meines lebens.\" (franz radziwill zit. nach schmidt, eberhard: wohin in dieser welt? der maler franz radziwill, halle (saale), 2019, s.159) \n und noch einmal diese souveränität: als 1972 seine augen versagen und seine hand keinen geraden strich mehr ziehen kann, legt er den pinsel aus der hand. an einen freund schreibt er: \"sorge und last in der letzten zeit bereiten mir meine augen. die wollen nicht mehr so recht und fabrizieren mir zu viel spinnen.\" und kurze zeit später ergänzt er: \"[.] vielleicht werde ich meinen schönen beruf aufgeben müssen.\" (ebd., s. 289) schließlich lässt er seinen langjährigen sammler und freund dr. med. düser wissen: \"georg, achthundert bilder sind genug!\" \n \n \n neue wirklichkeiten gestalten \n \"saarlandschaft\": das gemälde entsteht in einer zeit, die den künstler in äußerste bedrängnis, verfolgung und quälende nichtachtung verbannt: als \"entarteter künstler\" gebrandmarkt, verliert er 275 werke, verhöhnt in ausstellungen, ignoriert in katalogen und pressetexten, beschlagnahmt, verurteilt, geradezu verteufelt: \"nicht einmal die kranken der psychiatrischen klinik [.] kamen auf solch vollendet irrsinnige ideen wie die herrn radziwill, grosz, kirchner, nolde, dix, schmidt-rottluff, freundllch, klee und genossen !\" (berliner landeszeitung zit. nach schmidt, eberhard: wohin in dieser welt? der maler franz radziwill, halle (saale), 2019, s.192) \n was ihn in dieser persönlichen gefahr aufrecht hält, ist die letzte zugehörigkeit zu einer welt, die nur er betreten kann; in die hinein niemand ihm folgen konnte. gerhard wietek schreibt später: der \"kompromisslosigkeit seines wesens stand allezeit die fähigkeit gegenüber [.] neue wirklichkeiten zu gestalten.\" (gerhard wietek zit. nach wietek, gerhard: begegnungen mit kunst und künstlern, neumünster 1983, s.164) \n so ist dieses gemälde das zeugnis jener kraft, die mit unendlicher souveränität die kennzeichen großer kunst gegen alle widerstände in sich trägt. \n gerd presler. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n franz radziwill deutschland neue sachlichkeit phantastischer realismus moderne kunst unikate 1940er modellrahmen landschaft gemälde öl","en":"radziwill, franz 1895 strohhausen/wesermarsch - 1983 wilhelmshaven \n \n \n title: \"saarländische landschaft\" (saarlandschaft). \n \n date: 1937/40. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: mounted on wood. \n \n measurement: 52 x 90,5cm. \n \n notation: signed and dated lower left: franz radziwill 1940. as well as titled and dated once more verso: saarländische landschaft 1937. here additionally with the artist's stamp and his work number. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n in 1937, franz radziwill wrote several times in letters to dr w. niemeyer about a trip to the eifel. he may also have made a detour to the saarland. there is no evidence of radziwill travelling in 1940. it seems likely that the work was completed in the artist's studio in 1940. we are grateful to prof. dr. dr. presler for his kind scientific support. \n \n provenance: \n - private ownership \n - hauswedell & nolte, hamburg, auction 160, 1968, lot 1142 \n - hauswedell & nolte, hamburg, auction 206, 1975, lot 1550 \n - private ownership \n - villa grisebach, berlin, auction 18, 1991, lot 42 \n - private collection north germany \n \n exhibitions: \n - staatliche kunsthalle nbgk, berlin 1981 \n \n literature: \n - firmenich, andrea/schulze, rainer w.: franz radziwill, 1895 bis 1983 - monographie und werkverzeichnis, cologne 1995, cat. rais. no. 490, ill. (here titled: saarlandschaft) \n - exhib. cat. staatliche kunsthalle nbgk, berlin 1981, cat. no. 3 \n - list of the artist 4/284 \n \n \n - created against all odds at a time when the artist was ostracised as 'degenerate' \n \n - particularly beautiful landscape painting that combines realism with surrealism and already hints at the ominous \n \n - works by the artist can be found in important public collections, including the museum folkwang, essen, the nationalgalerie, berlin and the lenbachhaus, munich \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n franz radziwill germany new objectivity modern art 1940s craftman's frame landscape painting oil"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"16","title":{"de":"franz radziwill: \"saarländische landschaft\" (saarlandschaft)","en":"franz radziwill: \"saarländische landschaft\" (saarlandschaft)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27715/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.807Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - \u20ac60,000","currency":"EUR","id":27715,"category":{"de":"Mod. 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bilder als botschaft: werkverzeichnis der gemälde 1950-2003, leipzig 207, leipzig 2007, wvz.-nr. g86/10 \n \n \n - werk mit hoher symbolkraft, den wunsch nach freiheit versinnbildlichend \n \n - die sich auffächernden farben zaubern ein wunderbar flirrendes farbenspiel \n \n - in der für die landschaften des spätwerks typischen darstellungsweise \n \n \n inspiration vogtland \n die idyllische hügelige gegend rund um wolfgang mattheuers heimatstadt reichenbach im vogtland, in der er 1927 geboren wird, prägt sich tief in seine seele ein. so ist es nicht verwunderlich, dass landschaftsdarstellungen ab den 1960er jahren zu einem beliebten sujet seiner gemälde werden, auch wenn sie eher metaphorisch als topografisch zu verstehen sind. sie veranschaulichen die natur, sind aber vielmehr spiegelbilder innerer wie gesellschaftlicher zustände. \n \n \n die leipziger schule \n erst nach dem zweiten weltkrieg kann sich mattheuer ganz der kunst widmen. mit 17 jahren schließt er seine ausbildung als lithograph ab, wird dann jedoch eingezogen. im krieg wird er verletzt und gerät in kriegsgefangenschaft, aus der ihm schließlich die flucht gelingt. von 1947 bis 1951 studiert er an der hochschule für grafik und buchkunst in leipzig, an der er später auch lehren und nachfolgende generationen inspirieren wird. \n wolfgang mattheuer wird neben bernhard heisig, werner tybke und willi sitte - gemeinsam oft auch \"viererbande\" genannt - zur \"alten leipziger schule\" gezählt. dabei handelt es sich nicht um den namen einer formierten künstlergruppe, sondern um ein kunsthistorisches label, da sie alle im selben jahrzehnt geboren sind und in der ehemaligen ddr gewirkt haben. mit diesen künstlern beginnt eine tradition, die sich in leipzig fortsetzt und zeitgenössische künstler wie neo rauch, matthias weischer, david schnell, tim eitel oder henriette grahnert hervorbringt - die sogenannte \"neue leipziger schule\". \n \n mattheuers werk reicht von malerei über grafik bis zur bildhauerei, die seit 1971 teil seines oeuvres ist. seine bekannteste skulptur \"der jahrhundertschritt\" entsteht 1984. die malerei bleibt jedoch sein wichtigstes medium, in dem er neben den landschaftsdarstellungen masken, fenster sowie mythologische erzählungen, wie bspw. die legenden von sisyphos oder ikarus als wiederkehrende motive zeigt. \n \n der künstler ist teilnehmer an der documenta 6 in kassel (1977) und der biennale in venedig (1984). seine werke befinden sich in zahlreichen museen und sammlungen. am 7. oktober 1988, dem nationalfeiertag der ddr, tritt mattheuer aus der sed aus und beteiligt sich ab 1989 an den leipziger montagsdemonstrationen. der künstler stirbt 77-jährig am 7. april 2004 - an seinem geburtstag. die zahl sieben, die in vielen bildtitel auftaucht, wird so durch seinen tod noch symbolhafter. \n \n \n vorbote der freiheit \n die hier vorgestellte arbeit entsteht 1986 und ist ebenfalls von hoher symbolkraft. die ihr innewohnende hoffnung scheint die kommenden ereignisse bereits (wünschend) vorauszuahnen. \n das gemälde zeigt zwei birken vor einem nicht näher zu definierenden feld, das sich in die ferne erstreckt, abgelöst von einem bis zum horizont reichenden schmalen blauen streifen, der ein gewässer darstellen könnte. der himmel verdunkelt sich hier bereits zum abendhimmel. zentral im oberen bildabschnitt steht die sonne, genauer: die \"abendsonne\", wie der titel uns verrät. \n die beiden birken sind derart angeschnitten, dass sie direkt vor den betrachtenden stehen, diese fast schon personifizieren. wie zwei sich umarmende schauen sie - genau wie wir - in die ferne. wir sehen einerseits in die weite einer landschaft und doch bleibt die darstellung gleichzeitig flächig. einem in vielfachen farben geknüpften vorhang gleich entfaltet sich ein abstraktes flirren. \n die sonne taucht die szenerie aus dem hintergrund in ein besonderes licht, welches die farben auffächert, sie in pointillistischer manier in tupfen neben- und übereinander gesetzt zum tanzen bringt. ein zauberhaft vibrierendes spiel aus farben zieht uns fasziniert in seinen bann. \n \n die durch das licht in eine wunderbare abendstimmung getauchte darstellung strahlt eine spirituelle kraft aus und zeugt von mattheuers bewunderung für caspar david friedrich. die sonne ist im oeuvre des künstlers aber immer auch als symbol der hoffnung zu verstehen -derart setzt der künstler sie des öfteren metaphorisch ein, vermehrt ab 1989/90. auch die wege, die sich häufig durch seine bildwelten schlängeln untermauern die zuversicht, denn sie führen nicht selten in richtung des leuchtenden gestirns. die straße in \"hinter den sieben bergen\" aus dem jahr 1973 (abb. 1) führt direkt zur freiheit. anstatt des himmelskörpers schwebt dort im himmel die weibliche verkörperung der freiheit wie wir sie aus delacroix' bekanntem werk \"die freiheit führt das volk\" kennen. ist dies ein traum oder ironie? oder könnte es wirklichkeit werden? \n \n wie ein hoffnungsschimmer wirkt somit auch die abendsonne hinter den beiden birken, die alles in ein optimistisches licht voller farben taucht. die realität ist im begriff zu verschwimmen, sich aufzulösen, um sich voller schönheit neu zusammenzusetzen. wie ein vorbote scheint das gemälde die freiheit herbeizusehen, die in nur wenigen jahren nach entstehung des werks mit der wende kommen wird. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n wolfgang mattheuer deutschland leipziger schule - ddr nachkriegskunst unikate 1980er rahmen landschaft gemälde öl sonne","en":"mattheuer, wolfgang \n 1927 reichenbach/vogtland - 2004 leipzig \n \n \n title: \"abendsonne hinter zwei birken\". \n \n date: 1986. \n \n technique: oil on fibre. \n \n measurement: 101 x 126cm. \n \n notation: signed, dated and titled verso upper right: w. mattheuer 1986/9 \"abendsonne hinter zwei birken\". \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - brusberg gallery, berlin \n - corporate collection germany (acquired from previous owner in 1999) \n \n literature: \n - mattheuer, wolfgang/michels, stefanie: wolfgang mattheuer - bilder als botschaft: werkverzeichnis der gemälde 1950-2003, leipzig 207, leipzig 2007, cat. rais. no. g86/10 \n \n \n - work with high symbolic power, symbolising the desire for freedom \n \n - the fanning out colours conjure up a wonderfully shimmering play of colours \n \n - in the style typical of the landscapes of the late period \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n wolfgang mattheuer germany leipzig school - gdr post-war art post war 1980s framed landscape painting oil sun"},"estimateMax":65000,"lotNumber":"17","title":{"de":"wolfgang mattheuer: \"abendsonne hinter zwei birken\"","en":"wolfgang mattheuer: \"abendsonne hinter zwei birken\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27716/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":36000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.813Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac45,000 - \u20ac65,000","currency":"EUR","id":27716,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":45000},{"startPrice":240000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/004/004.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/005/005.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27717/006/006.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n titel: \"study for camp forestia ii\". \n \n datierung: 1996. \n \n technik: öl auf karton. \n \n maße: 68,5 x 51cm. \n \n bezeichnung: betitelt, datiert und zweifach signiert verso oben mittig: study for camp forestia ii 1996 peterdoig peter m doig. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n provenienz: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (1996 vom vorherigen erworben) \n \n literatur: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 54, abb. \n \n \n - autonome arbeit des neuerers der figurativen malerei in verdichtetem format \n \n - wichtige, zentrale zwischenstufe innerhalb der \"camp forestia\"-werkgruppe \n \n - überzeugende arbeit mit der für doig typischen emotionalen intensität \n \n \n \"i always wanted a landscape to be humanized by a person or a building, at least something that suggests habitation. i started by painting a cabin, and then i moved up the line. i became more interested in what buildings represent. how in a very modest structure, did someone decide to place the windows? often, they seemed to be anthropomorphized\" (peter doig zit. nach searle, adrian: peter doig, london 2007, s. 16) \n \n \n the mirroring opened up another world. it went from being something like a recognisable reality to something more magical\" \n (peter doig zit. nach nesbitt, judith: \"a suitable distance\", in: ausst.-kat. peter doig, tate britain, london 2008, s. 14) \n \n \n peter doig: künstler und lehrer \n peter doig ist aktuell einer der gefragtesten und auch einer der einflussreichsten britischen gegenwarts-künstler. in edinburgh geboren, im karibischen trinidad und in kanada aufgewachsen, geht doig als 20-jähriger nach london, wo er bis 1983 an der st. martin's school of art malerei studiert. nach einem mehrjährigen aufenthalt in montreal kehrt er nach london zurück und schließt das studium an der chelsea school of art 1990 ab. der durchbruch gelingt dem jungen maler 1991, als er den renommierten \"whitechapel artist prize\" erhält, der mit einer einzelausstellung in der whitechapel art gallery verbunden ist. 1994 ist doig einer von vier künstlern auf der shortlist für den turner-prize, dem bedeutendsten britischen kunst-preis. die von peter doig vertretene position der figurativen malerei, die immer eine ungewissheit ausstrahlt, trifft genau den nerv der zeit. seither zeigen die führenden museen europas, kanadas und der usa das werk peter doigs in ihren sammlungen und in einzelausstellungen. von 2005 bis 2017 lehrt peter doig an der düsseldorfer kunstakademie. heute lebt der künstler mit seiner familie überwiegend in trinidad. \n \n \n camp forestia: ein motiv von bestand in doigs werk \n ein foto eines in seattle an einem see gelegenen club-hauses mit dem namen \"camp forestia\" wird für peter doig mitte der 1990er jahre, in einer entscheidenden phase seiner künstlerischen entwicklung, ausgangspunkt für eine serie von arbeiten. in unterschiedlichen formaten, techniken und variierenden bildausschnitten, aber auch in verschiedenen licht- und farbstimmungen, setzt er die silhouette des hauses am see wie ein regisseur immer wieder neu in szene. ein kleinformatiges pastell (\"camp forestia\", 1996 - heute im museum of modern art, new york) wirkt wie ein close-up in warmen, herbstlichen farben (abb. 1). es existieren sepiafarbene versionen (abb. 2) und auch eine großformatige szenerie vor nachtschwarzem hintergrund, die einen deutlich ferneren betrachterstandpunkt einnehmen (abb. 3). auf ihnen erscheint das haus freistehend in seiner umgebung und auch die reflexion im wasser zeigt nahezu das komplette gebäude. die vorliegende arbeit aus dem jahr 1996 inszeniert dieses den künstler fesselnde motiv in einer wichtigen, die serie verbindenden perspektive. \n \n \n camp forestia: das geheimnisvolle haus am see \n das clubhaus \"camp forestia\", ein weißes gebäude mit rotem dach und von schlagläden gerahmten, dunklen fenstern, spiegelt sich in der ruhigen wasserfläche, die etwa das untere drittel des bildes einnimmt. vor dem haus auf einer unruhig gestalteten, grünen, als grasstreifen benennbaren fläche befindet sich eine schemenhaft erkennbare graue gestalt. über dem haus steht ein türkisfarbener himmel. \n \n dieses gesamtmotiv scheint wenig aufregend und doch evoziert es beim betrachter intensivste emotionen. die verunsicherungen sind vielfältig: die in dem grünen grasstreifen verschwimmende grenze zwischen der realität und ihrer reflexion im wasser irritiert unmittelbar. nicht nur ist die grenze nicht deutlich, auch entspricht die spiegelung der realität nicht wirklich. die gestalt auf dem gras spiegelt sich gar nicht. die fenster des hauses erscheinen im wasserspiegel verändert und auch der verlauf der büsche entlang der hauswand entspricht sich - in etwa, aber eben doch nicht ganz. \n die gestalt vor dem haus bleibt rätselhaft: auf den ersten blick könnte es sich ebenso gut um eine person wie um eine brunnen-figur handeln; jede assoziation ist zulässig. ein blick auf die motiv-genese und das close-up im pastell in new york (abb.1) klärt auf: das ausgangsfoto zeigte wohl eine auf einem steg sitzende person mit übergeschlagenen beinen. \n peter doig hat den bildausschnitt so gewählt, dass die spiegelung des hauses am unteren bildrand stark beschnitten ist. das dach ist nicht zu sehen. so rückt die reflexion ganz nah an den betrachter heran. der eigene standort wird ungewiss. und betrachtet man die fenster der veranda am linken bildrand - erscheinen dort nicht schemenhafte gestalten? wie passen diese proportional zu der figur vor dem haus? \n und über allem steht eine blaue farbfläche, die durch den lesbaren pinselduktus ihre funktion des \"als-ob-himmels\" unterstreicht. in diesem bild ist nichts, wie es scheint. alles ist aber dichte atmosphäre, die an das innerste des betrachters appelliert, die verunsicherung auszuhalten und einen standort zu finden. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen landschaft papierarbeit öl haus","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: \"study for camp forestia ii\". \n \n date: 1996. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 68,5 x 51cm. \n \n notation: titled, dated and signed twice verso upper centre: study for camp forestia ii 1996 peterdoig peter m doig. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1996) \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 54, ill. \n \n \n - autonomous work by the innovator of figurative painting in a condensed format \n \n - important, central intermediate stage within the \"camp forestia\" group of works \n \n - convincing work with the emotional intensity typical of doig \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s framed landscape works on paper oil house"},"estimateMax":500000,"lotNumber":"18","title":{"de":"peter doig: \"study for camp forestia ii\"","en":"peter doig: \"study for camp forestia ii\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27717/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":240000,"soldPrice":360000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.831Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac300,000 - 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contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (1996 vom vorherigen erworben) \n \n literatur: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 53, abb. \n \n \n - eine mit der biographie des wohl einflussreichsten britischen figurativen künstlers eng verbundene arbeit \n \n - aus der wichtigen \"concrete cabin\"-werkgruppe, die für den künstler selbst von zentraler bedeutung ist \n \n \n peter doig trifft le corbusier: die \"cité radieuse\" \n 1991 ist der 32-jährige absolvent der londoner \"chelsea school of art\", peter doig, teilnehmer einer außergewöhnlichen aktion: im französischen briey-en-fôret findet sich eine internationale gruppe von künstlern und architekten ein, um ein hochhaus im wald vor dem verfall zu retten. es handelt sich um die \"cité radieuse\" (auch \"unité d'habitation de briey\"), die der visionäre architekt le corbusier mitte der 1950er jahre geplant und bis 1961 errichtet hatte (abb. 1). der avantgardistische bau wurde jedoch nur etwa 20 jahre genutzt und erst nach einer etwa 10-jährigen phase des \"dornröschen-schlafs\" setzte sich die idee durch, das aufgegebene gebäude nicht zu zerstören, sondern zu erhalten und neu zu nutzen. als peter doig zu der rettungsaktion stößt, zieht ihn der brutalistische beton-bau, der zwischenzeitlich weiß gestrichen worden war, in seinen bann. doig fertigt fotos und filmaufnahmen von diesem zeugnis menschlicher kultur an, das, im wald gelegen, von der natur beinahe zurückerobert worden wäre. in einer für seinen künstlerischen werdegang entscheidenden phase zwischen 1991 und 1998 werden diese dokumentationen ausgangspunkt einer reihe von eigenständigen gemälden und graphiken (abb. 2). sie alle thematisieren die schwelle der begegnung von natur und bauwerk, indem sie den monumental-bau hinter einem \"baum-und-pflanze-vorhang\" zeigen. welche bedeutung peter doig den \"concrete cabin\"-werken selbst beimisst, wird darin deutlich, dass er diesen arbeiten bei seiner ersten großen retrospektive (2008/2009, london, paris, frankfurt) einen zentralen raum zuweist. schon 1994, als der künstler es auf die short-list des turner-preises schafft, stehen drei \"concrete cabin\"-gemälde im zentrum seiner installation in der tate gallery. \n \n \n concrete cabin: die brutalistische \"hütte\" im wald \n vier schlanke baumstämme zerteilen gleichsam die vorliegende arbeit in fünf streifen, von denen der mittlere der breiteste ist und die beiden randstreifen am schmalsten erscheinen. der blick-ausschnitt auf die hauptfassade der \"cité radieuse\" füllt das blatt-format ganz aus: weder himmel noch erde sind zu sehen. \n die stämme und die wenigen äste sind scharf konturiert. die weiße fassade mit den akzenten in den grundfarben rot, blau und gelb erscheint dahinter unscharf und erinnert an ein überbelichtetes foto. gleichwertig ist das grüne laub der bäume optisch aufgelöst: mit trockenem pinselstrich gemalt, erscheint es als ein grünes flirren in dem raum zwischen den stämmen und der strahlenden fassade. in dem mittleren streifen verwebt sich diese flimmernde natur mit dem vertikalen gestaltungselement der kleinteiligen fenster-struktur. die baumstämme aber, die in dieser lichtsituation tiefdunkel sein müssten, changieren von dunkelstem braun bis zu hellem rot und lassen partiell den malgrund, das weiße papier, durchscheinen. oder handelt es sich auch hierbei um reflexionen? wird der vermeintlich verschattete standort des betrachters ebenfalls von starkem licht durchflutet? \n peter doig spielt in seinem werk durchgängig mit sehgewohnheiten und deren brechung. seine motive bleiben ganz gegenständlich, er schafft aber durch starke abstraktion und malerische auflösung einen traumartigen schwebezustand, den der betrachter emotional füllen kann. die für den maler konkret erinnerbare situation im nordfranzösischen briey-en-fôret wird aus dem kontext isoliert zu einem überzeitlichen motiv. das laub der bäume und die struktur der architektur verschwimmen zu einem gleichwertigen muster, vor dem allein die kraftvollen vertikalen realität vermitteln. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen stadtansicht papierarbeit öl baum","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: \"study for concrete cabin\". \n \n date: 1996. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 68,5 x 51cm. \n \n notation: titled, dated and signed twice verso upper centre: study for concrete cabin 1996 peter doig peter doig. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1996) \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 53, ill. \n \n \n - a work closely linked to the biography of arguably the most influential british figurative artist \n \n - from the important \"concrete cabin\" group of works, which is of central significance to the artist himself \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s framed cityscape works on paper oil tree"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"19","title":{"de":"peter doig: \"study for concrete cabin\"","en":"peter doig: \"study for concrete cabin\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27718/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":128000,"soldPrice":270000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.836Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac160,000 - 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lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 55, abb. \n \n \n - typisches \"unschärfe\"-gemälde aus dem wintersport themenkreis \n \n - maximal gesteigerte fokussierung auf den vom künstler gewählten motiv-teil \n \n - aus der für seine entwicklung sehr wichtigen phase, mitte der 1990er jahre \n \n \n \"i often paint scenes with snow because snow somehow has this effect of drawing you inwards and is frequently used to suggest retrospection and nostalgia and make-believe\" \n (peter doig zit. nach: bonaventura, paul \"a hunter in the snow\". artefactum, nr. 9, 1994, s. 12). \n \n \n die motiv-gruppe \"olin mk 4\" \n peter doigs vorliegende arbeit \"olin mk iv\" ist teil einer motiv-gruppe, die in den jahren 1995/96 entsteht. ebenso wie mehrere andere werke, die diesen titel tragen, ist auch \"olin mk iv\" ein autonomes kunstwerk (bsp.-abb. 1). ein teilmotiv anderer, großformatiger gemälde wird in dieser arbeit intensiv weiterentwickelt. \n die bezeichnung \"olin mk iv\" steht für den markennamen und die modellnummer eines hoch qualitätvollen und populären skis der 1970er und 80er jahre. doig, der die prägenden jahre seiner jugend in kanada verbrachte, ist selbst ein begeisterter skifahrer und thematisiert den wintersport in vielen seiner arbeiten (u.a. \"ski-jacket\", 1994; \"zermatt serie\" 2020/21). \n zwei großformatige \"olin mk iv\" gemälde peter doigs (bsp.-abb. 2) zeigen ganz oder teilweise einen skispringer, der hoch in der luft schwebt. seinen kunstflug beobachtet vom boden aus eine person, die an einem staketenzaun steht; über diesem zaun hängt eine jacke. eine gelungene schnappschuss-fotografie war wohl ausgangspunkt für diese motivreihe. wirken die beiden erwähnten arbeiten in ihrer farbigkeit und unbeschwertheit wie ein neuanfang in doigs schaffen, so ist das vorliegende werk doch ganz charakteristisch für das gesamt-oeuvre des malers, der die figurative malerei seit den 1990er jahren so intensiv beeinflusst. \n \n \n erinnerung und wiedererinnerung - ein roter faden im werk peter doigs \n ganz typisch für peter doigs arbeit in werkgruppen ist die vorgehensweise, sich immer weiter auf einen aspekt des ausgangsmotivs zu fokussieren. die hier vorgestellte arbeit zeigt wohl den extremsten \"zoom\" der varianten. den spektakulären skispringer des ursprünglichen motivs hat der künstler ganz aufgegeben. die konzentration ist auf die person am zaun gerichtet, die hier aber nunmehr als schemen zu erkennen ist. geschlecht und alter der figur sind völlig unklar. steht sie selbst auf skiern? mit trockenem pinsel hat peter doig verschiedenste grüntöne - vom hellsten pastellton bis zum dunkelsten schwarz-grün - auf den malgrund gesetzt. der eierschalenfarbige karton ist jedoch in weiten teilen nicht bemalt und liefert so den grundton für diese idee einer schnee-landschaft. \n die kenntnis der anderen \"olin mk iv\"-werke ist hilfreich, um sich in der darstellung zurechtzufinden und die objekte zu benennen. die unschärfe und zweidimensionalität der malerei lässt an schatten denken oder auch an eine visualisierte, unscharfe erinnerung. und damit greift diese nicht sehr großformatige arbeit ein zentrales thema des gesamten oeuvres peter doigs auf: erinnerung und wieder-erinnerung mit ihren verlusten der details, aber der komprimierung von atmosphäre. die immer fortgeführte reduktion, gleichsam das \"eindampfen\" eines motivs führt peter doig in seinen arbeiten hin zu einer atmosphärischen verdichtung, die emotionen im betrachter zum klingen bringen kann. unter diesem aspekt ist die vorliegende arbeit \"olin mk iv\" im literarischen sinn ein hoch romantisches werk. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n peter doig schottland figurative kunst zeitgenössische kunst unikate 1990er rahmen abstrakt papierarbeit öl","en":"doig, peter \n 1959 edinburgh \n \n \n title: olin mk iv. \n \n date: 1995. \n \n technique: oil on card. \n \n measurement: 72,5 x 57,5cm. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - contemporary fine arts, berlin \n - bremer landesbank (acquired from the previous owner in 1995) \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (eds.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 55, ill. \n \n \n - typical \"blur\" painting from the winter sports theme group \n \n - maximum focussing on the part of the motif chosen by the artist \n \n - from the phase that was very important for his development, mid-1990s \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n peter doig scotland figurative art contemporary art post war 1990s framed abstract works on paper oil"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"20","title":{"de":"peter doig: olin mk iv","en":"peter doig: olin mk iv"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27719/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":128000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:21.842Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac160,000 - 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galerie brusberg, berlin \n - unternehmenssammlung deutschland (1999 von vorheriger erworben) \n \n literatur: \n - vgl. sullivan, edward j.: botero - sculpture, new york 1986, s. 73, abb. \n \n \n - fernando botero ist der weltweit bedeutendste und populärste südamerikanische künstler des 20. jahrhunderts \n \n - erster guss der kleinen auflage von sechs exemplaren in dieser größe \n \n - bedeutungsvolles werk aus dem frühen skulpturalen oeuvre boteros \n \n \n \"art should be an oasis: a place or refuge from the hardness of life.\" \n (fernando botero zit. nach www.brainyquote.com) \n \n \n der kolumbianischste aller kolumbianischen künstler \n 1956 malt der 24-jährige, kolumbianische künstler fernando botero in mexiko-city ein stillleben mit mandoline. dieses gemälde wird ihn selbst überraschen und seine kunst nachhaltig verändern. \n sein talent hatte dem autodidakten in seiner heimat bereits anerkennung am kunstmarkt gebracht. mit einkünften aus galerieverkäufen und dem preisgeld für den zweiten platz in einem nationalen wettbewerb hatte er eine europareise finanzieren können, die ihn unter anderem nach madrid, paris und florenz führt. dort hat der junge maler die großen museen besucht, sich selbst im kopieren von altmeistergemälden geschult und auch kunstgeschichte studiert. \n nun, in der entstehung dieses stilllebens versucht fernando botero etwas neues: er legt das schallloch der mandoline extrem klein an, und ist selbst erstaunt, wie sehr die form des instruments durch die verkleinerung eines details an volumen gewinnt. botero entdeckt mit diesem gemälde das grundprinzip seines persönlichen stils, des \"boterismo\", den er ab jetzt konsequent weiterentwickelt. er überträgt diesen effekt in der folgezeit auf alle figuren in seinen gemälden. nicht nur menschen und tiere, auch pflanzen und gegenstände gestaltet er mit zusätzlichem volumen und reduziert zugleich deren details. die von ihm geschaffene voluminöse realität wird sein markenzeichen mit wiedererkennungseffekt. eine große mehrheit des publikums reagiert begeistert. 1958 erlebt fernando botero seinen endgültigen durchbruch: er präsentiert seine erste einzelausstellung in einer galerie in den usa (gres gallery, washington d.c.), erhält den ersten preis beim \"xi. salón anual de artistas colombianos\" und vertritt sein land auf der biennale in venedig. botero unterrichtet an der escuela de bellas artes in bogota, zieht aber 1960 nach new york. die prominentesten sammlungen und museen kaufen seine gemälde - denn erst etwa 1964 wendet sich fernando botero zunächst nur gelegentlich der skulptur zu. nun kann sich das volumen der lebewesen und objekte auch dreidimensional entfalten. fernando botero wird auch in europa gefeiert: 1970 zeigen fünf deutsche museen eine große retrospektive des künstlers. 1973 zieht er nach paris, reist aber jedes jahr zu besuchen nach kolumbien. er bezeichnet sich selbst als den kolumbianischsten aller kolumbianischen künstler. um die mitte der 1970er jahre konzentriert fernando botero sich zunehmend auf seine plastischen werke, und dies verstärkt, seit er 1980 ein atelier im italienischen pietrasanta eingerichtet hat. in den 2000er jahren nimmt fernando botero mit seinen kunstwerken verstärkt politisch stellung, indem er die gewalt in kolumbien oder die menschenrechtsverletzungen in abu ghraib thematisiert. fernando botero stirbt 2023 im alter von 91 jahren. \n \n \n fernandos hand wird boteros \"hand\" \n \"das war meine erste wichtige skulptur. die inspiration für diese skulptur nahm ich von der hand der nike von samothrake im louvre, aber sie stellt meine eigene hand dar\" (fernando botero zit. nach sullivan, edward j.: botero sculpture, new york, 1986, s. 68). dieses zitat boteros verdeutlicht zweierlei: auch in den 1970er jahren ist die klassische - hier antike - kunst ein fundus, aus dem der inzwischen gereifte und erfolgreiche künstler schöpft, und: botero nimmt seinen eigenen körper nicht von der voluminösen überführung in eine neue realität aus. die plastik seiner linken hand führt fernando botero zunächst 1973 in kleinerem maßstab aus. 1976 nimmt er diese form in einer fast dreimal so großen version wieder auf. von den sechs exemplaren, die in dieser größe in bronze gegossen wurden, können wir hier den ersten guss vorstellen. in den 1990er jahren hat der künstler die hand dann erneut vergrößert und als außenskulptur konzipiert (heute u.a. auf dem paseo della castellana in madrid)(abb. 1). das motiv der körperlosen hand hat fernando botero in variationen weiterverfolgt. 1977 formen zeige- und mittelfinger einer plastik das \"victory\"-zeichen und in der ausformung von 1981 halten eben diese finger eine zigarette. 25 jahre nach der schaffung der ersten skulptur fertigt der künstler zudem ein gemälde der linken hand. \n diese hier vorgestellte \"hand\" ist entspannt und absichtslos. naturgemäß krümmen sich die finger unterschiedlich stark in richtung der handfläche. handballen und -gelenk sind die voluminösen bereiche, in denen der \"boterismo\" deutlich sichtbar ist. der handballen ist so prall gerundet, dass die assoziation mit einem gesäß nicht zufällig ist. der verzicht auf details, wie das fehlen der hautfalten auf den fingergelenken oder die nicht wirklich natürliche position der fingernägel, die so deutlich unterhalb der fingerkuppen enden, betont unterschwellig das artifizielle dieser bronzehand. gesteigert wird dieser effekt durch die starke verjüngung der finger und durch die stark glänzende oberfläche. der künstler hat hier nicht seine hand als sein wichtiges, tägliches \"werkzeug\" porträtiert. es ist vielmehr die idee einer hand in einer anderen realität, auch wenn seine eigene linke als modell gedient haben mag. isoliert und körperlos begegnet uns das so kommunikative körperteil aber auch als pars pro toto für ein entspanntes und offenes gegenüber. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n fernando botero kolumbien figurative kunst nachkriegskunst objekte 1970er hand objekt bronze","en":"botero, fernando \n 1932 medellin/columbia - 2023 monaco \n \n \n title: hand. \n \n date: 1976. \n \n technique: bronze, brown-patinated. \n \n measurement: 88 x 50 x 38cm. \n \n notation: signed and numbered verso lower centre: botero 1/6. \n \n foundry mark: beside it foundry mark: fonderia tesconi pietra santa. \n \n number: 1/6. \n \n frame/pedestal: plinth. \n \n provenance: \n - brusberg gallery, berlin \n - corporate collection germany (acquired from previous owner in 1999) \n \n literature: \n - cf. sullivan, edward j.: botero - sculpture, new york 1986, p. 73, ill. \n \n \n - fernando botero is the world's most important and most popular south american artist of the 20th century \n \n - first cast of the small edition of six in this size \n \n - significant work from botero's early sculptural oeuvre \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n fernando botero colombia figurative art post-war art sculptures 1970s hand object bronze"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"21","title":{"de":"fernando botero: hand","en":"fernando botero: hand"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27720/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"soldPrice":95000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.938Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - 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sammlung hélène anavi, paris \n - sotheby's, london, auktion 28.3.1984, lot 68 \n - privatsammlung schweiz \n \n ausstellungen: \n - fondation de l'hermitage, lausanne 2010 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. la maison et l'infini, fondation de l'hermitage, lausanne 2010, s. 72 u. 73, abb. \n \n \n - bisher selten publiziertes schlüsselwerk der pariser jahre von william n. copley \n \n - malerei an der schnittstelle zwischen surrealismus und pop \n \n - eine versteckte hommage an den belgischen surrealisten rené magritte \n \n \n ikonographie der französischen bohème \n william n. copley malt \"le roi des poivreaux\" im jahr 1957, als er noch in seinem atelierhaus longpont-sur-orge bei paris lebt, und seine ikonographie ist in diesem gemälde noch eindeutig europäisch geprägt. das bild wird von der silhouette des ubiquitären mannes in anzug und melone, mit dem regenschirm in der linken bestimmt, der auf einen großen, mit parkettfußboden ausgestatteten raum blickt, auf dem sich zahllose kleine nackte blondinen tummeln. eine variante dieser szene voller cartoonhafter kleiner frauen, die sich vor dem mann mit der melone zeigen, ist ein paravent mit dem titel \"harem\" aus dem jahr 1958 (vgl. celant, germano (hrsg.): william n. copley, mailand/houston 2016, abb. 232). die gestalt des mannes, der die szene beherrscht, ist das von rené magritte inspirierte alter ego des künstlers - melone, anzug und regenschirm sind seine feststehenden attribute. in seinen werken aus den pariser jahren finden sich zahllose anspielungen und verweise auf die kultur und lebensart im frankreich der belle époque und der künstlerischen bohème der vorletzten jahrhundertwende, der sich copley zugehörig fühlen will. der titel \"le roi des poivreaux\" verweist darauf. er lässt sich mit \"der könig der säufer\" übersetzen und enthält ein wort aus dem argot, das buchstäblich \"gepfeffert\" heißt, aber auch eine umschreibung für einen betrunkenen bzw. einen säufer ist. das wort weckt sofort die assoziationen an werke wie picassos \"absinthglas\", degas' \"absinthtrinker\" usw. copley ist in erster linie vom surrealismus inspiriert und hat in seiner zeit als galerist in beverly hills 1946 die werke von duchamp, man ray, magritte, max ernst u. a. gezeigt und gesammelt, aber er ist auch inspiriert von der kunst der pariser avantgarde insgesamt, die vom impressionismus bis zum kubismus und darüber hinaus reicht. er ist seit ende der 1940er jahre mit zahlreichen künstlerinnen und künstlern eng befreundet und unterstützt sie sowohl ideell wie materiell. seine vorliebe für den alkohol zeigt sich auch später in seinen inspirationsquellen aus der amerikanischen kultur - dichter wie robert w. service oder der filmkomiker w. c. fields sind neben anderen auch starke trinker, die den alkoholismus in ihren gedichten und filmkomödien durchaus verherrlichen. copleys welt ist obsessiv, erotisch aufgeladen, hedonistisch und gleichzeitig von unschuldig-kindlicher naivität geprägt. er begreift malerei als poesie und kümmert sich nicht um technische aspekte, das macht die authentizität und anhaltende frische seiner malerei aus. \n \n \n eine bildwelt zwischen laster und reue, gewürzt durch raffinesse und witz \n \"le roi des poivreaux\" veranschaulicht die beiden zentralen laster des künstlers mit witz und ironie. seine charaktere - die nackten schönheiten und der mann im fischgrät-anzug bleiben anonym, denn sie verkörpern unser aller streben nach glück. dahinter steht ein ernstes bewusstsein der sündhaftigkeit dieses strebens (mit einem augenzwinkern) und auch unserer sterblichkeit. aus der französischen geschichte nimmt er sich daher auch die guillotine als motiv für die bestrafung, die unweigerlich auf die sünde folgt. in \"le roi des poivreaux\" ist es aber noch nicht so weit, der protagonist beobachtet zunächst die auswahl an frauen, die sich ihm darbieten. ein neues abenteuer kann beginnen, das gemälde markiert einen eintritt in die eigenwillige bildwelt von william n. copley. \n das bild befand sich lange in privatbesitz und war bisher kaum bekannt. es ist eine wesentliche bereicherung des frühwerks der pariser jahre im werk von copley. \n kay heymer. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n william nelson copley usa surrealismus pop art nachkriegskunst unikate 1950er rahmen mann gemälde öl","en":"copley, william nelson \n 1919 new york - 1996 key west \n \n \n title: \"le roi des poivreaux\". \n \n date: 1957. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 114 x 161,5cm. \n \n notation: titled, signed and dated verso lower right: le roi des poivreaux cply 57. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n we are grateful to anthony atlas, william n. copley estate, new york, for his kind scientific support. \n \n provenance: \n - hélène anavi collection, paris \n - sotheby's, london, auction 28th march 1984, lot 68 \n - private collection switzerland \n \n exhibitions: \n - fondation de l'hermitage, lausanne 2010 \n \n literature: \n - exhib. cat. la maison et l'infini, fondation de l'hermitage, lausanne 2010, pp. 72 and 73, ill. \n \n \n - rarely published key work from william n. copley's paris years \n \n - painting at the interface between surrealism and pop \n \n - a hidden homage to the belgian surrealist rené magritte \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n william nelson copley usa surrealism pop art post-war art post war 1950s framed man painting oil"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"22","title":{"de":"william nelson copley: \"le roi des poivreaux\"","en":"william nelson copley: \"le roi des poivreaux\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27721/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":85000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.943Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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nachlass des künstlers \n - david nolan gallery, new york (aufkleber) \n - galerie manus presse, stuttgart/klaus gerrit friese, stuttgart (2006 von vorheriger erworben) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - galerie manus presse/klaus gerrit friese, stuttgart 2006 \n - galerie klaus gerrit friese, stuttgart 2009 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. william n. copley, galerie manus presse/klaus gerrit friese, stuttgart 2006, s. 17, abb. \n - ausst.-kat. william n. copley, among ourselves, stuttgart 2009, kat.-nr. 33, abb. \n \n \n - william n. copleys gemälde vereinen inspirationen aus surrealismus und pop art zu einer einzigartigen bildwelt \n \n - copley - ein \"artist's artist\" par excellence \n \n - voyeurismus als hohe kunst \n \n \n lustvoller voyeurismus \n william copley ist ein rastloser voyeur. erotik ist eine der entscheidenden triebkräfte seiner malerei, in der ein nicht enden wollender kampf der geschlechter mit humoristischen mitteln ausgetragen wird. das unbetitelte gemälde von 1969 ist insofern ein typisches werk des malers. zu sehen ist ein sich umarmendes paar, wobei der mann - ungewöhnlich für copley - kein alter ego des malers ist, sondern ein anonymisierter latin lover, der ganz in der mode der späten 1960er jahre gestylt ist. seine ebenfalls gesichtslose partnerin entblößt zwei schlüsselreize, die den voyeurismus des malers und des betrachters stimulieren - den saum ihres unterkleides und einen hochhackigen schuh, den sie an ihrem angewinkelten bein trägt. der mann könnte ihr in dieser szene einen der unsterblichen aphorismen von copley ins ohr raunen: \"i'll show you my matisse if you'll take of your braque.\" für copley war die malerei nach dem sex die zweitbeste sache, und seine bilder bestätigen diese haltung durch ihre eindeutige zweideutigkeit und den witz, mit dem er seine lustvollen episoden ins bild setzt. \n \n \n inspiration aus der pop art \n copley schafft in den jahren 1968 und 1969 nur sehr wenige gemälde, da sein leben in diesen jahren von rastloser aktivität erfüllt ist; sein privatleben ist turbulent, sein großer mentor marcel duchamp ist 1968 verstorben, und er hat 1967 das kurzlebige, wirtschaftlich desaströse, aber künstlerisch faszinierende projekt \"the letter edged in black press\" verwirklicht, in dem er sechs mappenwerke mit multiples von über 70 künstlerinnen und künstlern unter dem titel \"s. m. s.\" (\"shit must stop\") produziert hat. die wenigen bilder des jahres 1969 haben zumeist das thema des \"battle of the sexes\" als motiv. das jahr 1969 ist ein wendepunkt im werk des künstlers - seine bislang eher naive und unschuldig wirkende formensprache macht einer neuen direktheit und deutlichkeit platz, die sich auch seiner übersiedlung aus paris zurück nach new york und der damit einhergehenden beschäftigung mit der amerikanischen pop art verdankt. mit seiner klaren formensprache ist das gemälde \"ohne titel\" eines der frühen werke copleys in dieser für ihn neuen malweise, die er inzwischen mit den technisch \"schnelleren\" und leichter zu nutzenden acrylfarben ausführt. ab etwa 1972 werden seine darstellungen expliziter und er schafft eine serie von etwa 60 zeichnungen und 60 gemälden mit dem zusammenfassenden titel \"x-rated\". das vorliegende gemälde bereitet mit seinem diskreten voyeurismus diese werkgruppe vor. formal ist das bild auch verwandt mit der werkgruppe der \"nouns\", in der copley einzelne alltagsgegenstände isoliert und vor einem ornamental gestaltenten hintergrund präsentiert - u. a. \"plough and bed\", \"electric chair\", \"bicycle\" (1970). das hier vorliegende werk \"ohne titel\" präsentiert das paar vor einem hintergrund aus kräftig leuchtenden schräglinien in gelb und orange. \n das gemälde stammt aus dem nachlass des künstlers und wurde erstmals nach seinem tod publiziert. \n kay heymer. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n william nelson copley usa surrealismus pop art nachkriegskunst unikate 1960er rahmen paare gemälde acryl mensch","en":"copley, william nelson \n 1919 new york - 1996 key west \n \n \n title: untitled. \n \n date: 1969. \n \n technique: acrylic on canvas. \n \n measurement: 91 x 74cm. \n \n notation: signed and dated lower right: cply 69. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n we are grateful to anthony atlas, william n. copley estate, new york, for his kind scientific support. \n \n provenance: \n - estate of the artist \n - david nolan gallery, new york (label) \n - galerie manus presse, stuttgart/klaus gerrit friese, stuttgart (acquired from the previous owner in 2006) \n - private collection north rhine-westphalia (acquired from the previous owner) \n \n exhibitions: \n - gallery manus presse/klaus gerrit friese, stuttgart 2006 \n - gallery klaus gerrit friese, stuttgart 2009 \n \n literature: \n - exhib. cat. william n. copley, galerie manus presse/klaus gerrit friese, stuttgart 2006, p. 17, ill. \n - exhib. cat. william n. copley, among ourselves, stuttgart 2009, cat. no. 33, ill. \n \n \n - william n. copley's paintings combine inspirations from surrealism and pop art to create a unique pictorial world \n \n - copley - an \"artist's artist\" par excellence \n \n - voyeurism as high art \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n william nelson copley usa surrealism pop art post-war art post war 1960s framed couples painting acrylic human"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"23","title":{"de":"william nelson copley: ohne titel","en":"william nelson copley: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27722/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":55000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.952Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":27722,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":50000},{"startPrice":48000,"sold":false,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27723/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27723/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27723/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27723/004/004.jpg"],"available":false,"description":{"de":"rohlfs, christian \n 1849 niendorf - 1938 hagen \n \n \n titel: gebirgsdorf. \n \n datierung: 1912. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 60 x 100cm. \n \n bezeichnung: monogrammiert und datiert unten rechts: cr 12. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n provenienz: \n - sammlung h. commerell, höfen/enz \n - galerie vömel, düsseldorf \n - privatsammlung \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n literatur: \n - vogt, paul (hrsg.): christian rohlfs - oeuvre katalog der gemälde, recklinghausen 1978, wvz.-nr. 516, abb. \n \n \n rohlfs stilfindungen \n christian rohlfs beeindruckt: durch seine malerei und durch seine biographische entwicklung. genau in der mitte des 19. jahrhunderts geboren, ist christian rohlfs acht jahre älter als lovis corinth und nur vier jahre jünger als max liebermann. das ist die generation, der er zuzurechnen ist. heute ist christian rohlfs als einer der bedeutendsten expressionisten weltweit bekannt. die meisten künstler dieser revolutionären stilrichtung, die sich in deutschland nach 1900 entwickelte, waren etwa 30 jahre jünger als rohlfs. \n \n christian rohlfs ist der sohn eines norddeutschen kleinbauern. als der 14-jährige junge sich wegen einer verletzung seines beines lange schonen muss, versorgt der arzt ihn mit zeichenmaterial. sein talent wird sichtbar und durch die förderung und über die kontakte des arztes gelangt christian rohlfs 1870 zu einem freiplatz an der großherzoglichen kunstschule in weimar. medizinische probleme mit dem bereits erkrankten rechten bein führen zu einer amputation, was seine akademische ausbildung mit schwerpunkt auf naturalistische darstellungen, historien- und genrethemen verlängert. allerdings wird seine lockere, das licht betonende malweise an der akademie zu jener zeit noch kritisch gesehen. 1884 beendet christian rohlfs sein studium und bleibt als freier künstler in weimar. seine werke - überwiegend landschaften - sind impressionistisch und werden von den kritikern geschätzt. christian rohlfs gilt als vertreter der \"deutschen modernen\". (vogt, paul: christian rohlfs. recklinghausen 1978, s. 13) die stadt weimar ist keine provinz; auch hier werden werke französischer impressionisten gezeigt, die christian rohlfs in seiner künstlerischen entwicklung bestärken. \n vermutlich während eines langen aufenthaltes in berlin 1895, lernt der maler den belgischen architekten henry van de velde kennen. van de velde, der wenig später für die kunstentwicklung in weimar so wichtig werden wird, bringt christian rohlfs 1900 in kontakt mit dem hagener sammler und mäzen karl ernst osthaus. der belgier berät osthaus bei dessen planung eines museums, entwirft die innenausstattung und gibt dem sammler entscheidende impulse hinsichtlich der internationalität und aktualität der sammlung des neuen folkwang-museums. karl ernst osthaus lädt christian rohlfs 1901 nach hagen ein, wo er an der folkwang-schule die leitung der malklasse übernehmen soll. in hagen macht christian rohlfs einen entwicklungssprung hin zum \"dramatischen impressionismus\", wie ernst-ludwig kirchner die sich parallel entwickelnde expressive kunst der \"brücke\"-gruppe bezeichnet. farbe wird zum bedeutungsträger an sich, wird träger von emotion und atmosphäre, bleibt bei rohlfs aber immer dem motiv zugeordnet. der künstler christian rohlfs wird nach seiner stilistischen wandlung noch einmal anders wahrgenommen und vernetzt sich intensiver im kunstbetrieb. er freundet sich mit emil nolde an, mit dem er auch eine ähnliche herkunft teilt. die beiden prominenten maler arbeiten teilweise zusammen. christian rohlfs trägt den titel professor, ist mitglied der neuen sezession und des sonderbundes, wird ehrenbürger der stadt hagen und mitglied der preußischen akademie der künste in berlin. als erstem lebenden künstler wird ihm 1929 ein eigenes museum gewidmet. dass die nationalsozialisten auch seine werke als \"entartet\" diffamieren und ihm malverbot erteilen, muss der künstler, der auf ein so reiches lebenswerk zurückblicken kann, nur kurz ertragen. christian rohlfs stirbt 1938 in seinem hagener atelier. \n \n \n eine landschaft - fast ungegenständlich \n drei berge überragen ein miniaturhaft und ganz summarisch dargestelltes dorf, genauer eine kirche und drei häuser. etwas entfernt, ebenso weiß wie die gebäude des dorfes gibt es zwei weitere nicht benennbare objekte, vielleicht ställe? die menschliche ansiedlung dient als maßstab und kontrast vor dem felsmassiv, unter weißem himmel; sie ist umgeben von der dunkelsten zone des bildes, dem schatten im grund des tals. christian rohlfs hat in diesem bild gespielt, experimentiert, gearbeitet. er hat das rote pigment, anders als meist, hier nicht deskriptiv eingesetzt. das blutrot, das er in all seinen schattierungen, aber vor allem auch in allen texturen einsetzt, beschreibt hier kein alpenglühen. die berghänge oberhalb des talschattens erscheinen blau, mit transparentem und deckendem weiß akzentuiert. aber wie der maler hier die möglichkeiten der farbe auslotet, ist grandios, wirkt stellenweise informell. als vordergrund wird das rote pigment deckend eingesetzt, ist aber mit rhythmischem, waagerechtem, zum rechten rand hin schräg aufsteigendem strich aufgetragen und lässt dazwischen partiell die leinwand durchschimmern. anders der mittelgrund: das transparente rot baut sich in kurzen pinselstrichen vertikal auf. dabei hat rohlfs die farbe dick, fast braun wirkend aufgetragen und dann weggenommen, wodurch eine lebendige, plastisch wirkende oberfläche entsteht. da wird gekratzt, gespachtelt, alles ist erlaubt. der himmel, grau-weiß, lässt den pinselstrich erkennen. ihn hat der maler nach den berggipfeln gemalt; in diesem bild gibt der himmel den bergen die kontur. paul vogt schreibt im werkverzeichnis der gemälde christian rohlfs vom \"ungewöhnliche(n) charakter seiner bergbilder. es handelt sich meistens um dieselben motive, die nicht herkömmlich aufgefasst sind, weil der maler sie nicht gegenständlich auffasste, sondern in ihnen die variationsbreite seiner künstlerischen mittel erprobte. [.] manchmal - und das sind die besten arbeiten - existieren [die berge] nur noch als weitgehend abstrahierte farbformen, in denen kontrastreiche, leuchtende töne dominieren. hier hat rohlfs gegenstandsunabhängigkeit durch eine rein optisch begründete abstraktion erreicht, die ihn unmittelbar in die nachbarschaft der zeitaktuellen internationalen bestrebungen rückte.\" (ebd. s. 17) \n dieses gemälde lädt ein, mit den augen darin spazieren zu gehen, die handschrift des malers zu erforschen und seine experimentierfreudigkeit im gereiften alter von 62 jahren zu genießen. es ist ein ungeheuer modernes stück malerei aus dem jahr 1912. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n christian rohlfs deutschland expressionismus norddeutscher expressionismus moderne kunst unikate 1910er rahmen landschaft gemälde öl","en":"rohlfs, christian 1849 niendorf - 1938 hagen \n \n \n title: gebirgsdorf. \n \n date: 1912. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 60 x 100cm. \n \n notation: monogrammed and dated lower right: cr 12. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - collection h. commerell, höfen/enz \n - vömel gallery, düsseldorf \n - private collection \n - private collection north rhine-westphalia \n \n literature: \n - vogt, paul (ed.): christian rohlfs - oeuvre catalog of paintings, recklinghausen 1978, wvz. no. 516, ill.. \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n christian rohlfs germany north german expressionism modern art 1910s framed landscape painting oil"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"24","title":{"de":"christian rohlfs: gebirgsdorf","en":"christian rohlfs: gebirgsdorf"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27723/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.966Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27723,"category":{"de":"Mod. 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[.] meine bilder werden jetzt immer einfacher und strenger und glaube hiermit den inneren kern des lebens zu finden.\" (franz radziwill zit. nach wietek; gerhard: franz radziwill - wilhelm niemeyer, dokumente einer freundschaft, oldenburg 1990, s.70) \n der gemeinsame ausflug in das vom stadtkern hamburgs etwa 15 km entfernte, direkt an der elbe liegende blankenese fand form und farbe in zeichnungen (abb. 1) und in diesem gemälde von singulärer qualität. der gelehrte freund hat die im maler ungeheuer heftig aufbrechende schöpferische energie, seine innere glut, sein feuer erlebt, unmittelbar und unaufhaltsam: \"selten ist es geschehen, daß ein junger künstler so sicher und leicht den weg zu sich und seinem schaffen fand wie franz radziwill. [.] radziwill hat die uranlage des wahren malers, daß ihm farben nicht darstellungsmittel sind, sondern das eigenste tiefe leben der dinge selbst.\" (wilhelm niemeyer zit. nach \"über den maler franz radziwill\", in: kündung i, 3, 1921) \n so versammelt sich in diesem gemälde viel von dem, was den gerade 26-jährigen ausmacht. für dr. wilhelm niemeyer war radziwill \"repräsentant einer neuen generation der schaffenden.\" (ebd.) schon bald hingen im hause des gelehrten acht gemälde von ihm. und auch die hamburger \"brücke\"-passiv-mitglieder griffen zu. ein dokument aus dem jahre 1924 hält fest, wie viele seiner gemälde sich in ihren sammlungen befanden: 27. \n \"hamburg ist\", so franz radziwills resümee, \"die stadt meines aufstieges als maler.\" (vgl. presler, gerd \"hamburg ist die stadt meines aufstiegs als maler\", auf: presler.de) in diesem umfeld entstand ein plan, ein kühner plan: die \"brücke\" - am 27. mai 1913 zerbrochen - sollte, musste fortgesetzt werden! und tatsächlich schlossen sie sich erneut zusammen: hamburger passiv-mitglieder (darunter dr. rosa schapire und dr. wilhelm niemeyer, der oldenburger jurist dr. ernst beyersdorff), erich heckel, karl schmidt-rottluff - und franz radziwill. ihr neuer name: \"künstlergruppe ufer\" (ebd.). schon bald zog das jüngste mitglied auf bitte und rat von karl schmidt-rottluff an den jadebusen: \"franz, ich bin früher viel in dangast gewesen. das ist was für dich!\" (mündliche aussage des künstlers) \n \n \n landschaft mit gebirge (hohes elbufer bei blankenese) \n in der weite einer flachen, offenen landschaft unter einem unendlichen himmel, hineingenommen in die ewigen rhythmen der gezeiten aus ebbe und flut werden seine bilder immer einfacher, großzügiger, immer elementarer. solche spuren seines nun nur ihm gehörenden daseins finden sich in diesem gemälde: sie führen, wie er selbst schreibt: \"in den inneren kern des lebens.\" (franz radziwill zit. nach wietek; gerhard: franz radziwill - wilhelm niemeyer, dokumente einer freundschaft, oldenburg 1990, s.70) \n die rückseite trägt ein überraschendes werk: in den von not geplagten nachkriegsjahren kommt es des öfteren dazu, dass malerinnen und maler ihre kostbare leinwand beidseitig nutzen. so auch hier: nach art eines interieurs versammeln sich fünf personen - vier namenlose, gesichtslose frauen und ein mann - wie aus den bildwelten karl schmidt-rottluffs entstiegen. im hintergrund rechts ein landschaftsbild mit liegendem akt vor einer gebirgslandschaft, über der ein clown aus der märchenwelt marc chagalls seinen unbeschwerten, heiteren tanz aufführt (abb. 2). \n gerd presler. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n franz radziwill deutschland neue sachlichkeit phantastischer realismus moderne kunst unikate 1920er modellrahmen landschaft gemälde öl","en":"radziwill, franz 1895 strohhausen/wesermarsch - 1983 wilhelmshaven \n \n \n title: landschaft mit gebirge (hohes elbufer bei blankenese). \n \n date: 1921/22. \n \n technique: oil on canvas. relined on the edges. \n \n measurement: 80 x 86cm. \n \n notation: monogrammed lower right: fr. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n depicted is the hohe elbufer near blankenese, a motif that the artist already shows and names in a watercolor (cat. rais. seeba no. 2136). verso the painting \"fünf personen im café\" from 1922. \n \n provenance: \n - galerie stangl, munich \n - private collection north germany \n \n exhibitions: \n - gallery nierendorf, berlin 1980 \n - kunsthalle emden, 2011 \n - franz radziwill house, dangast 2020 \n \n literature: \n - firmenich, andrea/schulze, rainer w.: franz radziwill, 1895 bis 1983 - monographie und werkverzeichnis, cologne 1995, cat. rais. no. 108 and 115, ill. \n - cf. seeba, wilfried: franz radziwill, 1895-1983,werkverzeichnis der aquarelle, zeichnungen und bemalten postkarten, oldenburg 2006, cat. rais. no. 2136, ill. \n - exhib. cat. gallery nierendorf, berlin 1980, cat. no. 541, ill. \n - exhib. cat. franz radziwill - meisterwerke aus privaten sammlungen, kunsthalle emden, 2011, no. cat. no., p. 42, ill. \n - exhib. cat. franz radziwill - inszenierte bildräume, franz radziwill haus, dangast 2020, cat. no. 5, p. 66, ill. \n \n \n - paintings of singular quality in the artist's oeuvre \n \n - the unusually free and sweeping strokes unfold a beguiling pull effect \n \n - early landscape painting that shows the proximity to expressionism \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n franz radziwill germany new objectivity modern art 1920s craftman's frame landscape painting oil"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"25","title":{"de":"franz radziwill: landschaft mit gebirge (hohes elbufer bei blankenese)","en":"franz radziwill: landschaft mit gebirge (hohes elbufer bei blankenese)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27724/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":60000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.986Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27724,"category":{"de":"Mod. 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privatsammlung berlin \n \n ausstellungen: \n - kunstverein hamburg, 1947, kat.-nr. 22 \n - overbeck-gesellschaft, lübeck 1947, kat.-nr. 22 \n - kestner gesellschaft, hannover 1950 \n - overbeck-gesellschaft, lübeck 1953 \n - kunstverein bremen, 1953 \n - kunsthalle der hypo-kulturstiftung, münchen 2002 \n - kunstmuseum bonn, 2002/03 \n \n literatur: \n - ernst wilhelm nay stiftung (hrsg.): werkverzeichnis - \n www.nay.aps-info.de , wvz.-nr. cr 285 (letzter zugriff 26.03.2025) \n - scheibler, aurel: ernst wilhelm nay - werkverzeichnis der ölgemälde, bd. i 1922-1951, köln 1990, wvz.-nr. 285, abb. \n - ausst.-kat. ernst wilhelm nay, kestner gesellschaft, hannover 1950, kat.-nr. 24 \n - ausst.-kat. e. w. nay, variationen 1935-1968, retrospektive zum 100. geburtstag, kunsthalle der hypo-kulturstiftung/kunstmuseum bonn, köln 2002, kat.-nr. a27, s. 97, s. 210, abb. \n - weltzien, friedrich: e. w. nay - figur und körperbild, kunst und kunsttheorie der vierziger jahre, berlin 2003, s. 137 \n \n \n - das werk war teil der wichtigen retrospektive zum 100. geburtstag 2002 \n \n - eines der seltenen gemälde aus des künstlers zeit in frankreich während des zweiten weltkrieges \n \n - dynamisches werk, das vor allem durch seine kräftigen farben und ineinander verschlungenen formen besticht \n \n \n die frankreich-bilder e.w. nays \n ernst wilhelm nays leben und künstlerische entwicklung wird zeit seines lebens stark von gesellschaftlichen umbrüchen geprägt. vor allem der zweite weltkrieg bedeutet für ihn eine heftige zäsur. mit dem machtantritt der nationalsozialisten 1933 verschlechtert sich seine situation drastisch. seine werke werden als \"entartete\" kunst diffamiert, er erhält ausstellungs- und malverbot. trotzdem setzt nay seine arbeit fort, wenn auch unter schwierigen bedingungen. 1940 wird er schließlich als infanteriesoldat in südfrankreich stationiert. ab 1942 arbeitet er in le mans als kartenzeichner. hier findet er eine idylle, ein stück freiheit in einer welt voller verbote und menschlicher abgründe. der amateurbildhauer pierre de térouanne stellt nay sein atelier zur verfügung, wodurch er einige werke schaffen kann. dank seines freundes und sammlers hans lühdorf sind die werke dieser zeit in frankreich in listen dokumentiert, insgesamt sind 49 gemälde zwischen 1940 und 1944 verzeichnet. nay selbst beschreibt sie wie folgt: \"jene bilder aus dem krieg waren eigentlich etwas einmaliges in meiner kunst. sie waren aus persönlichen erlebnissen entstanden, an die ich mich klammerte, da ich alles andere nicht verstehen konnte, eine konstellation, die es in meiner kunst sonst nie gab.\" (ernst wilhelm nay zit. nach scheibler, aurel: ernst wilhelm nay - werkverzeichnis der ölgemälde, bd. i 1922-1951, köln 1990, s. 198) die werke sind von einer zweideutigkeit geprägt: nay, zerrissen von der schönheit frankreichs, den freundlichen begegnungen einerseits und der grausamkeit des kriegs andererseits, verarbeitet diesen konflikt in seiner kunst. \n \n \n \"herbst\"- ein fest der sinne \n das hier vorgestellte werk \"herbst\" von 1940 ist eines dieser seltenen ölgemälde aus frankreich, noch bevor er nach le mans kam. \"herbst\" entfaltet eine farbgewaltige, bewegte vision der herbstlichen natur. die bildfläche wird von intensiven, warmen farben wie rot, orange, braun und gelb beherrscht, die von dunklen grüntönen und vereinzelten kühlen akzenten in blau und weiß durchbrochen werden. in der komposition verzichtet nay auf eine zentralperspektive, stattdessen fluten rhythmische bewegungen und verschlungene formen die leinwand. auf den ersten blick schlägt dem betrachtenden ein unentwirrbares durcheinander von formen und farben entgegen. bei genauerer betrachtung lassen sich ovale köpfe, die grob vereinfachten hände und füße der rosa und fleischfarbenen figuren erkennen, die sich zu bücken, zu tanzen oder zu strecken scheinen. sie scheinen mit den bäumen, der sie umgebenden stadt und dem licht der abendlichen sonne zu verschmelzen. die zwischenräume füllt nay mit einem einfachen schachbrettmuster, ein stilmittel, welches er sich in den kommenden jahren zunehmend zu eigen machen wird. \n nay versteht den herbst nicht als bloßes naturereignis, sondern als existenziellen moment von verwandlung und vergänglichkeit. die verschmelzung der formen deuten auf eine spirituelle verbindung von mensch und natur hin, eine symbiose, die den unaufhaltsamen kreislauf des lebens feiert. darüber hinaus kann die kombination der unterschiedlichen gelb- und rottöne, die hauptsächlich entlang der bildmitte vertikal vorkommen, eine assoziation mit einem flammenmeer wecken. so wird je nach auslegung aus einem herbstlichen sonnenuntergang schnell eine brennende stadt, aus ausgelassen tanzenden frauenfiguren werden aufgelöst umherirrende gestalten. in dieser lesart bekommt das gemälde etwas bedrohliches. die tragödie des kriegs schwebt über allem, brennende städte sind unveränderlich teil eines lebens, wie auch der wechsel der jahreszeiten. \"herbst\" ist somit mehr als eine darstellung der jahreszeit. es ist ein emotional aufgeladenes, symbolisches bild des lebens selbst - voller bewegung, voller wandel und voller unbändiger kraft. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n ernst wilhelm nay deutschland expressionismus abstraktion nachkriegskunst unikate 1940er modellrahmen landschaft gemälde öl natur","en":"nay, ernst wilhelm \n 1902 berlin - 1968 cologne \n \n \n title: herbst. \n \n date: 1940. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 88 x 115cm. \n \n notation: signed lower left: e w nay. additionally signed, dated and inscribed verso on the stretcher: e w nay 1940 herbst 33 as well as on the canvas: nay 33. additionally inscribed several times on the stretcher with the number. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - dr. fritz von borries collection, bad schwartau \n - private collection berlin \n \n exhibitions: \n - kunstverein hamburg, 1947, cat. no. 22 \n - overbeck society, lübeck 1947, cat. no. 22 \n - kestner society, hanover 1950 \n - overbeck society, lübeck 1953 \n - kunstverein bremen, 1953 \n - kunsthalle of the hypo-kulturstiftung, munich 2002 \n - kunstmuseum bonn, 2002/03 \n \n literature: \n - ernst wilhelm nay foundation (ed.): werkverzeichnis - \n www.nay.aps-info.de , wvz.-no. cr 285 (last accessed 26th march 2025) \n - scheibler, aurel: ernst wilhelm nay - werkverzeichnis der ölgemälde, vol. i 1922-1951, cologne 1990, cat. rais. no. 285, ill. \n - exhib. cat. ernst wilhelm nay, kestner gesellschaft, hanover 1950, cat. no. 24 \n - exhib. cat. e. w. nay, variationen 1935-1968, retrospektive zum 100. geburtstag, kunsthalle der hypo-kulturstiftung/kunstmuseum bonn, cologne 2002, cat. no. a27, p. 97, p. 210, ill. \n - weltzien, friedrich: e. w. nay - figur und körperbild, kunst und kunsttheorie der vierziger jahre, berlin 2003, p. 137 \n \n \n - the work was part of the important retrospective for the 100th anniversary of his birth in 2002 \n \n - one of the rare paintings from the artist's time in france during the second world war \n \n - dynamic work that captivates above all with its strong colors and intertwined forms \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n ernst wilhelm nay germany abstraction post-war art post war 1940s craftman's frame landscape painting oil nature"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"26","title":{"de":"ernst wilhelm nay: herbst","en":"ernst wilhelm nay: herbst"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27725/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":130000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.992Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - \u20ac120,000","currency":"EUR","id":27725,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle","en":"Post War"},"estimateMin":80000},{"startPrice":48000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27726/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27726/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27726/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27726/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"klee, paul \n 1879 münchenbuchsee - 1940 muralto/ tessin \n \n \n titel: \"die eule wusste es\". \n \n datierung: 1940. \n \n technik: kleisterfarben auf simili-japan, marke bambou japon leysse. \n \n montierung: auf karton montiert. \n \n maße: 20,5 x 29cm. \n \n bezeichnung: signiert oben links in der arbeit: klee. auf dem unterlagekarton unten links datiert, bezeichnet und betitelt: 1940 k10 die eule wusste es. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. im rahmen beschrieben. \n \n zu diesem werk liegt eine fotoexpertise von dr. jürgen glaesemer vom 1. dezember 1987 vor. \n \n provenienz: \n - lilly klee, bern (1940-1946) \n - klee-gesellschaft, bern (1946-1950) \n - paul-klee-stiftung, bern (1950-1952) \n - felix klee, bern (1953-1981) \n - carmine benincasa, rom (ab 1981) \n - sotheby's, london, auktion, 1.06.1987, lot 513 \n - galerie neher, essen (aufkleber) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1989 von vorheriger erworben) \n - selbstständige stiftung in der betreuung des deutschen stiftungszentrums, essen \n \n ausstellungen: \n - malmö museum, 1965 \n - konstsalongen, stockholm 1965 \n - konstmuseum, göteborg 1965 \n - studio due ci arte moderna, rom 1982 (aufkleber) \n - marisa del re gallery, new york 1983 \n - museo d'arte moderna ca pesaro, venedig 1986 \n - galerie neher, essen 1987 \n - galerie neher, essen 1988 \n - kunstmuseum, bern 1990 \n \n literatur: \n - paul-klee-stiftung/kunstmuseum bern (hrsg.): paul klee - catalogue raisonné, bd. 9, bern 2004, wvz.-nr. 9309, abb. \n - paul-klee-stiftung/kunstmuseum bern (hrsg.): paul klee, verzeichnis der werke des jahres 1940, stuttgart 1991, wvz.-nr. 1940, 290 (kk10), abb. \n - ausst.-kat. paul klee, malningar-teckningar, malmö/göteborg/stockholm, 1965, kat.-nr. 124 \n - ausst.-kat. paul klee, studio due ci arte moderna, rom 1982, kat.-nr. vii, abb. \n - ausst.-kat. klee. 1914 - 1940, marisa del re gallery, new york 1983, abb. \n - ausst.-kat. paul klee nelle collezioni private, museo d'arte moderna ca' pesaro, venedig 1986, kat.-nr. 154 \n - ausst.-kat. deutsche kunst im 20. jahrhundert, galerie neher, essen, 1987, bd.1, s. 66/67, abb. \n - ausst.-kat. die kunst der aquarelle, galerie neher, essen, 1988, s. 32, abb. \n - ausst.-kat. paul klee - das schaffen im todesjahr, kunstmuseum bern, bern 1990, kat.-nr. 272, abb. \n \n \n - farbfrisches blatt aus dem letzten lebensjahr des künstlers \n \n - stilistisch besonders typische arbeit, die lange im besitz der erben des künstlers blieb \n \n - beeindruckende ausstellunghistorie \n \n \n paul klee: der einzigartige der avantgardisten \n die biografie paul klees liest sich wie ein abriss der avantgardistischen europäischen kunst des frühen 20. jahrhunderts: münchener akademie (flüchtig) - blauer reiter in münchen - herwarth waldens galerie \"der sturm\" - dada in zürich - bauhaus in weimar und dessau - die blauen vier - surrealismus in paris - düsseldorfer kunstakademie. paul klee ist immer mittendrin, teilweise als treibende kraft und bleibt doch immer eine singuläre erscheinung. \n seine arbeiten sind meist kleinformatig und häufig auf papier ausgeführt. zunächst als grafiker ausgebildet, findet klee erst 1914 mit der tunis-reise wirklich zur farbe und empfindet sich als maler. was sein werk so singulär macht, sind seine ausgeprägte, immer mitschwingende rhythmik und sein lyrischer zugang zur sprache. paul klee ist sohn einer pianistin und eines musiklehrers, spielt selbst virtuos geige und heiratet eine pianistin. (farb-)harmonie und rhythmus bestimmen sein gesamtes künstlerisches schaffen. seine kunst ist stark geprägt von der reduktion zeichenhafter, archaisch wirkender linien und dem ideal der kinderzeichnung als ausdruck eines tieferen bewusstseins. paul klee wirkt als lehrer am bauhaus und an der düsseldorfer kunstakademie unmittelbar auf jüngere künstler. sein werk hat auch nach seinem tod generationen von malern inspiriert; nicht zuletzt sind seine formatfüllenden, nicht räumlich verorteten darstellungen von starkem einfluss auf die amerikanischen abstrakten expressionisten mit ihren all-over-paintings. \n \n \n was wusste die eule? \n alle beschriebenen eigenarten der kunst paul klees weist dieses farbfrische blatt auf, das aus seinem letzten lebensjahr stammt. der künstler hat das papier zunächst mit kleisterfarben in rot- und gelbtönen formatfüllend gestaltet, so dass die roten bereiche als unkonturierte farbinseln in dem gelben umraum stehen. das malmittel hat die eigenschaft zugleich transparent zu sein und doch pastos zu wirken. die unmittelbarkeit des farbauftrags bleibt erhalten und verleiht der farbe den anschein einer haptischen oberfläche. eine schwarze umriss-figur und stark abstrahierende linien verteilen sich vermehrt über den roten farb-nuancen. links die eule, die im titel des blattes erwähnt wird. sie schaut aus dem bild heraus frontal auf den betrachter. rechts neben ihr eine person, typisch klee: kopf-arm-hand-bein-bauch und ganz rechts - ein großer vogel: ein runder bauch mit ausgespartem flügel, darüber auge und schnabel. die den rand des blattes berührende, gegabelte linie, gehört auch sie noch zu dem vogel? zwischen den mensch- und vogel-zeichen finden sich mit kurzem pinselstrich gestaltete punkte am unteren rand des blattes. hier liegt das vogelfutter, das der mensch dem vogel hinwirft. was aber wusste die eule? der titel suggeriert, dass \"es\" etwas negatives ist. ist das futter vergiftet? oder handelt es sich bei der gegabelten linie in der oberen rechten ecke um eine falle, die die freiheit des vogels beenden wird, wenn dieser sich auf die körner konzentriert? paul klee, der sprach-purist, hat den titel des blattes wohl nicht zufällig in die vergangenheit gesetzt. die eule, das symboltier für weisheit, gelehrsamkeit und philosophie, scheint zeuge der szene, aber sie greift in das geschehen nicht ein. georg friedrich hegel brachte im 19. jahrhundert den gedanken auf, dass die philosophie, symbolisiert durch die nachtaktive eule, immer retrospektiv wirkt. erst aus phänomenen, die sich bereits ereignet haben, aus geschichte, zieht sie die lehre. ob der in die schweiz emigrierte paul klee diese analogie kannte oder ob er die eule als untätige, aber wissende zeugin zeigt: vor dem hintergrund der europäischen geschichte im jahr 1940 könnte dieses blatt als politisches statement gelesen werden. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n paul klee deutschland expressionismus künstlergruppe \"der blaue reiter\" moderne kunst unikate 1940er modellrahmen. im rahmen beschrieben abstrakt papierarbeit gouache","en":"klee, paul 1879 münchenbuchsee - 1940 muralto/ ticino \n \n \n title: \"die eule wusste es\". \n \n date: 1940. \n \n technique: paste colors on simili-japan, marke bambou japon leysse. \n \n mounting: mounted on card. \n \n measurement: 20,5 x 29cm. \n \n notation: signed upper left of the work: klee. dated, inscribed, and titled on the backing card lower left: 1940 k10 the owl knew it. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. not examined out of the frame. \n \n a photo expertise by dr. jürgen glaesemer dated december 1, 1987, is available for this work. \n \n provenance: \n - lilly klee, bern (1940-1946) \n - klee society, bern (1946-1950) \n - paul klee foundation, bern (1950-1952) \n - felix klee, bern (1953-1981) \n - carmine benincasa, rome (from 1981) \n - sotheby's, london, auction, 1st june 1987, lot 513 \n - galerie neher, essen (label) \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from previous owner in 1989) \n - independent foundation under the supervision of the german foundation centre, essen \n \n exhibitions: \n - malmö museum, 1965 \n - konstsalongen, stockholm 1965 \n - konstmuseum, gothenburg 1965 \n - studio due ci arte moderna, rome 1982 (label) \n - marisa del re gallery, new york 1983 \n - museo d'arte moderna ca pesaro, venice 1986 \n - galerie neher, essen 1987 \n - galerie neher, essen 1988 \n - kunstmuseum, bern 1990 \n \n literature: \n - paul klee foundation/kunstmuseum bern (eds.): paul klee - werkverzeichnis, vol. 9, bern 2004, cat. no. 9309, ill. \n - paul klee foundation/kunstmuseum bern (eds.):paul klee, verzeichnis der werke des jahres 1940, stuttgart 1991, cat. no. 1940, 290 (kk10), ill. \n - exhibition catalogue: paul klee, malningar-teckningar, malmö/gothenburg/stockholm, 1965, cat. no. 124 \n - exhib. cat.: paul klee, studio due ci arte moderna, rome 1982, cat. no. vii, ill. \n - exhib. cat.: klee. 1914 - 1940, marisa del re gallery, new york 1983, ill. \n - exhib. cat. paul klee nelle collezioni private, museo d'arte moderna ca' pesaro, venice 1986, cat. no. 154 \n - exhib. cat. deutsche kunst im 20. jahrhundert, galerie neher, essen, 1987, vol. 1, pp. 66/67, ill. \n - exhibition cat. die kunst der aquarelle, galerie neher, essen, 1988, p. 32, ill. \n - exhibition cat. paul klee - das schaffen im todesjahr, kunstmuseum bern, bern 1990, cat. no. 272, ill. \n \n \n - freshly coloured sheet from the last year of the artist's life \n \n - a stylistically particularly typical work, which remained in the possession of the artist's heirs for a long time \n \n - impressive exhibition history \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n paul klee germany modern art 1940s craftman's frame. not examined out of the frame abstract works on paper gouache"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"27","title":{"de":"paul klee: \"die eule wusste es\"","en":"paul klee: \"die eule wusste es\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27726/view","tags":["daFineart_Watercolors","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":105000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.021Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27726,"category":{"de":"Mod. 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a.r. \n 1939 dresden - 2017 zürich \n \n \n titel: ohne titel. 14-teilig. \n \n datierung: 1977. \n \n technik: jeweils dispersion auf leinwand. \n \n maße: 12 teile: 60 x 60cm. ein teil: 65 x 65cm. ein teil: 60 x 200cm. \n \n rahmen/sockel: jeweils rahmen. \n \n provenienz: \n - galerie michael werner, köln (aufkleber) \n - galerie rudolf zwirner, köln \n - unternehmenssammlung deutschland (1981 von vorheriger erworben) \n \n ausstellungen: \n - kunsthaus zürich, 1988 \n - staatliche kunstsammlungen dresden, 2019 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. a.r. penck, kunsthaus zürich, berlin 1988, s. 192/93; 249, kat.-nr. 83, abb. \n - ausst.-kat. a.r. penck \"ich aber komme aus dresden (check it out man, check it out)\", staatliche kunstsammlungen dresden, dresden 2019, s. 217, abb. \n \n \n - kunsthistorisch äußerst wertvolle provenienz \n \n - zugleich schwelgerische schöpfungsgeschichte und systematische grundlagenforschung \n \n - auf 14 tafeln entfaltet sich die spezifische zeichensprache von a. r. penck \n \n \n schematisierung des sichtbaren \n a.r. penck, dessen pseudonym auf den deutschen geologen und eiszeitforscher albrecht penck verweist, wird 1939 als ralf winkler in dresden geboren. antiideologisch und kompromisslos, strebt penck schon früh nach künstlerischer unabhängigkeit und bildet sich autodidaktisch weiter, nachdem ihm ein offizielles akademiestudium verwehrt wird. seine analytische haltung treibt ihn zeitlebens zu einer art bildforschung, für die er die erkenntnisse der philosophie, mathematik, logik, musik und lyrik hinzuzieht. entsprechend entfaltet sich seine künstlerische tätigkeit auf vielfältigen gebieten: neben gemälden, plastischen und grafischen werken, verfasst er gedichte und texte und veröffentlicht eigene jazzalben, für die er die cover gestaltet. \n a.r. penck, der bereits seit 1962 in der ddr nicht mehr öffentlich ausstellen darf, vertritt sein künstlerisches anliegen trotz zunehmender repressalien durch das ministerium für staatssicherheit standhaft und unterhält bis zu seiner ausbürgerung 1980 enge verbindungen zur westdeutschen kunstszene. vor allem trägt sein freund und galerist michael werner zur erfolgreichen und weitreichenden internationalen verbreitung seines werks bei, die sich in teilnahmen an der biennale in venedig (1984) und documenta (1972, 1982 und 1992) niederschlägt. \n in korrespondenz zu seiner unangepassten rolle in der ddr, befreit sich penck künstlerisch von der abhängigkeit des sichtbaren, um sich stattdessen mit einer methode der starken vereinfachung \"ein bild zu machen\" (wolfgang opitz im gespräch mit asteris kutulas in: \"als wir uns bewußt als untergrund bezeichneten\", \"die union\", 6./7.10.1990). pencks gemälde beruhen auf der systematischen erfassung von komplexen prozessen der sichtbaren welt in schaubildartigen bildarrangements. tatsächlich bezeugen frühe tagebucheinträge aus den 1960er jahren seine hinwendung zu schematischen aufzeichnungen über physik, insbesondere mechanische vorgänge. auf der suche nach einer universellen bildsprache orientiert sich penck an den grafischen darstellungen von informationstheorien und kybernetischen studien. \n \n \n das standart system \n ausgehend von technischen zeichnungen von kreisläufen und kraftfeldern entwickelt penck mit einfachen geometrischen formen und vektoren jene zum inbegriff seiner kunst gewordenen zeichen und figuren, die an primitive bildformen und frühe schriftzeichen, etwa an höhlenmalereien und graffiti erinnern. mit diesem zunehmend formelhaft reduzierten, \"standardisierten\" vokabular seines \"standart\"-systems erkundet penck auch das verhältnis zwischen figur und raum. \n den gegenstand bewältigt er zeichnerisch mittels einer starken kontur oder linie zur unmittelbaren vergegenwärtigung. in der diagrammatischen abstraktion auf das äußerste reduziert, bevölkern strichfiguren, pfeile und kreuze als kraftvolle komponenten die gemälde von penck in einem genau austarierten beziehungsgefüge. bei seiner beobachtung von landschaftsszenarien wie ateliersituationen konzentriert sich penck stets auf trennungen und verbindungen zwischen den einzelnen elementen, etwa stein, wasser, erde, luft, mensch, tier und pflanze. \n \n \n die penck´sche kosmogonie \n im werk \"ohne titel\" von 1977 erstreckt sich über 14 bildeinheiten gleichsam die penck´sche kosmogonie. das werk erweist sich zugleich als schwelgerische schöpfungsgeschichte und systematische grundlagenforschung, als eine versuchsreihe \"über zeichen und zeichenräume und den signalcharakter von zeichen und symbolen.\" (a.r. penck zit. nach pressetext retrospektive frankfurt, schirn kunsthalle 2007) sowohl in ihrer flüchtig skizzenhaften als auch fundamental formgebenden qualität treten jene konstruktiven und stilbildenden bausteine, die pencks bildwelten zugrunde liegen, in mannigfaltigen kombinationen hervor. \n diese einzelnen motive werden zu dynamischen momenten in der \"phänomenologischen überschau\" (wolfgang opitz im gespräch mit asteris kutulas in: \"als wir uns bewußt als untergrund bezeichneten\", in: \"die union\", 6./7.10.1990) von pencks strichfiguren-, system- und weltbildern. darin lotet er nicht nur malerisch das verhältnis von figur und grund im bewegten bildgeschehen aus. vielmehr ist seinen werken eine soziale und politische dimension eingeschrieben, die in seinen biografischen erfahrungen begründet liegt und den menschen in verbindung zur gesellschaft und umwelt - als universelles beziehungsgefüge - reflektiert. er beleuchtet die rolle des (künstler-)individuums im kontext des kollektivs, in dem die wirksamkeit - und der widerstand - des einzelnen gegen die macht der allgemeinheit immer wieder aufs neue erkämpft werden muss. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n a.r. penck deutschland neoexpressionismus figurative malerei neue wilde nachkriegskunst unikate 1970er jeweils rahmen figur / figuren gemälde dispersion","en":"penck, a.r. \n 1939 dresden - 2017 zurich \n \n \n title: untitled. \n 14-part. \n \n date: 1977. \n \n technique: each dispersion on canvas. \n \n measurement: 12 parts: 60 x 60 cm. one part: 65 x 65 cm. one part: 60 x 200cm. \n \n frame/pedestal: each framed. \n \n provenance: \n - galerie michael werner, cologne (adhesive label) \n - galerie rudolf zwirner, cologne \n - corporate collection germany (acquired from previous owner in 1981) \n \n exhibitions: \n - kunsthaus zürich, 1988 \n - staatliche kunstsammlungen dresden, 2019 \n \n literature: \n - exhib. cat. a.r. penck, kunsthaus zürich, berlin 1988, pp. 192/93; 249, cat. no. 83, ill. \n - exhib. cat. a.r. penck \"ich aber komme aus dresden (check it out man, check it out)\", staatliche kunstsammlungen dresden, dresden 2019, p. 217, ill. \n \n \n - provenance of extremely valuable art-historical value \n \n - simultaneously a voluptuous story of creation and systematic fundamental research \n \n - a. r. penck's specific sign language unfolds on 14 panels \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n a.r. penck germany neo-expressionism figurative painting neue wilde post-war art post war 1970s figure / figures painting dispersion"},"estimateMax":250000,"lotNumber":"28","title":{"de":"a.r. penck: ohne titel","en":"a.r. penck: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27727/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":120000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.056Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac150,000 - \u20ac250,000","currency":"EUR","id":27727,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, 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privatsammlung nordrhein-westfalen \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (von vorheriger durch erbschaft erhalten) \n \n \n - typische grazile und vielschichtige skulptur des künstlers aus pink portugal marmor \n \n - hoher wiedererkennungswert durch organische, vertikale formen \n \n - spannungsfeld aus licht, schatten und faltenwurf des roséfarbenen marmors \n \n \n marmor - eine künstlerische offenbarung \n pablo atchugarry, 1954 in montevideo geboren, zählt zu den bedeutendsten zeitgenössischen bildhauern lateinamerikas. ende der 1970er jahre entdeckt er während einer europareise in carrara seine leidenschaft für marmor - ein material, dessen eigenschaften ihn fesseln und das zu seinem primären ausdrucksmittel wird. \n internationale anerkennung erlangt atchugarry durch ausstellungen in renommierten museen wie dem pérez art museum in miami, dem museo nacional de bellas artes, buenos aires oder dem museo nacional de artes visuales in montevideo. 2003 vertritt er uruguay auf der biennale von venedig. seine skulpturen sind weltweit in öffentlichen räumen präsent und verbinden klassische inspiration mit zeitgenössischer interpretation. heute lebt und arbeitet atchugarry zwischen lecco (italien) und manantiales (uruguay), wo er 2007 die fundación pablo atchugarry gründet. (vgl. www.fundacionpabloatchugarrymiami.com) \n die skulpturen von pablo atchugarry sind geprägt von aufstrebenden, geschwungenen linien, die an natürliche formen wie blätter, wellen oder stofffalten erinnern. trotz ihres massiven materials wirken sie leicht, fast schwerelos - als ob der marmor sich in bewegung befände. für atchugarry ist marmor nicht bloß ein werkstoff, sondern ein träger tiefer spiritueller und künstlerischer bedeutung. in ihm vereinen sich zeitlosigkeit, reinheit und inneres leuchten. besonders der weiße carrara-marmor inspiriert ihn durch seine fähigkeit, licht zu reflektieren und schatten sanft aufzunehmen. durch seine präzise bearbeitung lässt der künstler die skulpturen wie lebendige wesen erscheinen, die eine innere harmonie zwischen material und künstlerischer idee offenbaren. atchugarry sieht marmor als etwas metaphysisches: der stein enthält für ihn bereits die endgültige form - seine aufgabe als künstler besteht darin, sie sichtbar zu machen. so wird das material zu einem ausdruck des göttlichen, zur verbindung zwischen natur und mensch. \n \n \n ruhe und bewegung, leichtigkeit und licht \n ein exemplarisches werk dieser künstlerischen haltung ist \"viajando en el mar\". die skulptur greift zentrale motive seines oeuvres auf: bewegung, wandlung und spiritualität. in ihrer wellenartigen, vertikal aufstrebenden form evoziert sie bilder von segeln, wasser und flammen. sie verkörpert jene feine balance aus masse und leichtigkeit, aus ruhe und energie, die atchugarrys werk unverwechselbar macht. \n formal reiht sich \"viajando en el mar\" in die charakteristischen marmorskulpturen ein: schlanke, aufwärtsstrebende formen, durchzogen von falten, spalten und lichtspielen. das werk vermittelt eine dynamische ruhe, die sowohl die energie des meeres als auch eine spirituelle reise metaphorisch einfängt. \n der hier verwendete pink portugal marmor ist für den künstler besonders reizvoll: er besitzt nicht nur eine warme, sanfte ausstrahlung, sondern lässt sich auch gut bearbeiten und formen. die farbe verleiht den skulpturen eine emotionale tiefe und eine gewisse sanftheit, die mit dem licht spielt. so wird dieser marmor zum poetischen gegenpol zum kühlen weiß des carrara-marmors - ohne an eleganz oder ausdruckskraft einzubüßen. der kunstkritiker david anfam bringt es auf den punkt: \"in atchugarrys kunst verwandelt sich stein in licht, licht ist leben - und leben wiederum setzt zeit voraus\" (david anfam zit. nach luppi, stefano, in: il giornale dell'arte, 10. august 2023). \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n pablo atchugarry objekte 2000er abstrakt objekt marmor","en":"atchugarry, pablo \n 1954 montevideo \n \n \n title: viajando en el mar. \n \n date: 2008. \n \n technique: pink portugal marble. \n \n measurement: 128,5 x 30 x 34cm. \n \n notation: signed and dated (incised) lower left: atchugarry 2008. \n \n on a black marble base: 8.5 x 34.5 x 42 cm; total height: 137 cm. \n \n for this work a certificate of authenticity signed by the artist, dated 8th july 2008, with the archive number pa 05008p is available. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n - private collection north rhine-westphalia (inherited from a previous owner) \n \n \n - a typically graceful and multi-layered sculpture by the artist made of pink portugal marble \n \n - highly recognizable thanks to organic, vertical forms \n \n - a tension field of light, shadow, and folds in the rose-colored marble \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n pablo atchugarry sculptures 2000s abstract object marble"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"29","title":{"de":"pablo atchugarry: viajando en el mar","en":"pablo atchugarry: viajando en el mar"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27728/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":60000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.200Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27728,"category":{"de":"Post War Objekte","en":"Post War Sculptures"},"estimateMin":60000},{"startPrice":120000,"sold":true,"images":["https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27729/001/001.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27729/002/002.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27729/003/003.jpg","https://bidspirit-images.global.ssl.fastly.net/vanham/cloned-images/27729/004/004.jpg"],"soldDate":"2025-06-04","available":false,"description":{"de":"ernst, max \n 1891 brühl - 1976 paris \n \n \n titel: clairière. \n \n datierung: 1958. \n \n technik: öl auf leinwand. \n \n maße: 61 x 50cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten rechts: max ernst 58. zudem signiert, datiert und betitelt verso: clairière max ernst 58. \n \n rahmen/sockel: modellrahmen. \n \n provenienz: \n - galerie edouard loeb, paris \n - parke-bernet, new york, auktion, 25.10.1963, lot 43 \n - maxwell davidson, new york (aufkleber) \n - privatsammlung, new york \n - galerie beyeler, basel (aufkleber) \n - galerie neher, essen \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (1989 von vorheriger erworben) \n - selbstständige stiftung in der betreuung des deutschen stiftungszentrums, essen \n \n ausstellungen: \n - galerie beyeler, basel 1974 (aufkleber) \n - städtisches kunstmuseum bonn, 1985/1986 (aufkleber) \n - runkel-hue-williams, london 1988/1989 (aufkleber) \n - galerie neher, essen 1989 \n \n literatur: \n - spies, werner (hrsg.): max ernst - oeuvre-katalog, werke 1954-1963, houston/köln 1998, wvz-nr. 3356, abb. \n - ausst.-kat. max ernst, retrospektive, galerie beyeler, basel 1974, kat.nr. 38, abb. \n - quinn, edward: max ernst, texte: max ernst, uwe m. schneede, u.a., paris 1976, s. 310, nr. 378, abb. \n - ausst.-kat. max ernst, landschaften, galerie beyeler, basel 1985, abb. \n - ausst.-kat. max ernst: landschaften, kunstmuseum bonn, basel 1985, abb. \n - ausst.-kat. max ernst, paintings, sculptures & works on paper, runkel-hue-williams ltd, london 1988/1989, s. 42/43, abb. \n - ausst.-kat. moderne mit tradition, galerie neher, essen 1989, s. 61/67, abb. \n \n \n - max ernst ist als einer der wichtigsten vertreter des dadaismus sowie surrealismus einer der einflussreichsten künstler des 20. jahrhundert \n \n - eindrucksvolles beispiel für ernsts eigens entwickelter technik \"grattage\" \n \n - der vogel symbolisiert das alter-ego des künstlers und ist eines der prägendsten motive in seinem oeuvre \n \n \n die 1950er jahre \n \n \n die technik \"grattage\" \n in seinen fantastischen bildwelten bezieht max ernst stets die doppeldeutigkeit mit ein. dies tut er nicht nur auf der inhaltlichen, sondern auch auf der malerischen ebene, wie sich wunderbar in dem werk \"clairière\" von 1958 zeigt. bei dem hier vorgestellten werk nutzt ernst die technik der \"grattage\": er beginnt mit einer farbschicht aus lebendigen, kontrastreichen farben, die er mit einer dicken schicht weiß übermalt. dann legt er willkürlich gegenstände mit unterschiedlichen oberflächen unter den malgrund. mit einem malmesser schabt er nun mit mal schwachem, mal stärkerem druck seiner hand die herausstehenden partien ab, so dass die tieferen farblagen sichtbar werden. intuitiv oder bewusst, ohne jedoch den zufall außer acht zulassen, wiederholt er diesen vorgang. das ergebnis sehen wir nun vor uns: eine lebendige oberfläche. im zentrum erstrahlt eine fünfeckige bildfläche, die in den kontrastreichen farben gelb, rot und blau erstrahlt, abgegrenzt wird sie mit schwarzen linien. drumherum dominiert die farbe weiß, gebrochen durch die spuren des malmessers, wobei ernst hier sichtlich den druck verändert, wodurch die unterliegende farbschicht mal mehr, mal weniger stark durchblitzt. die durch den schaber sichtbar werdenden linien schaffen eine spannende oberflächenstruktur. \n \n \n der vogel in ernsts werk - zwischen mythos, psyche und identität \n die beiden vögel, die sich in der mitte des werks befinden, malt ernst sehr reduziert, mit klaren linien, wobei die vögel die wechselnden farben des hintergrunds annehmen. hierbei ist nicht erkennbar, um welche vogelart es sich handelt, was aber auch nicht wichtig ist. wichtig ist die wirkung, die bei dem betrachter entsteht: beide vögel sind dynamisch, und doch in der bewegung erstarrt. der eine breitet seine flügel aus, ist bereit zum abflug, der andere im sturzflug. handelt es sich hierbei um ein umgarnen, eine art balztanz der vögel? \n das motiv des vogels zieht sich durch das gesamte oeuvre max ernsts wie ein mythischer faden - ein symbol, das seine ursprünge in den frühesten zeugnissen menschlicher bildwelt hat und bei ernst zu einem zentralen träger künstlerischer, persönlicher und kollektiver bedeutungen wird. die surrealistische grundhaltung - das sichtbarmachen des unbewussten, des irrationalen und des traumhaften - trifft bei max ernst auf den 'loplop\", ein anthropomorphes vogelwesen, ein über-ich, das den künstler selbst in seinen werken repräsentiert. in seinem autobiographischen text \"some data on the youth of max ernst, as told by himself\" von 1942 hat der vogel in vielen situationen eine tragende rolle: beispielsweise stirbt in derselben nacht, in der ernsts schwester loni geboren wird, sein geliebter vogel hornebom. für ernst ist der vogel schon früh ein ambivalentes wesen zwischen geburt und tod, liebe und leid. in kombination mit den deutungen, die sich aus religion, psychoanalyse und mythen ergeben, entsteht eine vielschichtigkeit der interpretationen und verhindert zugleich eine eindeutige lesbarkeit der werke. \n am rechten bildrand unseres werks befinden sich zwei menschenähnliche figuren, die wie die vögel mit einfachen, geometrischen linien gezeichnet sind. sie nehmen die rolle des passiven betrachters, möglicherweise eines bewachers ein. der kontrast zwischen innenraum und außenraum könnte auf eine spannung zwischen natur und zivilisation, instinkt und ratio oder innerer freiheit und äußerer begrenzung hindeuten. die im titel beschriebene \"clairière\" (lichtung) ist ein ort der offenbarung, die durch den farbgewaltigen, lebendigen raum symbolisiert wird, der die kräfte des unbewussten bündelt und nach freiheit strebt. auch wenn sich das äußere bemüht, das wilde, ungezügelte kleinzuhalten, scheint das innere doch immer wieder das außen zu beleuchten. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n max ernst frankreich rheinischer expressionismus dadaismus surrealismus moderne kunst unikate 1950er modellrahmen vögel gemälde öl auf leinwand","en":"ernst, max 1891 bruehl - 1976 paris \n \n \n title: clairière. \n \n date: 1958. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 61 x 50cm. \n \n notation: signed and dated lower right: max ernst 58. additionally signed, dated and titled verso: clairière max ernst 58. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n provenance: \n - galerie edouard loeb, paris \n - parke-bernet, new york, auction, 25th october 1963, lot 43 \n - maxwell davidson, new york (label) \n - private collection, new york \n - galerie beyeler, basel (label) \n - galerie neher, essen \n - private collection, north rhine-westphalia (acquired from previous owner in 1989) \n - independent foundation under the care of the german foundation centre, essen \n \n exhibitions: \n - galerie beyeler, basel 1974 (label) \n - städtisches kunstmuseum bonn, 1985/1986 (label) \n - runkel-hue-williams, london 1988/1989 (label) \n - galerie neher, essen 1989 \n \n literature: \n - spies, werner (ed.): max ernst - oeuvre-katalog, werke 1954-1963, houston/cologne 1998, cat. no. 3356, ill. \n - exhib. cat. max ernst, retrospektive, galerie beyeler, basel 1974, cat. no. 38, ill. \n - quinn, edward: max ernst, texte: max ernst, uwe m. schneede, et al., paris 1976, p. 310, no. 378, ill. \n - exhib. cat. max ernst, landschaften, galerie beyeler, basel 1985, ill. \n - exhib. cat. max ernst: landschaften, kunstmuseum bonn, basel 1985, ill. \n - exhib. cat. max ernst, paintings, sculptures & works on paper, runkel-hue-williams ltd, london 1988/1989, pp. 42/43, ill. \n - exhib. cat. moderne mit tradition, galerie neher, essen 1989, pp. 61/67, ill. \n \n \n - as one of the most important representatives of dadaism and surrealism, max ernst is one of the most influential artists of the 20th century. \n \n - impressive example of ernst's specially developed technique, \"grattage\" \n \n - the bird symbolizes the artist's alter ego and is one of the most defining motifs in his oeuvre \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n max ernst rhenish expressionism dadaism surrealism modern art 1950s craftman's frame birds painting oil on canvas"},"estimateMax":200000,"lotNumber":"30","title":{"de":"max ernst: clairière","en":"max ernst: clairière"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27729/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":120000,"soldPrice":170000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.204Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac150,000 - 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(abb. 1) besonders eindrucksvoll offenbart sich hier die kernfrage im gesamten schaffen von grosse: bestimmt die malerei die wahrnehmung des objekts bzw. des orts oder ist das objekt ausschlaggebend für die wirkung der malerei? \n \n \n grandiose malereien, die räumliche zusammenhänge aus dem gleichgewicht geraten lassen \n das ziel von grosses immersiven interventionen ist die größtmögliche direktheit des eindrucks, die nähe zum malerischen ereignis. in anlehnung an aufführungen von pina bausch und den fließenden übergang zwischen tanz und alltagsroutine, bühnendarsteller und publikum betreibt grosse die durchdringung der wirklichkeitsebenen von werk und betrachter. ihre bildszenarien wirken wie ein offenes bühnen-setting für die körperliche erfahrung. denn der betrachter ist immer teil des geschehens und den mitunter schwindelerregenden effekten der malerei ausgesetzt: im dichten nebeneinander von leuchtenden farben dringen bildbereiche pulsierend hervor und springen wieder zurück, der wechsel von diffusen nebelzonen und den von grosse \"scribbles\" genannten grafischen kritzeleien erzeugt vibrierende kompositionen, deren aufbau voller unschärfen ist. der blick huscht über die flirrende oberfläche der wirbelnden farbströme, die sich über fassaden und fußböden ergießen und tastet sich haltsuchend voran, in die bildtiefe, wie zaghafte gehversuche auf unsicherem boden, der ihm sogleich wieder entzogen wird. es sind grandiose malereien, die räumliche zusammenhänge aus dem gleichgewicht geraten lassen und den betrachter auf seine unbeständige position zwischen überraschung und überforderung zurückwerfen. bisweilen knüpft ihre anziehungskraft an das gefühl der überwältigung an, das im uneindeutigen empfinden zwischen schönheit und schrecken an das konzept des sublimen anknüpft. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n für dieses los berechnen wir zusätzlich die einfuhrumsatzsteuer, da das objekt von außerhalb der eu eingeführt wurde (verkaufsbedingungen §v5.2). \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n katharina grosse deutschland abstraktion zeitgenössische kunst objekte 2010er farbe skulptur aluminium","en":"grosse, katharina \n 1961 freiburg \n \n \n title: untitled. \n \n subtitle: (ref. aluminium debris venice cut z). \n \n date: 2015. \n \n technique: acrylic on aluminum. \n \n measurement: 54 x 110 x 310cm. \n \n number: i/i (4). \n \n the work is recorded in the artist's archive under number 2015/8008l. we are grateful to the wunderblock foundation (katharina grosse archive), berlin, for their kind support. \n \n provenance: \n - könig galerie, berlin \n - private collection (acquired in 2017 from a previous artist) \n \n exhibitions: \n - venice biennale, 2015 \n \n \n - sculpture of impressive size, oscillating between colorful abstraction and representationalism \n \n - expansive work that emerges from movement and directly engages the viewer \n \n - the work was part of grosse's installation \"untitled trumpet\" in the arsenale at the 56th venice biennale in 2015 \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n for this lot we will charge an extra allocation for import vat, as the item has been imported from outside the eu (conditions of sale §v5.2). \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n katharina grosse germany abstraction contemporary art sculptures 2010s colour sculpture aluminium"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"31","title":{"de":"katharina grosse: ohne titel","en":"katharina grosse: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27730/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":50000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.958Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":27730,"category":{"de":"Zeitgen. 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[.] das bild bestimmt sein eigenes schicksal, folgt seinem eigenen weg auf eine art, die vielleicht am besten als tanzende tafeln in spiritistischen sitzungen beschrieben werden kann [.].\" (sigmar polke zit. nach hentschel, martin: die ordnung des heterogenen. sigmar polkes werk bis 1986, bochum 1991, s. 351) \n das hier vorliegende werk vereint beide gerade beschriebenen, charakteristischen leitmotive des künstlers. getragen von einem grund aus rasterpunkten, stellenweise auch von diesen schon wieder überlagert und eingenommen wie von einer belebten masse, wird die komposition dominiert von einer organisch anmutenden silbernen form, pastos und scheinbar immer noch sich zeitlupenhaft schiebend weiterbewegend. \n \"ich bin instinktiv an den prozessen selbst interessiert. das eigentliche bild ist nicht wirklich notwendig. es ist das unerwartete, das wirklich fesselt.\" (sigmar polke, zit. nach klein, erhard: farbproben - materialversuche - probierbilder aus den jahren 1973-1986, köln 1998). \n diesem unerwarteten in den kosmos polkes zu folgen, ist die einladung unseres werks an den betrachter. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n sigmar polke deutschland kapitalistischer realismus neuer realismus nachkriegskunst unikate 2000er rahmen farbe papierarbeit acryl","en":"polke, sigmar \n 1941 oels/lower silesia - 2010 cologne \n \n \n title: untitled. \n \n date: 2004. \n \n technique: acrylic and neon paint on thin card. \n \n measurement: 99,5 x 69,5cm. \n \n notation: signed and dated lower right: sigmar polke 2004. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n provenance: \n - galerie michael schultz (sticker) \n - private collection, north rhine-westphalia \n \n we are grateful to mr. michael trier, cologne, for the kind support. \n \n \n - impressive example of the artist's joy of experimentation \n \n - composition of an iconic grid-dot pattern and poured paint \n \n - popular interference pattern, in neon-bright, iridescent colours \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n sigmar polke germany capitalistic realism new realism post-war art post war 2000s framed colour works on paper acrylic"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"32","title":{"de":"sigmar polke: ohne titel","en":"sigmar polke: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27731/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.966Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - 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kann in direkten zusammenhang mit dem herausragenden auftritt imhofs auf der biennale in venedig gestellt werden \n \n \n rebellin an der spitze der kunstwelt \n anne imhof malt, zeichnet, singt, choreografiert, performt und greift auf installationskunst und videokunst zurück. ihre arbeiten lösen große begeisterung innerhalb renommierter kritikerkreise und der allgemeinen kunstrezeption aus und katapultierten imhof damit an die spitze internationaler, zeitgenössischer kunst. schon ihr studium, welches sie 2012 an der frankfurter städelschule absolviert, legt sie mit bravour als meisterschülerin bei judith hopf ab. wenige jahre später erhält sie mit ihren performances \"rage\" und \"deal\" den preis der nationalgalerie. ihr kometenhafter aufstieg zeigt sich in zahlreichen internationalen ausstellungen wie im portikus in frankfurt, in der new yorker park avenue armory, im stedelijk museum in amsterdam und im palais de tokyo in paris. die krönung ihrer arbeit stellt sicherlich die bespielung des deutschen pavillons im jahr 2017 auf der biennale in venedig dar, für die sie mit dem goldenen löwen ausgezeichnet wird (abb.1). \n \n \n feuer und eis \n in dem unbetitelten werk von anne imhof aus dem jahre 2017, welches unser blickfeld durch seine monumentalen maße vollständig einnimmt und uns so mit der weißen leere unmittelbar und gnadenlos konfrontiert, treffen klarheit und kraft, kälte und feuer, ruhe und dynamik aufeinander. die zunächst leer wirkende weiße fläche erinnert an die problematik der \"weißen leinwand\", der sich kunstschaffende vor dem beginn des malprozesses gegenübersehen. so steht am anfang eines jeden meisterwerks die weiße leinwand, die nach dem aufkommen einer idee, dem ausarbeiten eines konzeptes oder dem anfertigen zahlreicher skizzen uns selbst noch einmal hinterfragen lässt. der weiß grundierte bildträger, der sich in der arbeit imhofs als so monumental darstellt, dass wir uns vollständig von der unheimlichen kälte des leeren raumes, der sich vor uns eröffnet, einnehmen lassen, manifestiert sich hier wie ein mahnmal, das sich turmähnlich vor uns aufbaut. \n tiefe kratzer zeugen von einer klaren positionierung der künstlerin: sie verweigert sich, sich diesem weißen riesen zu unterwerfen. auch wenn auf den ersten blick zunächst kaum sichtbar, greifen diese spuren des widerstands in den bildraum ein und hinterlassen eine deutliche und vor allen dingen irreversible verletzung an der monochrom gehaltenen perfekt glatten fläche. eine ungehaltene kraft, spuren eines lodernden inneren feuers gegen die stille kälte, stellen antrieb für den zerstörerischen und kraftvollen eingriff der künstlerin in die arbeit dar, die den impakt des einzelnen auf das große ganze verdeutlicht und der inhaltlosen fläche, inhalt verleiht. \n \n \n gehaltvolle subtilität \n ein sich durch das werk von imhof hindurchziehendes konsequentes thema ist die subtilität. die überbringung tiefgründiger botschaften in arbeiten, die oft durch performances und musik ergänzt und komplettiert werden. dabei wird auf überbordendes dekor verzichtet. auch in der hier vorgestellten arbeit ist der performative charakter, der imhofs arbeiten zugrunde liegt, nicht zu ignorieren. mit gewitzter brillanz trifft sie durch den reduzierten einsatz aussagekräftiger motive, objekte und choreografien den kern komplexer gedankenvorgänge und inhaltschwerer konzepte. so auch in ihrem werk für den deutschen pavillon mit dem titel \"faust\" auf der biennale in venedig, welche zeitgleich mit der hier beschriebenen arbeit entstand. dabei verbindet sie vor allem elemente aus dem trendweisenden umfeld der jugendkultur mit symbolträchtigen figuren wie dobermännern und türstehern und untersucht das wechselspiel von unterwerfung und macht, willkür und gewalt, abgrenzung und einschluss sowie schutz und verteidigung. (vgl. drees, ursula: \"faust\" von anne imhof, auf der biennale venedig 2017, der deutsche pavillon, in: plusinsight.de, 07. juli 2018). \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n anne imhof deutschland zeitgenössische kunst unikate 2010er konzept gemälde acryl performance","en":"imhof, anne \n 1978 gießen \n \n \n title: untitled. \n \n date: 2017. \n \n technique: acrylic, scratched on aluminium. \n \n measurement: 300 x 190cm. \n \n this work is accompanied by a signed certificate from the artist with registered inventory number ai/w 2017/20. \n \n provenance: \n - galerie buchholz, cologne \n - private collection germany \n \n \n - exemplary work of the artist's intensive examination of the interplay between power and powerlessness, strength and submission, subtlety and profundity \n \n - can be placed in direct connection with imhof's outstanding appearance at the venice biennal \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n anne imhof germany contemporary art 2010s concept painting acrylic performance"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"33","title":{"de":"anne imhof: ohne titel","en":"anne imhof: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27732/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.978Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27732,"category":{"de":"Zeitgen. 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2009 rönneburg \n \n \n titel: \"der sand\". 456 blätter. \n \n datierung: 1979. \n \n technik: jeweils: tusche auf pergaminpapier. \n \n maße: jeweils 29,5 x 21 cm. \n \n bezeichnung: jeweils datiert unten links und fortlaufend nummeriert oben rechts von 1|* - 8| * (register), dann 1-448. \n betitelt auf blatt 1: \"der sand\". nochmals betitelt auf dem letzten blatt, hier zudem signiert und datiert unten rechts: darboven, 1979. \n \n rahmen: in künstlerrahmen. jeweils: 31 × 22,5cm. im rahmen beschrieben. \n \n provenienz: \n - galerie elisabeth kaufmann, basel/zürich (1988 direkt von der künstlerin) \n - privatsammlung großbritannien \n \n ausstellungen: \n - rheinisches landesmuseum bonn, 1979 \n - halle für internationale kunst, ink, zürich 1980 \n - martin-gropius-bau, berlin 2003/2004 \n - fondation pour l'art contemporain, claudine et jean-marc salomon, annecy 2008 \n - galerie kewenig, köln 2009/10 \n - art basel unlimited, 2012 \n - mu.zee, oostende 2014/2015 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. berlin moskwa - moskau - berlin: 1950 - 2000, martin-gropius-bau, berlin 2003 \n - woithe, gabriele: das kunstwerk als lebensgeschichte: zur autobiografischen dimension bildender kunst, berlin 2008, s. 170/186 \n - ausst.-kat. l'ivresse de l'absolute: pierrette bloch, hanne darboven, pierre ferrarini, roman opalka, wolfgang laib, nièle toroni, claude viallat, fondation pour l'art contemporain, claudine et jean-marc salomon, annecy 2008 \n - ausst.-kat. das meer the sea la mer de zee, hommage à jan hoet, mu.zee, oostende 2014, s. 129, abb. \n \n \n - jean-claude und christo brachten darbovens kunst auf einen nenner: \"wir verpacken dinge, gebäude und landschaften - hanne darboven zeit.\" \n \n - arbeit aus einer wichtigen schaffensphase. es entstehen schlüsselwerke mit historischen und zeitgenössischen bezügen wie \"bismarckzeit\" 1978, heute im kunstmuseum bonn und \"kulturgeschichte 1880 - 1983\", heute in der dia art foundation in new york \n \n - reflexion über zeitgeschichte und den eigenen standpunkt in der informationsflut und den widersprüchlichkeiten der postmodernen welt \n \n \n zeit über den schreibprozess sichtbar, um wirklichkeit erfahrbar zu machen \n hanne darboven ist eine der außergewöhnlichsten künstlerinnen des 20. jahrhunderts. weiblicher dandy, exzentrikerin und eine der wenigen künstlerinnen ihrer generation, die sich im internationalen kunstbetrieb anerkennung erwerben. der spiegel schreibt: \"im vergleich zu dieser frau war selbst beuys mainstream.\" (knöfel, ulrike \"auf ihre sehr eigene weise\", in: der spiegel 36, 2015) \n \n darbovens reflexion über die zeit und das zeitgeschehen in ihren raumfüllenden schreibinstallationen gehört zu den wichtigsten beiträgen der internationalen konzeptkunst. in ihren arbeiten verknüpft darboven zahlenfolgen und strukturen, die auf kalenderdaten basieren, mit einem assoziativen schreibprozess. oft beginnt sie mit einem schlüsselwort, das sich zu einer assoziationskette entwickelt. ihre in schrift übertragenen gedankenreihen scheinen bewusst gewählt und dann auch wieder nicht. die texte sind aus enzyklopädien und der tagespresse oder nachrichtenmagazinen übernommen. so verknüpft darboven kollektiv anerkanntes wissen mit hochaktuellen ereignissen. man ist versucht, dabei neue bezüge herzustellen, obwohl darboven die texte konsequent nicht kommentiert. gleichzeitig veranschaulichen ihre u-förmigen schreibmuster den manuellen prozess und visualisieren das erstaunliche ausmaß, das der akt der selbst ausgeführten handschrift in ihrer arbeit einnimmt. es ist auch die schiere materialität ihrer werke, die auf den betrachter einwirkt. \n \n \n der sand - kein erfassen von zeit ohne geschichte \n die arbeit \"der sand\" bildet eine zeitkapsel, die durch das register am anfang und am ende umschlossen wird. die kalenderdaten des jahres 1979 dienen als struktur. jedes blatt bezieht sich auf einen tag aus dem jahr 1979. das register skizziert den inhalt der arbeit, enthält die quellenangaben der abgeschriebenen texte und die angabe, wo darbovens abschrift in der arbeit erscheint. \n \n das werk entsteht im zeitraum von 01.01.1979 bis 07.07.1979. in dieser real beim schreiben erlebten zeit notiert darboven texte aus verschiedenen quellen sowie tagesrechnungen. die blätter, die das erste halbjahr dieses jahres umfassen, sind gefüllt mit texten aus enzyklopädien und zitaten aus interviews, die im nachrichtenmagazin \"der spiegel\" veröffentlicht oder im fernsehen gezeigt wurden, sowie texten aus \"la mare du diable\" von george sand und liedern von karl valentin und marlene dietrich (\"sag mir wo die blumen sind\"). \n \n auf das register zu beginn von \"der sand\" folgt der brockhaus-eintrag über die französische schriftstellerin george sand. in der folge fügt darboven dem wort \"sand\" weitere begriffe zum thema \"sand\" hinzu, wie \"sandmann\", \"sandpflanze\", \"sandmodell\". \"sanduhr\" führt sie schließlich zum wort \"chronos\", dem griechischen gott der zeit. mit der abschrift eines interviews mit ursel lorenzen steht dann im weiteren verlauf der brisante konflikt zwischen ost und west während des kalten krieges unvermittelt neben der ebene enzyklopädischen wissens. lorenzen, eine mitarbeiterin des nato-generalsekretärs, setzt sich im märz 1979 in die ddr ab, als sie mit ihrer enttarnung als agentin der stasi rechnen muss. der begriff \"sand\" kann auch biografische assoziationen wecken. hanne darboven wächst südlich der elbe in der nähe von harburg auf, wo sie mit ihren eltern in der nähe eines kleinen marktplatzes namens \"sand\" lebte. \n \n es sind auch dieser wechsel und die verknüpfungen zwischen verschiedenen ebenen, die hanne darboven als eine der faszinierendsten konzeptkünstlerinnen auszeichnen. der hintergrund, der mit den zitierten texten in ihren werken verknüpft sein kann, erscheint als gegensatz zu darbovens konzeptuellem schreiben, der rhythmischen abfolge ihrer handschriftlichen loops. zugleich äußert sich die künstlerin nicht zu ihren abschriften und ihrer eigenen verortung hierin gemäß ihrem motto \"ich schreibe, aber ich beschreibe nichts\", so dass die wiedergabe von äußerungen dritter auch irritierend beliebig wirken kann. (vgl. www.hanne-darboven.org/stiftung) \n \n hanne darboven lässt offen, in welchem verhältnis in ihrem werk der fokus auf ordnungssystemen und seriellen prozessen, erfasst über ihr eigenes numerisches schema, zu einer über die form hinausgehenden gedankenwelt steht. ihr umfangreiches oeuvre kann andeuten, dass kunst weder reiner inhalt noch bloße form ist, sondern ein tor öffnet zur reflexion über zeitgeschichte und den eigenen standpunkt in der informationsflut, den widersprüchlichkeiten und dem chaos der postmodernen welt. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n für dieses los berechnen wir zusätzlich die einfuhrumsatzsteuer, da das objekt von außerhalb der eu eingeführt wurde (verkaufsbedingungen §v5.2). \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n hanne darboven unikate 1970er schrift papierarbeit tinte zeit","en":"darboven, hanne \n 1941 munich - 2009 rönneburg \n \n \n title: \"der sand\". 456 sheets. \n \n date: 1979. \n \n technique: each: ink on glassine paper. 456 sheets. \n \n measurement: each 29.5 x 21 cm. \n \n notation: each dated in bottom left and consecutively numbered in upper right from 1|* - 8| * (register), then 1-448. titled on \n sheet 1: \"der sand.\" titled again on the last sheet, here also signed and dated in bottom right: darboven, 1979. \n \n frame: in artist's frame. each: 31 × 22,5 cm. not examined out of the frame. \n \n provenance: \n - galerie elisabeth kaufmann, basel/zurich (1988 directly from the artist) \n - private collection great britain \n \n exhibitions: \n - rheinisches landesmuseum bonn, 1979 \n - halle für internationale kunst, ink, zurich 1980 \n - martin-gropius-bau, berlin 2003/2004 \n - fondation pour l'art contemporain, claudine et jean-marc salomon, annecy 2008 \n - galerie kewenig, cologne 2009/10 \n - art basel unlimited, 2012 \n - mu.zee, oostende 2014/2015 \n \n literature: \n - exhib.-cat. berlin moskwa - moskau - berlin: 1950 - 2000, martin-gropius-bau, berlin 2003 \n - woithe, gabriele: das kunstwerk als lebensgeschichte: zur autobiografischen dimension bildender kunst, berlin 2008, p. 170/186 \n - exhib.-cat. l'ivresse de l'absolute: pierrette bloch, hanne darboven, pierre ferrarini, roman opalka, wolfgang laib, nièle toroni, claude viallat, fondation pour l'art contemporain, claudine et jean-marc salomon, annecy 2008 \n - exhib.-cat. das meer the sea la mer de zee, hommage à jan hoet, mu.zee, oostende 2014, p. 129, ill. \n \n \n - jean-claude and christo summed up darboven's art as follows: \"we wrap things, buildings and landscapes - hanne darboven time.\" \n \n - work from an important creative phase. he created key works with historical and contemporary references such as \"bismarckzeit\" 1978, now in the kunstmuseum bonn, and \"kulturgeschichte 1880 - 1983\", now in the dia art foundation in new york \n \n - reflection on contemporary history and one's own standpoint in the flood of information and the contradictions of the postmodern world \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n for this lot we will charge an extra allocation for import vat, as the item has been imported from outside the eu (conditions of sale §v5.2). \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n hanne darboven post war 1970s writing works on paper ink time"},"estimateMax":150000,"lotNumber":"34","title":{"de":"hanne darboven: \"der sand\"","en":"hanne darboven: \"der sand\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27733/view","tags":["daFineart_DrawingsandPastels","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":80000,"soldPrice":100000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.987Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac100,000 - 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galerie hlavního mesta, prag 1995/96 \n - galerie jule kewenig, frechen 1996/97 \n - moderna galerija, ljubljana 1997 \n - aargauer kunsthaus, 1997 \n - skulpturenmuseum glaskasten, marl 1997 \n - fundacao de serralves, porto 1999 \n - galerie jule kewenig, köln 1999/2000 \n - institut d'art contemporain, villeurbanne 2000 \n - galerie kewenig, köln 2004 \n - galerie kewenig, palma 2007 \n - galerie kewenig, fiac, paris 2010 \n - art basel unlimited, basel 2014 \n - beeah headquarters, dubai 2023 \n - konrad fischer galerie, berlin 2024 \n \n literatur: \n - fondazione merz (hrsg.): mario merz, igloo, catalogue raisonné, vol. 1, turin 2024, wvz.-nr. 124, abb. \n - ausst.-kat. mario merz. tri instalace, galerie hlavního mesta, prag 1995/96, abb. \n - ausst.-kat. 47. esposizione internazionale d'arte/la biennale di venezia. futuro presente passato, mailand 1997, s. 397, abb. \n - ausst.-kat. epicenter ljubljana, moderna galerija, ljubljana 1997, s. 35, abb. \n - ausst.-kat. voglio vedere le mie montagne. die schwerkraft der berge 1775-1997, aargauer kunsthaus, aargau 1997 \n - ausst.-kat. ausgestellt - vorgestellt iii: mario merz für peter wüthrich, skulpturenmuseum glaskasten, marl 1997, s. 9, 11, 13-15, 19, abb. \n \n die skulptur kann nach vorheriger terminvereinbarung in einem lager bei köln besichtigt werden. \n \n \n - vom hauptprotagonisten der avantgardistischen 'arte povera' bewegung in italien \n \n - monumentale installation von musealer qualität \n \n - seit den 1960er jahren steht das 'igloo' in merz' oeuvre für rückzug, behausung und kollektive erinnerung \n \n \n \"als ich den iglu machte, habe ich mit einbildungskraft gehandelt, denn der iglu ist nicht nur die elementarität der form, sondern auch ein ausgangspunkt für die phantasie.\" (mario merz in einem interview mit suzanne pagé und jean-christophe ammann, zit. nach ausst.-kat. mario merz - arc, musée d'art moderne de la ville de paris / kunsthalle basel, 1981, o.s.) \n \n \n der meister der arte povera \n die zweite hälfte der 1960er jahre ist geprägt durch fundamentale infragestellungen und konfrontationen von politischen systemen und gesellschaftlichen lagern. auch in künstlerisch-ästhetischer hinsicht gibt es aufbrüche; die informelle malerei auf der leinwand reicht vielen künstlern nicht mehr aus. das \"wahre leben\" bricht in die kunst ein und verschränkt sich mit ihr. 1967 zeigt eine gruppe junger künstler in genua werke, in denen alltäglichste, \"arme\" materialien verarbeitet werden. der kurator germano celant prägt hierfür den namen \"arte povera\". \n zum führenden vertreter dieser kunstrichtung wird mario merz. der sohn eines architekten und medizinstudent kommt 1945 wegen seiner antifaschistischen aktivitäten in haft. hier beginnt merz zu zeichnen und wendet sich, wieder in freiheit, ganz der kunst zu. als autodidakt malt merz zunächst, beeinflusst vom informel und vom abstrakten expressionismus. aber 1968 findet er seine form in der installation: das erste iglu entsteht. in dieser urform der behausung findet mario merz eine metapher, die natur und kultur verbindet, die aber auch das nomadentum des menschlichen lebens an sich versinnbildlicht. mario merz entdeckt die künstlerischen möglichkeiten von formbaren neonleuchten, die er häufig mit einem ebenso wiederkehrenden element seiner kunst kombiniert: der zahlenreihe der fibonacci-folge. diese, der natur innewohnende mathematische gesetzmäßigkeit, wird in seinen arbeiten ebenso prägend wie das iglu oder die form der spirale. dabei schafft merz seine eigene metaphorik und ikonographie, sein werk lässt aber jeden raum für freie assoziationen. seine erste museale einzelausstellung richtet die kunsthalle basel mario merz 1975 aus; seither ist sein werk weltweit in führenden museen und prominenten sammlungen präsent. der einfluss, den die arte povera und mario merz speziell auf die heutige ästhetische wahrnehmung genommen haben, ist kaum zu überschätzen. \n \n \n der \"albero grande solitario\" \n von den dimensionen her ist dieses iglu durchaus komfortabel: 4 meter durchmesser und eine höhe von 2,15 metern bieten reichlich platz. die wände aus reisig schaffen einen sichtschutz nach außen, aber das gewölbe ist nicht wirklich bedeckt. die leichtigkeit der vegetabilen reisigbündel wird kontrastiert von massiven, kompakten steinplatten, deren oberflächen aber geglättet sind und die in fragil wirkenden konstruktionen entweder auf ihren schmalen kanten stehen oder auf anderen platten aufliegen. den schnell gewachsenen, jungen ästen des reisigs wohnt aber auch eine andere zeitliche komponente inne als den in früheren erdzeitaltern geformten steinen. das iglu hat - höchst ungewöhnlich für diese art des schutzraums - zwei zugänge. in beide führt eine konstruktion hinein, die mutmaßungen erlaubt. es sind gläserne, leicht geschwungene \"tische\", die, an den zugängen jeweils von steinplatten flankiert, wie ein band durch den reisigbau schneiden. die spiegelnde oberfläche des klaren glases lässt an wasser denken. eine wasserader, die den \"großen solitärbaum\" nährt? oder strahlt das unsichtbare innere des iglus hier sichtbar in den raum aus? die glaskonstruktionen versperren jetzt aber den zugang zu der reisighöhle. um hineinzugelangen, muss der betrachter (gedanklich) unter den tischen entlang krabbeln - das glas erlaubt die benutzung des tischs als steg wohl nicht. der \"albero grande solitario\", ursprünglich 1995 für eine institutionelle ausstellung in prag geschaffen, will weder belehren noch etwas behaupten. wie alle iglus des künstlers kann auch dieses der ausgangspunkt für die phantasie der menschen sein. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n mario merz italien arte povera nachkriegskunst objekte 1990er natur installation mischtechnik","en":"merz, mario \n 1925 milan - 2003 turin \n \n \n title: albero grande solitario. \n \n date: 1995. \n \n technique: steel, glass, stone, brushwood. \n \n measurement: igloo: 215 x ø400cm, tables each: 88 x 560 x 82cm (total measurement: 270 x 1000 x 530cm). \n \n this work is accompanied by a certificate from the archives of mario merz, turin, in copy. it is registered there under the number 927/1995/ig. \n \n provenance: \n - company collection germany (directly from the artist) \n \n exhibitions: \n - galerie hlavního mesta, prague 1995/96 \n - galerie jule kewenig, frechen 1996/97 \n - moderna galerija, ljubljana 1997 \n - aargauer kunsthaus, 1997 \n - skulpturenmuseum glaskasten, marl 1997 \n - fundacao de serralves, porto 1999 \n - galerie jule kewenig, cologne 1999/2000 \n - institut d'art contemporain, villeurbanne 2000 \n - galerie kewenig, cologne 2004 \n - galerie kewenig, palma 2007 \n - galerie kewenig, fiac, paris 2010 \n - art basel unlimited, basel 2014 \n - beeah headquarters, dubai 2023 \n - konrad fischer galerie, berlin 2024 \n \n literature: \n - fondazione merz (ed.): mario merz, igloo, catalogue raisonné, vol. 1, turin 2024, cat. rais no. 124, ill. \n - exhib.-cat. mario merz. tri instalace, galerie hlavního mesta, prague 1995/96, ill. \n - exhib.-cat. 47. esposizione internazionale d'arte/la biennale di venezia. futuro presente passato, milan 1997, p. 397, ill. \n - exhib.-cat. epicenter ljubljana, moderna galerija, ljubljana 1997, p. 35, ill. \n - exhib.-cat. voglio vedere le mie montagne. die schwerkraft der berge 1775-1997, aargauer kunsthaus, aargau 1997 \n - exhib.-cat. ausgestellt - vorgestellt iii: mario merz für peter wüthrich, skulpturenmuseum glaskasten, marl 1997, p. 9, 11, 13-15, 19, ill. \n \n the sculpture can be viewed in a warehouse in cologne by prior appointment. \n \n \n - by the main protagonist of the avant-garde 'arte povera\" movement in italy \n \n - monumental installation of museum quality \n \n - since the 1960s, 'igloo' stands for retret, shelter, and collective memory in merz's oeuvre \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n mario merz arte povera post-war art sculptures 1990s nature installation mixed media"},"estimateMax":300000,"lotNumber":"35","title":{"de":"mario merz: albero grande solitario","en":"mario merz: albero grande solitario"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27734/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":160000,"soldPrice":150000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.989Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac200,000 - 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galerie konrad fischer, düsseldorf (direkt vom künstler) \n - privatsammlung nordrhein-westfalen (2007 von vorheriger erworben) \n \n \n - ikone der minimal art \n \n - schönes beispiel für andres radikale formenreduktion und kompromissloser hinwendung zur materialität \n \n - stille und monumentale präsenz im raum \n \n \n carl andre - der architekt der stille \n carl andre zählt zu den zentralen figuren der amerikanischen minimal art. nach seiner ausbildung arbeitet er in new york und tritt in den 1960er jahren mit einem radikal neuen verständnis von skulptur hervor. besonders prägend ist seine freundschaft zu frank stella, dessen künstlerische ansätze andre nachhaltig beeinflussen. in seiner frühen laufbahn experimentiert andre mit poesie und materialtexturen, bevor er seine charakteristischen bodenarbeiten entwickelt. bereits 1965 erhält er eine erste einzelausstellung in der tibor de nagy gallery in new york. er gewinnt schnell an internationaler bedeutung. 1968 zeigt die münchner galerie friedrich erste bodenplastiken des künstlers. 1969 nimmt er an harald szeemanns legendärer ausstellung \"when attitude becomes form\" in der kunsthalle bern teil. mit seinem kompromisslosen fokus auf material, raum und struktur gehört andre zu den künstlern, die die skulptur im 20. jahrhundert grundlegend erneuert haben. seine werke sind heute weltweit in den bedeutendsten sammlungen vertreten, darunter das museum of modern art in new york, das centre pompidou in paris und die neue nationalgalerie in berlin. \n \n \n wahrnehmung neu definiert \n carl andres oeuvre ist geprägt von einer radikalen reduktion formaler mittel und einer kompromisslosen hinwendung zur materialität. seine werke verzichten bewusst auf traditionelle sockel, monumentale gesten oder figurative elemente. stattdessen bestehen sie oft aus industriell gefertigten elementen wie ziegelsteinen, holzbalken, metallplatten oder natursteinen, die in seriellen ordnungen direkt auf dem boden arrangiert werden. andre betont das \"sein\" des materials selbst - gewicht, oberfläche, struktur und lage im raum bestimmen die ästhetische erfahrung. der betrachter wird eingeladen, sich den werken physisch zu nähern, sie zu umschreiten oder sogar zu betreten. diese radikale demokratisierung der skulptur führt zu einem intensiven dialog zwischen werk, raum und betrachter. \n \n \n skulpturale meditation \n \"still blue pair\" ist ein beeindruckendes beispiel dieser haltung. die arbeit besteht aus acht quadern aus belgischem blaustein (belgian blue stone), die in zwei vertikal gestaffelten türmen von jeweils vier massiven, liegenden blöcken arrangiert sind. die skulptur bleibt bewusst auf bodenniveau, ohne sockel oder erhebung, und fordert den raum auf subtile, aber kraftvolle weise heraus. die charakteristische dunkelgraue bis blaugraue farbe des steins sowie seine fein strukturierte oberfläche verleihen dem werk eine stille, monumentale präsenz. \"still blue pair\" zelebriert das gleichgewicht zwischen schwere und ruhe, zwischen konstruktiver ordnung und natürlicher materialität. es handelt sich nicht nur um eine skulptur, sondern um eine existenzielle setzung im raum - archaisch, einfach und dennoch tiefgründig. für sammler, die die essenz minimaler kunst und die unbestechliche integrität von material und form schätzen, stellt \"still blue pair\" eine außerordentliche gelegenheit dar, ein bedeutendes werk einer der wichtigsten bildhauer unserer zeit zu erwerben. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n carl andre usa minimalismus nachkriegskunst objekte 1980er steine objekt stein, grau","en":"andre, carl \n 1935 quincy/massachusetts - 2024 new york \n \n \n title: still blue pair. 2-part. \n \n date: 1989. \n \n technique: belgian blue limestone. (8 pieces; in 2 parallel stacks of 4 horizontal units). \n \n measurement: each stack: 60 x 15 x 45cm. overall dimensions: 60 x 45 x 45cm. \n \n the work is accompanied by a certificate signed twice by the artist dated january 11, 2008. \n \n provenance: \n - galerie konrad fischer, dusseldorf (directly from the artist) \n - private collection north rhine-westphalia (2007 with previous purchase) \n \n \n - icon of minimal art \n \n - a fine example of andre's radical reduction of form and uncompromising focus on materiality \n \n - silence and monumental presence in space \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n carl andre usa minimalism post-war art sculptures 1980s stones object"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"36","title":{"de":"carl andre: still blue pair","en":"carl andre: still blue pair"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27735/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":72000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.055Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac90,000 - 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privatsammlung norddeutschland (direkt vom künstler) \n \n \n - die gestalterischen grundsätze der zero-bewegung sind besonders effektvoll umgesetzt \n \n - dynamischer strudel mit variantenreichen formspielen \n \n - reduktion mit einfachen mitteln trifft auf bewegung und räumliche komplexität \n \n \n der nagel als markenzeichen \n nach einer lehre zum anstreicher und schreiner und einem anschließenden studium der malerei, in dem er sich mit abstrakter kunst befasst, zieht der 1930 geborene günther uecker 1953 in die brd. an der düsseldorfer kunstakademie begegnet er vertretern der deutschen und französischen avantgarde und schließt sich 1961 der zero-gruppe an. zu diesem zeitpunkt hatte uecker bereits ausgehend von früheren strukturbildern seine zum markenzeichen gewordenen nagelbilder und nagelobjekte entwickelt. für diese eigenwilligen kreationen verwendet er stahlnägel und weiße, matte anstreichfarbe, simple zutaten aus dem handwerk, mit denen er überall tätig werden kann. so schlägt uecker in seinen \"übernagelungen\" ab 1962 nägel in alltagsgegenstände und möbel, fernseher, tische und stühle. die konventionelle haushaltslogik funktionaler einrichtung erliegt der flächendeckenden \"sintflut der nägel\", wie ein ausstellungstitel von 1963 lautet. \n \n \n neuanfang mit licht und luft \n bei der entstehung der nagelreliefs war neben dem rustikalen werkcharakter für uecker die möglichkeit, ein dreidimensionales materialbild zu erschaffen, von vorrangiger bedeutung. die nebeneinander angeordneten nägel bilden geradlinig oder in geschwungenen kurven verlaufende reihen. auf dem weiß getünchten grund erlangen sie im kontrastvollen zusammenspiel von licht- und schatteneffekten ihre endgültige, obgleich ephemere, form. mit den dynamischen strukturen der oft spiralförmigen nagelformationen löst sich uecker vom statischen aufbau des tafelbilds. überhaupt war die schaffung von alternativen und die befreiung von traditionell geprägten kunstformen ein ziel der innovativen zero-bewegung von heinz mack und otto piene, die nach dem verheerenden drama des krieges einen neuanfang, eine \"stunde null\", propagierte. in abgrenzung zu den vorherrschenden gestischen kunstrichtungen des tachismus und informel trachteten sie nach bereinigung der kunst vom ballast der expressivität und emotionalität. die herstellung von konzentrierter stille und schweigen durch reduktion und helligkeit sollte in eine zukunftsorientierte, idealistische haltung führen. so beschreibt otto piene in einem artikel für die \"times literary supplement\" 1964 zero als \"die unmessbare zone, in der ein alter zustand in einen unbekannten neuen übergeht.\" dieses geistige verständnis von kunst war auch günther uecker eigen, der sich intensiv mit religion und philosophie beschäftigt hatte und transzendenz und spiritualität in sein schaffen einbezieht: \"ich denke an eine wirklichkeit, die sich gegenwärtig vollzieht und ihren ewigkeitswert in ihrer dynamik erhält. [.] das licht wird uns fliegen machen, und wir werden den himmel von oben sehen. alles wird uns durchdringen, es wird durch uns hindurchgehen, wie es durch etwas und nichts geht. [.] die schönheit des lichtes wird jede gestalt annehmen, die wir wünschen und träumen.\" (günther uecker zitiert nach schmied, wieland in: ausst.-kat. günther uecker, kestner gesellschaft, hannover 1972, s. 39) \n \n \n drehmotiv und kaleidoskopartige rosetten \n trotz des sichtbaren handwerklichen bezugs der eingehämmerten nägel sowie der offen gezeigten machart des werks entfaltet auch \"spirale\" von 2017 eine eigenständige ätherische anziehungskraft. mit der neuen puristischen ästhetik einer kinetischen lichtkunst, die monochromie und mechanik als gestalterische prinzipien anwendet, erzeugten die zero-mitglieder objekte, die mit der wechselwirkung von licht und bewegung zugleich raum und zeit einbeziehen. dabei wird der betrachter durch seine veränderliche positionierung aktiver bestandteil des werks und mit der eigenen unmittelbaren gegenwart des hier und jetzt konfrontiert. auf einer quadratischen bildfläche sind hier die nägel spiralförmig um einen mittelpunkt herum angeordnet. sich in diesem drehmotiv konzentrisch verdichtend, während die ausläufer des strudels luftig aufgelockert sind, scheint das runde nagelfeld zu schwingen und zu vibrieren. der blick wird durch den sog beinahe hypnotisch angezogen, dabei fächern sich optische erscheinungen wie flüchtige rosetten kaleidoskopartig auf. als eine oberflächlich gelagerte ebene von punkten setzen sich zudem die weißen köpfe der nägel von der dunklen ballung ihrer stahlgrauen stiele und schatten ab, so dass trotz der klaren formensprache das gesamtbild durch die wechselnden binnenstrukturen variantenreich changiert. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n günther uecker deutschland zero nachkriegskunst unikate 2010er nagel objekt mischtechnik formen","en":"uecker, günther \n 1930 wendorf \n \n \n title: \"spirale\". \n \n date: 2017. \n \n technique: hammered-in nail and colour on canvas. \n \n mounting: on wood. \n \n measurement: 90 x 90 x 15cm. \n \n notation: titled and twice signed and dated verso: \"spirale\" uecker 017. here provided with direction arrow and dimensions. \n \n this work is registered in the uecker archive under the number gu.17.007 and will be noted for inclusion in the forthcoming uecker catalogue raisonné. \n \n provenance: \n - private collection northern germany (direct from the artist) \n \n \n - the design principles of the zero group are implemented particularly effectively \n \n - dynamic vortex with a variety of shapes \n \n - reduction with simple means meets movement and spatial complexity \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n günther uecker germany zero post-war art post war 2010s nail object mixed media shapes"},"estimateMax":400000,"lotNumber":"37","title":{"de":"günther uecker: \"spirale\"","en":"günther uecker: 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\n - faszinierender kontrast zwischen malgrund und motiv \n \n - das werk vereint malerische selbstreflexion und spiritualität \n \n - malerei als existenzielle erfahrung \n \n \n auf der suche \n der 1929 in nordkorea geborene tschang-yeul kim erlebt seine kindheit und jugend während der japanischen okkupation und der teilung des landes nach dem zweiten weltkrieg. mit der drohenden kommunistischen gefahr durch die sowjetischen besatzer entschließt sich kim 1946 zur flucht nach südkorea, wo er an der hochschule für bildende künste der nationalen universität seoul malerei studiert und sich progressiven tendenzen, etwa dem art informel, zuwendet. zahlreiche politische umwälzungen und damit einhergehende umbrüche in seiner biografie, vor allem aber der koreakrieg, prägen ihn zutiefst. die einschneidenden erfahrungen von entwurzelung und isolation in verbindung mit den erlittenen verlusten haften ihm auch während eines aufenthaltes in new york an. dort sucht der künstler die auseinandersetzung mit pop art und minimalismus, um die entwicklung seiner künstlerischen sprache voranzutreiben. diese von unruhe und rastlosigkeit begleitete suche nach einem eigenen stil kommt erst mit dem umzug nach paris 1970 zu einem ende. \n \n \n zwischen form und auflösung: wassertropfen \n aus seinen biomorphen kompositionen heraus gelangt er dort schließlich zu einer form, die zum zentralen element in seinem werk werden sollte: wassertropfen offenbaren sich in ihrer prägnanten konkreten gestalt und eröffnen zugleich eine symbolische dimension. in der seither zwischen abstraktion und figuration oszillierenden malerei von kim wird dieses motiv zum sinnbild, das in seiner verkörperung der gegensätze form - auflösung in enger beziehung zur philosophischen dualität von körper und geist steht. \n die wassertropfen in \"ohne titel (wassertopfen)\" sind über die gesamte bildfläche aus grob strukturierter, ungrundierter leinwand wie blanke murmeln verteilt. durch den lichteinfall aus der oberen rechten ecke werfen die durchsichtigen körper einen schlagschatten, der ihre silhouette elliptisch in die länge zieht. \n \n \n spiritueller ausdruck im malerischen spannungsfeld von motiv und grund \n aufgrund ihrer hyperrealistischen wiedergabe in feinmalerischer präzision und verhaltener tonigkeit scheinen die einzelnen tropfen wie schwebende glaskugeln die ebene der bildfläche zu verlassen und plastisch in den dreidimensionalen raum einzudringen. darüber hinaus lässt ihre oberflächenspannung die tropfen zu spiegelglatten sphären werden: als träger von reflexen weisen sie auf einen bereich außerhalb der darstellungsebene. zugleich legt ihr durchsichtiges volumen die raue materialität des ihnen zugrundeliegenden gewebes offen. in diesem spannungsvollen zusammenspiel von malgrund und dargestelltem gegenstand reflektiert der buddhist kim die bedingungen von malerei und stellt sie in einen spirituellen zusammenhang. \n \"im akt des malens von wassertropfen werden alle dinge im inneren aufgelöst und man kehrt in einen transparenten zustand des 'nichts' zurück. indem wir ärger, angst, furcht und alles andere in die 'leere' zurückführen, erfahren wir frieden und zufriedenheit. während einige die anreicherung des 'ego' suchen, strebe ich nach der auflösung dieses und suche nach der methode, dies auszudrücken.\" (tschang-yeul kim zit. nach tina kim gallery; new york, https://tinakimgallery.com/video/29-kim-tschang-yeul-the-stillness-of-water-exhibit ion-walkthrough-video/ [abgerufen: 23. märz 2025]). \n \n mit dem phänomen der wassertropfen wird dem betrachter die unbeständigkeit aller sichtbaren erscheinungen zum greifen nah vor augen geführt. in kims malerei äußert sich ein elementarer zweifel an der darstellbarkeit der welt, zu der auch konstruierte vorstellungen über die menschliche existenz gehören. die in den wassertropfen veranschaulichte durchlässigkeit von innen und außen verweist auf die durchdringung von realitäts- und seinsebenen und - in entsprechung fernöstlicher philosophie - auf fließende übergänge zwischen zuständen. bei tschang-yeul kim fällt daher der konzentrierte pinselauftrag mit dem verstreichen der zeit zusammen. malerei dient als meditative übung zur entleerung des geistes und entschleunigung des körpers. im künstlerischen prozess schreibt sich die flüchtigkeit und vergänglichkeit des lebens bildwirksam ein. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative malerei akustische kunst zeitgenössische kunst unikate 1970er wasser gemälde öl","en":"kim, tschang-yeul \n 1929 miangsan/korea - 2021 seoul/south korea \n \n \n title: untitled (wassertropfen). \n \n date: 1976. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 41,5 x 33cm. \n \n notation: signed and dated lower right: t. kim 76. \n \n we thank mr. oan kim, the son of the artist, for his friendly, scholarly support. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n \n - fascinating contrast between backround and motif \n \n - the work unites picturesque self-reflection and spirituality \n \n - painting as existential experience \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative painting acoustic art contemporary art post war 1970s water painting oil"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"38","title":{"de":"tschang-yeul kim: ohne titel (wassertropfen)","en":"tschang-yeul kim: untitled (wassertropfen)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27737/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":75000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.059Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - \u20ac80,000","currency":"EUR","id":27737,"category":{"de":"Post War Gemälde, Zeichnungen, 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nordrhein-westfalen \n \n \n - extrem reduzierte komposition von eindringlicher wirkung \n \n - der wassertropfen als inbegriff von reinheit \n \n - versöhnung von existenziellen gegensätzen \n \n \n von korea nach paris \n die konfliktreichen politischen umstände in korea nach dem zweiten weltkrieg prägen die kindheit und jugend von tschang-yeul kim, der 1929 in nordkorea geboren wird. bereits mit fünf jahren wird der bekannteste zeitgenössische maler koreas von seinem großvater in der technik der kalligrafie unterwiesen. schon früh erkennt er das unrecht staatlicher und systemischer repression und flieht 1946 ohne seine familie vor den sowjetischen besatzern nach südkorea. dort beginnt er ein studium der malerei an der hochschule für bildende künste der nationalen universität seoul, das durch den schon bald einsetzenden koreakrieg jäh unterbrochen wird. neben dem erlittenen verlust der heimat und der schmerzvollen trennung von seinen angehörigen durch die auswanderung als erste prägende zäsur stellt diese erfahrung einen weiteren tiefgreifenden einschnitt im leben von tschang-yeul kim dar. sein künstlerischer aufbruch und seine drängende auseinandersetzung mit internationalen kunstformen fallen daher zusammen mit der persönlichen notwendigkeit, wunden zu heilen und das erfahrene leid zu lindern. ende der 1950er jahre wendet er sich progressiven und reformorientierten zeitgenössischen bewegungen in der kunst zu, die sich am europäischen informel und amerikanischen abstrakten expressionismus orientieren. als rastlos suchender, reist kim 1965 nach new york, wo er den dort vorherrschenden tendenzen von minimalismus und pop art begegnet, und lässt sich schließlich 1970 in paris nieder. \n \n \n stilbildendes motiv und harmonische vereinigung von gegensätzen \n dort stellt sich die begegnung mit dem motiv des wassertropfens ein, das über fünf jahrzehnte zum markanten, stilbildenden merkmal seiner kunst werden sollte. sie erweist sich zugleich als zentrales künstlerisches erweckungserlebnis und als persönlicher befreiungsschlag. in der einfachen kugelrunden gestalt offenbart sich nicht nur die vereinigung gegensätzlicher physikalischer (aggregats-)zustände. die im wassertropfen verkörperte gleichzeitigkeit von festigkeit und flüssigkeit verweist zugleich auf das spannungsfeld zwischen form und ihrer auflösung. das motiv ermöglicht kim, der stets danach trachtet, die konflikte und spannungen seines aufgewühlten seelenlebens in ein harmonisches gleichgewicht zu bringen, die versöhnung von daseinszuständen durch die auseinandersetzung mit den paradoxien künstlerischer formgebung anzugehen. \n \n \n effekte und absolute reinheit \n wie aus dem nichts der grob gewebten, naturbelassenen leinwand tritt im gemälde \"ohne titel (wassertropfen)\" von 1977 ein einzelner tropfen in erscheinung. er gleitet die fläche hinab und hinterlässt die dabei abgesonderte flüssigkeit als sichtbare spur seiner abwärtsbewegung, die in der unteren bildhälfte angehalten wird. der eingefrorene malerische moment führt den suspendierten wassertropfen vor, der mit äußerster feinmalerischer präzision dargestellt ist. die exakte kontur des glasklaren körpers tritt in ein dynamisches zusammenspiel mit den licht- und schatteneffekten und erzeugt dabei eine fundamentale irritation: dringt der täuschend echt wirkende wassertropfen etwa aus der leinwand an die oberfläche? die malerische illusion steht in widersprüchlicher beziehung zur realität des abgebildeten physikalischen vorgangs, dessen ursprung unklar bleibt. mit der simulierten herausbildung des wassertropfens aus der bildfläche und ausdehnung in die dreidimensionalität hinein legt kim das verhältnis zwischen figur und grund offen. indem er zu den fundamentalen bedingungen von malerei vordringt, hinterfragt er zugleich ihre beziehung zur wirklichkeit. \n während der blick an der spiegelglatten außenhaut des tropfens haften bleibt und durch dessen durchsichtige hülle auf den malgrund stößt, eröffnet sich die symbolische ebene und vor allem die spirituelle qualität der gemälde von kim. die durchlässigkeit zwischen innen und außen, essenz und optischem effekt lässt die darstellbarkeit der realität zwischen schein und sein oszillieren. das äußere erscheinungsbild des tropfens verbirgt nichts. er wird zum inbegriff jener absoluten reinheit, die tschang-yeul kim mit der meditativen stille und der befreienden leere des geistes verbindet. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative malerei akustische kunst zeitgenössische kunst unikate 1970er wasser gemälde öl","en":"kim, tschang-yeul \n 1929 miangsan/korea - 2021 seoul/south korea \n \n \n title: untitled (wassertropfen). \n \n date: 1977. \n \n technique: oil on canvas. \n \n measurement: 80,5 x 65cm. \n \n notation: signed and dated lower right: t. kim 77. \n \n we thank mr. oan kim, the son of the artist, for his friendly, scholarly support. \n \n provenance: \n - private collection north rhine-westphalia \n \n \n - extremely reduced composition with haunting effect \n \n - the water drop as epitome of purity \n \n - reconciliation of existential opposites \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n tschang-yeul kim korea figurative painting acoustic art contemporary art post war 1970s water painting oil"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"39","title":{"de":"tschang-yeul kim: ohne titel (wassertropfen)","en":"tschang-yeul kim: untitled (wassertropfen)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27738/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":125000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.200Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - 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leinwand. \n \n montierung: doubliert. \n \n maße: 94 x 77cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert unten rechts: w dexel 20. zudem verso signiert, datiert und betitelt: w dexel 20 der grosse viadukt. \n \n rahmen/sockel: rahmen. \n \n dem werk liegt die genaue vorzeichnung (der große viadukt, 1920, bleistift auf transparentpapier, 33,5 x 26cm) als beigabe bei. \n \n provenienz: \n - barry friedman, new york \n - sammlung carl laszlo, basel \n - galerie von bartha, basel \n - privatsammlung schweiz \n - privatsammlung nordrhein-westfalen \n \n ausstellungen: \n - galerie fritz gurlitt, berlin 1920 \n - städtisches museum braunschweig, 1962 \n - städtische galerie im lenbachhaus, münchen 1962 \n - städtisches museum wiesbaden, 1962 \n - kunstverein oldenburg, 1962 \n - kunstverein braunschweig, 1970 \n - galerie charles lienhard, basel 1970 \n - goethe institut paris, 1972 \n - galerie circulus, bonn 1973 \n - kestner-gesellschaft, hannover 1974 (aufkleber) \n - westfälisches landesmuseum münster, 1979 \n - ulmer museum, 1979 \n - fritz winter haus, ahlen 1980 (aufkleber) \n - kunstamt wedding, berlin 1983 \n - galerie stolz, köln 1990 \n - kunsthalle bremen, 1990 \n \n literatur: \n - wöbkemeier, ruth/der kunstverein bremen (hrsg.): walter dexel (1890-1973) - werkverzeichnis. gemälde, hinterglasbilder, gouachen, aquarelle, collagen, ölstudien, entwürfe zu bühnenbildern, heidelberg 1995, wvz.-nr. 141, abb. \n - ausst.-kat. walter dexel, ralph voltmer, jozsef nemes- lamperth, laszlo moholy-nagy, galerie fritz gurlitt, berlin 1920, kat.-nr. 13 \n - ausst.-kat. walter dexel, städtisches museum braunschweig, 1962; städtische galerie im lenbachhaus, münchen 1962; städtisches museum wiesbaden, 1962; kunstverein oldenburg, 1962, kat.-nr. 35 \n - ausst.-kat. walter dexel, kunstverein braunschweig, 1970, kat.-nr. 18 \n - ausst.-kat. walter dexel, galerie charles lienhard, basel 1970, kat.-nr. 14 \n - faltblatt walter dexel, goethe institut paris, 1972, nr. 6 \n - werner hoffmann (hrsg.): der maler walter dexel, in: kunst und umwelt, bd. 4, starnberg 1972, s. 11 u. 29, abb. \n - arrigo lora-totino (hrsg.): walter dexel. evoluzione costruttivista, turin 1973, o. s. \n - ausst.-kat. walter dexel, galerie circulus, bonn 1973, kat.-nr. 39, abb. \n - ausst.-kat. walter dexel, kestner-gesellschaft, hannover 1974, kat.-nr. 32 \n - ausst.-kat. walter dexel - bilder, aquarelle, collagen, leuchtreklame, typografie, \n landesmuseum münster, 1979; ulmer museum, 1979, kat.-nr. 46, s. 19, abb. \n - ausst.-kat. walter dexel. bilder, aquarelle, collagen, fritz winter haus, ahlen 1980, kat.-nr. 17 \n - walter vitt (hrsg.): homage à dexel (1890 - 1973). beiträge zum 90. geburtstag des künstlers, starnberg 1980, s. 44 \n - ausst.-kat. walter dexel zum 10. todestag. ölbilder - köpfe, kunstamt wedding, berlin 1983, kat.-nr. 40 \n - ausst.-kat. schöne tage im hause dexels - das gästebuch - walter dexel zum 100. geburtstag, galerie stolz, köln 1990, kat.-nr. 2, s. 129, abb. \n - ausst.-kat. walter dexel: bild, zeichen, raum, kunsthalle bremen, 1990, kat.-nr. 16 \n \n \n -die gestalterischen grundlagen der malerei stehen im engen produktiven austausch mit konzepten aus architektur, werbung, kunstgewerbe \n \n -das werk veranschaulicht besonders eindrücklich die bildnerische konstruktion mit architektonischen bauelementen \n \n im mittelpunkt von dexels malerischen kompositionen stehen neben häusern und landschaften vor allem verschiedene baukörper aus fabrikanlagen, darunter hochöfen, maschinenhallen, wasser- und fördertürme, aber auch transportmittel wie flugzeuge und schiffe. in entsprechung der vielseitigen ausrichtung seiner produktion setzt dexel diese motive in verschiedenen techniken und gattungen variantenreich um. \n \n \n realitätsnaher konstruktivismus \n das gemälde \"der große viadukt\" veranschaulicht besonders eindrücklich dexels malerische auseinandersetzung mit bildnerischen konstruktionsweisen anhand architektonischer prinzipien. als markante elemente der bildkomposition treten hier die charakteristischen merkmale der seit der antike geläufigen brückenkonstruktion in erscheinung. die stützenden pfeiler werden durch eine gleichmäßige bogenreihe zusammengefasst und von dexel gleichsam als gestalterische grundlagen - sozusagen als tragende säulen - für den bildaufbau eingesetzt. obwohl das motiv sich dem experimentellen zusammenspiel lose gefügter formen, flächen, farben unterordnet, lässt dexels an der realität orientierter konstruktivismus ein ausgeprägtes interesse für technik, für ingenieurs- und baukunst erkennen. ausgangspunkt für die abstraktion ist dabei das sachliche studium des bildgegenstands, der auf wesentliche konstruktive bausteine reduziert und systematisch erfasst wird. dexels verfahren weist damit eine nähe zum analytischen kubismus auf, dessen darstellung von objekten aus verschiedenen blickwinkeln zugleich ihre nüchterne zerlegung in geometrische primärformen beinhaltet. zugleich legt dexels freie, aus dem formalperspektivischen zusammenhang des ursprünglichen objekts losgelöste zusammenfügung dieser grundformen in einer neuen bildnerischen ordnung auch parallelen zum synthetischen kubismus nahe. \n \n \n das gemälde als dynamisches system ineinandergreifender, funktionierender einzelteile \n in dem gemälde scheint die stabilität des bauwerks zugunsten der rhythmisierung seiner komponenten regelrecht zu bröckeln. das dominierende vertikale liniengefüge tragender balken erscheint von zahlreichen splittern und fragmenten durchbrochen. multiple facetten des viadukts verschränken und verschieben sich in kleinteiligen binnenfeldern, so dass die einheitlichkeit der form zugunsten verschiedener ansichten und ausschnitte aufgehoben ist. materialdetails wie das mauerwerk aus roten ziegeln blitzen punktuell auf, ebenso treten bautechnische strukturen und ornamentale gliederungselemente aus dem übergeordneten formgefüge hervor. im pluralistischen nebeneinander von stufen, wandreliefs, sockeln, gesimsprofilen, schmuckbändern, nischen führt dexel die wahrnehmungsbedingte vielfalt der erscheinungsformen des sujets vor. wie die architektur erscheint das gemälde selbst als dynamisches system ineinandergreifender, funktionierender einzelteile \n bettina haiss. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n walter dexel deutschland bauhaus konstruktivismus nachkriegskunst unikate 1920er rahmen abstrakt gemälde öl geometrische abstraktion","en":"dexel, walter 1890 munich - 1973 brunswick \n \n \n title: \"der große viadukt\". \n \n date: 1920. \n \n technique: oil on canvas. \n \n mounting: relined. \n \n measurement: 94 x 77cm. \n \n notation: signed and dated lower right: w dexel 20. in addition verso signed, dated, and titled: w dexel 20 der grosse viadukt. \n \n frame/pedestal: framed. \n \n the exact preliminary drawing is enclosed with the work (der große viadukt, 1920, pencil on transparency paper, 33,5 x 26cm). \n \n provenance: \n - barry friedman, new york \n - collection of carl laszlo, basel \n - galerie von bartha, basel \n - private collection switzerland \n - private collection north rhine-westphalia \n \n exhibitions: \n - galerie fritz gurlitt, berlin 1920 \n - städtisches museum braunschweig, 1962 \n - städtische galerie im lenbachhaus, munich 1962 \n - städtisches museum wiesbaden, 1962 \n - kunstverein oldenburg, 1962 \n - kunstverein braunschweig, 1970 \n - galerie charles lienhard, basel 1970 \n - goethe institut paris, 1972 \n - galerie circulus, bonn 1973 \n - kestner-gesellschaft, hannover 1974 (adhesive label) \n - westfälisches landesmuseum münster, 1979 \n - ulmer museum, 1979 \n - fritz winter haus, ahlen 1980 (adhesive label) \n - kunstamt wedding, berlin 1983 \n - galerie stolz, cologne 1990 \n - kunsthalle bremen, 1990 \n \n literature: \n - wöbkemeier, ruth/der kunstverein bremen (ed.): walter dexel (1890-1973) - werkverzeichnis. gemälde, hinterglasbilder, gouachen, aquarelle, collagen, ölstudien, entwürfe zu bühnenbildern, heidelberg 1995, cat. rais. no. 141, ill. \n - exhib.-cat. walter dexel, ralph voltmer, jozsef nemes- lamperth, laszlo moholy-nagy, galerie fritz gurlitt, berlin 1920, cat. no. 13 \n - exhib.-cat. walter dexel, städtisches museum braunschweig, 1962; städtische galerie im lenbachhaus, munich 1962; städtisches museum wiesbaden, 1962; kunstverein oldenburg, 1962, cat. no. 35 \n - exhib.-cat. walter dexel, kunstverein braunschweig, 1970, cat. no. 18 \n - exhib.-cat. walter dexel, galerie charles lienhard, basel 1970, cat. no. 14 \n - faltblatt walter dexel, goethe institut paris, 1972, no. 6 \n - werner hoffmann (ed.): der maler walter dexel, in: kunst und umwelt, fig. 4, starnberg 1972, p. 11 fn. 29, ill. \n - arrigo lora-totino (ed.): walter dexel. evoluzione costruttivista, turin 1973, without pages \n - exhib.-cat. walter dexel, galerie circulus, bonn 1973, cat. no. 39, ill. \n - exhib.-cat. walter dexel, kestner-gesellschaft, hannover 1974, cat. no. 32 \n - exhib.-cat. walter dexel - bilder, aquarelle, collagen, leuchtreklame, typografie, \n landesmuseum münster, 1979; ulmer museum, 1979, cat. no. 46, p. 19, ill. \n - exhib.-cat. walter dexel. bilder, aquarelle, collagen, fritz winter haus, ahlen 1980, cat. no. 17 \n - walter vitt (ed.): homage à dexel (1890 - 1973). beiträge zum 90. geburtstag des künstlers, starnberg 1980, p. 44 \n - exhib.-cat. walter dexel zum 10. todestag. ölbilder - köpfe, kunstamt wedding, berlin 1983, cat. no. 40 \n - exhib.-cat. schöne tage im hause dexels - das gästebuch - walter dexel zum 100. geburtstag, galerie stolz, cologne 1990, cat. no. 2, p. 129, ill. \n - exhib.-cat. walter dexel: bild, zeichen, raum, kunsthalle bremen, 1990, cat. no. 16 \n \n \n - the creative foundations of painting are in close productive exchange with concepts from architecture, advertising, the decorative arts \n \n - the work illustrates pictorial construction with architectural building elements in a particularly impressive way \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n walter dexel germany bauhaus constructivism post-war art modern art 1920s framed abstract painting oil geometric abstraction"},"estimateMax":100000,"lotNumber":"40","title":{"de":"walter dexel: \"der große viadukt\"","en":"walter dexel: \"der große viadukt\""},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27739/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":56000,"soldPrice":70000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.203Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac70,000 - \u20ac100,000","currency":"EUR","id":27739,"category":{"de":"Mod. 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staatsgalerie moderner kunst/bayerische staatsgemäldesammlungen, münchen 1999 \n - universität für angewandte kunst, wien 2001 \n - museion museum für moderne kunst, bozen 2001 \n - rupertinum salzburg, 2001 \n \n literatur: \n - ausst.-kat. erika giovanna klien 1900-1957, museum moderner kunst im museum des 20. jahrhunderts, wien 1987, kat.-nr. 125, s.37, s. 134 \n - ausst.-kat. erika giovanna klien 1900-1957, staatsgalerie moderner kunst, münchen 1999, kat.-nr. 12, s. 33, 54, abb. \n - ausst.-kat. erika giovanna klien, wien/new york 1900 -1957, universität für angewandte kunst 2001, s. 34, s. 43, abb. \n - ausst.-kat. erika giovanna klien, wien/new york 1900 -1957, museion museum für moderne kunst, bozen 2001, s. 34, s. 43, abb. \n - ausst.-kat. erika giovanna klien, wien/new york 1900 -1957, rupertinum salzburg 2001, s. 34, s. 43, abb. \n \n \n - gesuchte weibliche position der klassischen moderne \n \n - seltenes, hochqualitatives hauptwerk aus dem kernoeuvre der künstlerin \n \n - entstanden in der blütephase des wiener kinetismus \n \n \n der wiener kinetismus der 1920er jahre \n erika giovanna klien wird 1900 im damals noch zu österreich-ungarn, heute italien zugehörigen borgo vaslugana als tochter eines kleinbürgerlichen beamtenhaushalts geboren. bereits früh fühlt klien sich zum kulturbetrieb hingezogen, träumt von der schauspielerei und einer karriere im theater. nachdem die widerstände ihres vaters einer schauspielerischen karriere im wege stehen, wird der sich auch für malerei und zeichnung begeisternden klien ab 1919 immerhin eine ausbildung an der kunstgewerbsschule in wien zugestanden. unter ihrem dozenten franz cizek lernt sie erstmals den wiener kinetismus kennen, eine stilrichtung zwischen französischem kubismus, italienischem futurismus und dem russischen konstruktivismus, zu deren bedeutendster vertreterin klien im laufe ihres lebens avanciert. \n der kinetismus wurde maßgeblich von franz cizek geprägt und beeinflusst. ab 1910 befasst sich cizek verstärkt mit der darstellung von rhythmischen bewegungsabläufen und lässt diese theorien und überlegungen auch in seine seminare zur ornamentalen formenlehre einfließen. dort kommt auch klien erstmals mit den ideen des kinetismus in kontakt und ist sofort fasziniert. selbst stark von tanz und rhythmik begeistert, sieht klien im kinetismus die möglichkeit, ihre leidenschaft für tanz und theater mit der malerei zu verbinden. \n im gegensatz zur kinetischen kunst, bei der das kunstwerk selbst kinetische - sprich bewegliche - elemente aufweist, steht beim wiener kinetismus die darstellung von bewegung im fokus. cizek betrachtete den kinetismus dabei als die kunst, eine bewegungsabfolge in ihre rhythmischen elemente zu zerlegen. \n da nachrückende künstlergruppen fehlen, die in zweiter generation die neue kunstströmung lebendig halten, verliert der kinetismus ab den 1930er jahren zunehmend an aufmerksamkeit und bedeutung, bis er schließlich fast in vergessenheit gerät. erst in den 1980er jahren greifen ausstellungen im wien museum und im schloss belvedere die stilrichtung wieder auf und stellen diese einer breiteren öffentlichkeit vor. \n \n \n erika giovanna klien in den usa \n klien steigt bereits in den 1920er jahren zu einer art star des kinetismus auf und stellt ihre werke auf bedeutenden ausstellungen, wie beispielsweise der pariser kunstausstellung 1925 und der internationalen ausstellung für moderne kunst 1927 in new york aus. trotz dieser erfolge hat klien nach ihrem abschluss als kunstpädagogin bei cizek große probleme ihren lebensunterhalt als selbstständige künstlerin zu verdienen und verdingt sich primär als gebrauchsgrafikerin für reklame und als kunstpädagogin. \n 1929 wandert klien in der hoffnung, ihrer karriere so einen schub verleihen zu können, in die vereinigten staaten aus. der große künstlerische erfolg bleibt jedoch aus und klien unterrichtet in den folgenden zehn jahren simultan an vier schulen, um den lebensunterhalt für sich und ihren 1928 unehelich geborenen sohn zu verdienen. in dieser zeit macht klien in den usa als verfasserin kunsterzieherischer schriften auf sich aufmerksam. 1938 wird klien us-amerikanische staatsbürgerin und setzt ihre lehrtätigkeit noch bis 1946 fort. in den letzten lebensjahren mehren sich zunehmend gesundheitliche probleme und 1957 verstirbt die mittlerweile vereinsamte klien an einem herzinfarkt. \n \n \n vogelflug \n mit der vorliegenden arbeit kommt eine besonders charakteristische arbeit der künstlerin zum aufruf. in seine fragmentarischen einzelteile zerlegt, zeigt das werk den im stil des kinetismus aufbereiteten flug eines vogels in leuchtend-expressiver farbgebung. die stark kubistisch geprägte komposition ist aber nicht nur ein herausragendes beispiel für den wiener kinetismus, sondern steht auch exemplarisch für eine der kerngruppen in kliens künstlerischem oeuvre. klien, als cizeks begabteste schülerin, entwickelt als einzige seine ideen auf eigenständige weise bis an ihr lebensende weiter und gestaltet prozesshafte bewegungsabläufe. tanz, vogelflug oder abstrakte bewegungsrhythmen tauchen in den folgejahren immer wieder als bestimmende bildthemen in ihrem werk auf. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n erika giovanna klien ungarn kubismus futurismus moderne kunst unikate 1920er modellrahmen vögel gemälde öl abstrakt","en":"klien, erika giovanna 1900 borgo valsugana/itaiy - 1957 new york \n \n \n title: vogelflug. \n \n date: 1926. \n \n technique: oil on untreated cotton. \n \n measurement: 64 x 102cm. \n \n notation: dated and signed lower left: 1926 klien. \n \n frame/pedestal: craftman's frame. \n \n we thank ms. marietta mautner, vienna, for her friendly support. \n \n provenance: \n - private collection vienna \n - company collection germany (acquired 1991 from previous owner) \n \n exhibitions: \n - museum moderner kunst im museum des 20. jahrhunderts, vienna 1987 \n - staatsgalerie moderner kunst/bayerische staatsgemäldesammlungen, munich 1999 \n - universität für angewandte kunst, vienna 2001 \n - museion museum für moderne kunst, bozen 2001 \n - rupertinum salzburg, 2001 \n \n literature: \n - exhib.-cat. erika giovanna klien 1900-1957, museum moderner kunst im museum des 20. jahrhunderts, vienna 1987, cat.-no. 125, p. 37, p. 134 \n - exhib.-cat. erika giovanna klien 1900-1957, staatsgalerie moderner kunst, munich 1999, cat.-no. 12, p. 33, 54, ill. \n - exhib.-cat. erika giovanna klien, vienna/new york 1900-1957, universität für angewandte kunst 2001, p. 34, p. 43, ill. \n - exhib.-cat. erika giovanna klien, vienna/new york 1900-1957, museion museum für moderne kunst, bozen 2001, p. 34, p. 43, ill. \n - exhib.-cat. erika giovanna klien, vienna/new york 1900-1957, rupertinum salzburg 2001, p. 34, p. 43, ill. \n \n \n - sought-after female position of modern classicism \n \n - rare high-quality work from the core oeuvre of the artist \n \n - created at the height of viennese kinetism \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n erika giovanna klien hungary cubism futurism modern art 1920s craftman's frame birds painting oil abstract"},"estimateMax":80000,"lotNumber":"41","title":{"de":"erika giovanna klien: vogelflug","en":"erika giovanna klien: vogelflug"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27740/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":48000,"soldPrice":80000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.981Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac60,000 - 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(vgl. katharina grosse zit. nach \"in conversation: katharina grosse im hamburger bahnhof\", in: www.museumsfernsehen.de/in-conversation-katharina-grosse-im-hamburger-bahn hof/) dabei werden farben und gesten nicht motivisch aufgefasst, sondern als mittel der phänomenologischen raumaneignung eingesetzt. sie sind kraftvoller ausdruck einer spontanen handlung und beschreiben den aktionsradius, das momentum des malerischen aktes, der sein wirkungsfeld jenseits tradierter räumlicher festlegungen entfaltet. \n \n \n geometrische strenge und romantisches farbenspiel \n grosses bildnerische vorgehensweise erfolgt wie eine choreographische anordnung, in der bewegungen die dinge zueinander in ein räumliches verhältnis setzen. auch das vorliegende gemälde ohne titel (2008) zeugt von dieser auffassung eines grenzüberschreitenden, beweglichen bildgefüges. mit breiten pinselstrichen durchquert die künstlerin zügig die bildfläche; horizontale, vertikale und diagonale bahnen hinterlassen farbige, sich verschränkende und überlagernde streifen, die als bewegungslinien den bildraum strukturieren. trotz der geradlinigen, geometrischen strenge der komposition ergeben die konstruktiven gliederungselemente ein durchscheinendes geflecht einzelner, lasierend aufgetragener farbtöne. ausgehend von den hellgrünen balken im vordergrund, die den einstieg in das bildgeschehen markieren, wird der blick über kobaltblaue verstrebungen stufenweise über gedämpfte partien in petrol und ocker in die bildtiefe hineingelenkt und gewährt einen fast romantischen durchblick auf ein punktuell aufscheinendes korallenrot. während ihre transparente qualität an lichtdurchlässige glasfenster denken lässt, eröffnet das optische zusammenspiel farbperspektivisch aufeinander abgestimmter nuancen einen freien assoziationsspielraum, in dem sich etwa die vorstellung einer sich in der dämmerung verdunkelnde naturidylle mit einem feurig lodernden sonnenuntergang einstellt. für grosse ist das bild nie eine lineare abfolge von zuständen mit einer von vornherein angelegten zielgerichtetheit, sondern gestaltet sich als ein vitaler cluster aus schichten verschiedener bildnerischer vorgänge. mit der simultaneität vielfältiger malerischer erscheinungsformen und dem eindruck einer unübersichtlichkeit gewährt sie dem betrachter völlige entscheidungsfreiheit, die vielfältigen zugangswege des werkes zu erschließen. \n bettina haiss \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n katharina grosse deutschland abstraktion zeitgenössische kunst unikate 2000er abstrakt gemälde acryl farbe","en":"grosse, katharina \n 1961 freiburg \n \n \n title: untitled. \n \n date: 2008. \n \n technique: acrylic on canvas. \n \n measurement: 137 x 92cm. \n \n notation: inscribed, signed and dated verso bottom: 2008/10435 katharina grosse 2008. here also provided with measurements as well as directional arrow. \n \n the work is recorded under the number 2008/1043 in the archive of the artist. we thank the wunderblock foundation (archivist katharina grosse, berlin, for the friendly support. \n \n provenance: \n - galerie conrads, dusseldorf \n - private collection north rhine-westphalia (acquired 2008 from previous owner) \n \n \n - extraordinary picture that opens up the space with almost classical compositional means \n \n - the color mood evokes associations with romantic landscapes \n \n - grosse's effective painting fascinated with its complexity \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n katharina grosse germany abstraction contemporary art 2000s abstract painting acrylic colour"},"estimateMax":70000,"lotNumber":"42","title":{"de":"katharina grosse: ohne titel","en":"katharina grosse: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27741/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":40000,"soldPrice":45000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.988Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac50,000 - \u20ac70,000","currency":"EUR","id":27741,"category":{"de":"Zeitgen. 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frühes beispiel für grosses experimentierlust mit farbschichten auf aluminiumträger \n \n - dynamisch fließender farbauftrag, der bewegung und tiefe suggeriert \n \n - charakteristisch für ihre werkphase der späten 1990er jahre \n \n \n \"farbe ist etwas sehr intimes. sie löst sofort reaktionen aus. ich benutze sie auch, um die struktur meines denkens zu verfolgen, denn das ist das, worum es beim malen meines erachtens letztendlich geht.\" \n (grosse, katharina, in: ausst.-kat. katharina grosse - studio paintings. 1988-2022, mildred lane kemper art museum/kunstmuseum bern/kunstmuseum bonn, berlin 2022, s. 9) \n \n \n eine der bedeutendsten stimmen der zeitgenössischen malerei \n katharina grosse zählt zu den wichtigsten vertreterinnen der abstrakten malerei unserer zeit. international gefeiert für ihre großflächigen, raumfüllenden und an öffentlichen orten gemalten in-situ-arbeiten, hinterfragt sie mit ihrer künstlerischen praxis eindrucksvoll die grenzen von malerei, skulptur und installation. ihre werke entstehen in einem gestischen prozess, häufig mit industriellen sprühfarben, die sie auf unterschiedliche trägermaterialien aufträgt - von leinwänden und aluminiumplatten bis hin zu architektonischen strukturen oder ganzen landschaften. farbe und ihre unmittelbare physische präsenz werden dabei zu zentralen parametern erklärt. \n nach ihrem studium an den kunstakademien in münster und düsseldorf, beginnt grosse ihre karriere in den frühen 1990er-jahren zu einer zeit, in der erhebliche kritik gegenüber dem wert des mediums malerei zur sprache kommt. unter ihrem professor gotthard graubner und dem einfluss verschiedenster malerischer tendenzen, allen voran der monochromen farbfeldmalerei und der gestisch lyrischen abstraktion, entwickelt grosse konsequent einen unikalen ansatz, der sich jeglicher kategorisierung entzieht. sie betont neben der körperlichen präsenz der malerei insbesondere die materialität der farbe. damit stellt sich grosse von anbeginn ihrer karriere gegen eine figurative bildsprache und schafft ein malerisches vokabular abstrakter formen, bei denen unter- bzw. übermalungen eine wichtige rolle einnehmen. nicht nur ihre ausstellung im pariser palais de tokyo (2005), sondern auch ihr beitrag zur biennale di venezia (2015) erregt internationale anerkennung. heute befinden sich ihre arbeiten in den renommiertesten sammlungen der welt, darunter das new yorker museum of modern art, das centre pompidou in paris, die tate modern in london sowie das kunstmuseum bonn. \n \n \n farbe als unmittelbare erfahrung \n das unbetitelte werk aus dem jahr 1997 ist ein außergewöhnliches beispiel für grosses frühen umgang mit farbe. in den 1990er jahren beginnt sie, aluminium als malgrund zu nutzen - eine entscheidung, die ihre werke noch stärker von klassischen bildträgern löst und der farbe eine neue körperlichkeit verleiht. dabei ist die komposition in ein leuchtendes kolorit getaucht, das in fließenden schichten aufgetragen wird. indem sie rosa- und gelbtöne vertikal und horizontal übereinander lagert, entsteht eine transparente farbwirkung. bei näherer betrachtung bleiben die sich überkreuzenden untermalungen erkennbar und verstärken sich gegenseitig in ihrer intensität. \n grosses künstlerische praxis ist stark geprägt von schichtenweise aufgetragenen farbschlieren, die mal dicker, mal dünner, mal opaker, mal transparenter, aber immer leuchtend brillant die beziehung zwischen oben und unten visualisieren. gleichzeitig hinterfragt die künstlerin die konventionelle relation zwischen vorderer und hinterer ebene, zwischen figur und grund, wie sie typischerweise in der komposition eines gemäldes zum ausdruck kommt. die ästhetische erfahrbarkeit der arbeit wird vielmehr durch die präsenz der transparenten farbschichten und ihr zusammenspiel bestimmt. grosse spielt hier intentional mit einem zunehmend grelleren farbrepertoire und einer materialität der farbe, deren fließverhalten durch einen dynamischen pinselstrich aktiviert wird. infolgedessen scheinen die farbschichten ineinander zu verschmelzen. das ergebnis: eine im höchsten maße virtuose arbeit, die neben ihrer technisch materiellen qualität, ebenso über die leuchtkraft der farbe und ihrer sich gegenseitig intensivierenden schichten überzeugt. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n katharina grosse deutschland abstraktion zeitgenössische kunst unikate 1990er farbe gemälde öl","en":"grosse, katharina \n 1961 freiburg \n \n \n title: untitled. \n \n date: 1997. \n \n technique: oil and acrylic on aluminium. \n \n measurement: 188 x 125cm. \n \n notation: signed, dated and inscribed verso: katharina grosse 1997 dezember düsseldorf. \n \n the work is recorded under the number 1998/2030 in the archiv of the artist. we thank the wunderblock foundation (archive of katharina grosse), berlin, for their friendly support. \n \n provenance: \n - köllmann ag (according to consignor) \n - bremer landesbank (acquired 1997 from previous owner) \n \n \n - early example of grosse's enjoyment of experimentation with layers of paint on aluminium substrate \n \n - dynamic, flowing application of paint that suggests movement and depth \n \n - characteristic of her late 1990s work phase \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n katharina grosse germany abstraction contemporary art 1990s colour painting oil"},"estimateMax":60000,"lotNumber":"43","title":{"de":"katharina grosse: ohne titel","en":"katharina grosse: untitled"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27742/view","tags":["daFineart_PaintingsandMixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":32000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.990Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac40,000 - 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privatsammlung österreich (2015 direkt von der künstlerin erworben) \n \n ausstellungen: \n - galerie hoffmann, friedberg 1993 \n - kunsthalle szombathely, 1993 \n - tricolor, studio-galerie, warschau 1994 \n - galerie vízivárosi, budapest 1994 \n - kleingalerie, pécs 1997 \n - ludwig museum, budapest 1997/98 \n - josef albers museum, bottrop 1998 \n - nationale kunstgalerie zacheta, warschau 1998 \n - ungarisches kulturinstitut, stuttgart 2000 \n - varosi muveszeti muzeum, gyor 2001 \n - ludwig museum - museum of contemporary art, budapest 2008/09 \n \n literatur: \n - ludwig museum (hrsg.): maurer dóra, budapest 2008, werk-nr. 281, abb. \n - ausst.-kat maurer dóra, munkák/arbeiten 1990-1997, kortárs mûvészeti múzeum/ludwig múzeum, budapest/josef albers museum, bottrop, 1997, s. 20 u. 21, abb. \n - ausst.-kat. dóra maurer tibor gáyor, parallel oeuvres, varosi muveszeti muzeum, gyor 2001, s. 198, abb. \n \n \n - museales monumentalwerk aus der stilbildenden serie der \"quasi-bilder\" \n \n - die künstlerin hinterfragt gekonnt die gängigen wahrnehmungsmuster des betrachters in dem sie den raum als aktiven bildträger miteinbindet \n \n - das diptychon steht in seiner kunsthistorischen relevanz exemplarisch für den internationalen durchbruch maurers \n \n \n die \"quasi-bilder\" \n basierend auf der stetigen weiterentwicklung von maurers system ist für das hier angebotene museale hauptwerk \"quasi-picture mirroring\" die serie der \"quasi-bilder\" als wegweisend zu sehen, welche ihren ursprung in den 1970er jahren haben und aus der experimentellen serie \"mengentafel\" entstehen. diese serie befasst sich mit abstrakten, systematischen darstellungen von form und farbe. maurer entwickelt die serie weiter und schafft systematische diagramme, die sie in den raum projiziert. dieser ansatz kulminiert in ihrer raumfüllenden und wegweisenden wandmalerei im schloss buchberg am kamp in österreich im jahr 1982 (abb. 1). die \"quasi-bilder\" sind seitdem ein zentrales motiv in maurers werk. ab den frühen 1990er jahren beginnt die künstlerin damit die zweidimensionalen diagramme auf dreidimensionale oberflächen, wie gekrümmte oder gebogene flächen, zu projizieren. zudem experimentiert sie mit der darstellung auf textilien und anderen unregelmäßigen oberflächen. diese verzerrungen führen zu neuen variationen ihrer systematischen und strengen bilder. sie untersucht zudem vermehrt vergrößerte details ihrer arbeiten, indem sie diese auf geometrischen modellen ausprobiert und die effekte von raum und perspektive erforscht. ihre werke sind dabei ständig im wandel und reagieren auf die einflüsse der umgebung, wodurch sie eine ständige veränderung in form und farbe erleben. eine neue freiheit der form erhält einzug in ihr werk und es entstehen zahlreiche weitere wichtige werkserien aus diesem konzept. \n \n \n \"quasi-picture mirroring\" \n die bestätigung des nicht festlegbaren bildes liefert dóra maurer im herbst 1982 in der weniger raumbezogenen als sich vielmehr in einem vorgegebenen raum vollziehenden arbeit auf schloss buchberg. nur kurze zeit später fertigt maurer, basierend auf dem existenziellen konflikt, in den architektonischer raum und bildraum dort geraten sind, bezugnehmende gemälde im klassischeren sinn. das museale und monumentale meisterwerk \"quasi-picture mirroring\" ist eines der frühesten zeugnisse dieser für das ganze spätere werk der künstlerin prägenden entdeckung. waren die bilder vorher in flächiger korrespondenz oder in zeitlicher abfolge zu lesen, so werden sie nun räumlich wahrgenommen. dieser paradigmenwechsel vollzieht sich jedoch innerhalb desselben, bereits über jahre gereiften, denksystems maurers. das hier angebotene werk zeigt spielerisch diese phase, indem es als eigentliches spiegelbild (\"mirroring\") ein diptychon bildet, das sich vom aufbau der komposition und des bildformats aneinander annähert, aber nicht identisch ist. der ungleiche \"zwilling\" bietet so der künstlerin die möglichkeit gerade die themen form und farbe im direkten vergleich zu kontrastieren und zu hinterfragen, sowie neue spannende raumwirkungen auf den betrachter zu erzielen. jedem teilbild gehört etwas vom anderen. die strukturellen zuordnungen sind nicht genau zu klären. die scheinbar parallel verlaufende struktur scheint weder die grenzen der zweigeteilten elemente noch die zwischen ihnen liegende räumliche distanz zur kenntnis zu nehmen. eine räumliche spannung ergibt sich nicht nur zwischen den teilelementen, sondern auch zwischen den nebeneinander liegenden farben in den jeweiligen elementen. die tatsächliche distanz zwischen den bildelementen an der wand wird durch eine von den farben erzeugte visuelle distanz überlagert. dabei greifen zwei vollkommen unterschiedliche raumerfahrungen ineinander, obwohl sie sich gegenseitig widersprechen. die wahrnehmung des betrachters wird zusätzlich irritiert - durch eine \"wandernde\" und schwer fassbare struktur sowie durch das kippen des linken bildelements. wo sich das bild letztlich verorten lässt, bleibt unbeantwortet. genau an diesem punkt wird deutlich, was dóra maurer unter dem begriff \"quasi-bild\" versteht. es bezeichnet ein bild, das sich jeder festen zuordnung entzieht und vielmehr das resultat eines visuellen vorgangs ist - die bildelemente dienen dabei lediglich als ausgangsmaterial für diesen prozess. das eigentliche bild entsteht im auge des betrachters und übertrifft durch seine optische stabilität und präsenz jede physische grundlage. dóra maurer geht es dabei nicht um täuschung des sehens, sondern um eine bewusste leistung des sehens selbst. \"quasi-picture mirroring\" ist ein meisterwerk maurers einzigartiger bildidee. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n dora maurer ungarn konzeptkunst nachkriegskunst unikate 1980er farbe installation acryl auf holz","en":"maurer, dora \n 1937 budapest \n \n \n title: quasi-picture and its mirroring (zwischenraster quasi-bild, schritt 103). diptychon. \n \n date: 1983/1993. \n \n technique: acrylic on four plywood panels. \n \n mounting: mounted on aluminium strips. \n \n measurement: each 150 x 120cm; measurement per element: 150 x 240cm; installation measurement: ca. 150 x 540cm. \n \n notation: each signed, dated and titled verso: maurer 1993 quasi-picture mirroring. here also signed, titled, and dated: maurer: raszterközi quasi-kép 1993 i bzw ii. here also designated. \n \n this work is designated under the number 281 in the inventory of the artist. an archive photo of the work is enclosed, signed and dated by the artist, 27 september 2015. the work was created by the artist as a triptych in 1983, but she discarded one element in 1993. it has thus existed as a diptych since 1993. \n \n provenance: \n - private collection austria (acquired 2015 directly from the artist) \n \n exhibitions: \n - galerie hoffmann, friedberg 1993 \n - kunsthalle szombathely, 1993 \n - tricolor, studio-galerie, warsaw 1994 \n - galerie vízivárosi, budapest 1994 \n - kleingalerie, pécs 1997 \n - ludwig museum, budapest 1997/98 \n - josef albers museum, bottrop 1998 \n - nationale kunstgalerie zacheta, warsaw 1998 \n - ungarisches kulturinstitut, stuttgart 2000 \n - varosi muveszeti muzeum, gyor 2001 \n - ludwig museum - museum of contemporary art, budapest 2008/09 \n \n literature: \n - ludwig museum (ed.): maurer dóra, budapest 2008, work no. 281, ill. \n - exhib.-cat. maurer dóra, munkák/arbeiten 1990-1997, kortárs mûvészeti múzeum/ludwig múzeum, budapest/josef albers museum, bottrop, 1997, p. 20 fn. 21, ill. \n - exhib.-cat. dóra maurer tibor gáyor, parallel oeuvres, varosi muveszeti muzeum, gyor 2001, p. 198, ill. \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n dora maurer hungary conceptual art post-war art post war 1980s colour installation acrylic on wood"},"estimateMax":350000,"lotNumber":"44","title":{"de":"dora maurer: quasi-picture and its mirroring (zwischenraster quasi-bild, schritt 103)","en":"dora maurer: quasi-picture and its mirroring (zwischenraster quasi-bild, schritt 103)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27743/view","tags":["daFineart_Paintings","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":200000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:25.996Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac250,000 - 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galerie denise rené/hans meyer, düsseldorf \n - unternehmenssammlung deutschland (1981 vom vorherigen erworben) \n \n literatur: \n - vgl. hunter, sam: chryssa, stuttgart 1974, s. 13; 68, abb. \n - vgl. restany, pierre: chryssa, new york 1977, s. 77/78; 94; 232/233, abb. \n \n \n - pionierarbeit in lichtkunst und urbaner ästhetik \n \n - bahnbrechende verwendung von reklame und beschilderung als zeichen des industriellen einflusses \n \n - klare strukturen und dynamische zusammensetzung hinterlassen eine offene botschaft \n \n \n meisterin der licht- und metallkunst \n die griechische künstlerin chryssa hat durch ihre innovative auseinandersetzung mit materialien und modernen medien die welt der bildenden kunst nachhaltig geprägt. sie ist eine der ersten ihrer zeit, die das neonlicht für ihre skulpturen und installationen als starke ausdrucksform nutzt. während elektrisch leuchtende röhren in den 1960er jahren als reklame dienen, reißt chryssa das leuchtmaterial aus dem alltäglichen leben und setzt es in eine neue dimension der künstlerischen formsprache. \n die 1933 in athen geborene künstlerin beginnt 1954 ein studium an der école des beaux-arts in paris, an der sie zunächst die techniken der klassischen malerei und bildhauerei erlernt. schnell verschlägt es sie aber in die new yorker kunstszene, die ihr durch die moderne industriegesellschaft die inspiration gibt, ihre arbeit mit technologischer ästhetik zu verbinden. chryssas innovativer künstlerischer ansatz nimmt erfolgreich die konzepte der pop-, konzept- und minimalismus-bewegung vorweg. ihre bahnbrechende verwendung von neon, stahl, und aluminium zusammen mit kommerziellen elementen der beschilderung leiten eine neue ära der kunstformen ein. \n \n \n die verschmelzung von mensch und maschine \n die monumentale skulptur \"automat\" von 1965 stammt aus der zeit, in der chryssa für ihre wuchtigen mechanischen arbeiten mit neon, aluminium, stahl und plexiglas bekannt wird. die neonarbeit stellt den einfluss der technologie auf den menschen dar und spiegelt das semiotische potenzial der sprache. durch die zusammensetzung von fragmenten der sprache wird hier bewusst eine offene botschaft hinterlassen, die den betrachter gedanklich an das werk fesselt. die klaren strukturen der kraftvoll leuchtenden neonröhren laden den betrachter durch ihre dynamische zusammensetzung dazu ein, sich ebenfalls dynamisch zum werk zu verhalten. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n chryssa griechenland minimalismus konzeptkunst zeitgenössische kunst objekte 1970er licht objekt mischtechnik formen","en":"chryssa \n athen 1933 - 2013 \n \n \n title: automat. \n \n date: 1974. \n \n technique: neon tubes in plexiglass box, electrified. \n \n measurement: 176 x 176 x 52cm. \n \n notation: typographically signed, dated, and titled on two, each plaques mounted on the side. \n \n frame/pedestal: pedestal: 38 x 176 x 52cm (total size: 214 x 176 x 52cm). \n \n provenance: \n - galerie denise rené/hans meyer, dusseldorf \n - company collection germany (acquired 1981 from previous owner) \n \n literature: \n - cf. hunter, sam: chryssa, stuttgart 1974, p. 13; 68, ill. \n - cf. restany, pierre: chryssa, new york 1977, p. 77/78; 94; 232/233, ill. \n \n \n - pioneering work in light art and urban aesthetics \n \n - groundbreaking use of advertising and signage as a sign of industrial influence \n \n - clear structure and dynamic composition leaving an open message \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n chryssa greece minimalism conceptual art contemporary art sculptures 1970s light object mixed media shapes"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"45","title":{"de":"chryssa: automat","en":"chryssa: automat"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27744/view","tags":["daFineart_Sculptures","daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":75000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.018Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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galerie im park, contemporary fine art, burgdorf \n - sammlung prof. dr. thomas olbricht, essen \n \n literatur: \n - firmenich, andrea: franz gertsch - holzschnitte, aus der natur gerissen, köln 2013, wvz.-nr. 30 \n \n \n - ausgewogene, statische komposition, die zugleich nähe und entrücktheit vermittelt \n \n - monumentaler holzschnitt in einzigartiger kräftig roter farbigkeit mit unikatcharakter \n \n - höchste druckkunst auf wertvollem kumohada mashi japanpapier \n \n schon während seiner ausbildung an privaten berner malschulen veröffentlicht franz gertsch bücher mit holzschnitten, die teilweise in zusammenhang mit eigenen gedichten stehen. die hinwendung zur zeichnung, zu collagen und aquarellen der frühen jahre verwirft gertsch jedoch unter dem einfluss der pop art anfang der 1960er jahre. fortan widmet er sich der malerei, die er ab 1969 unter verwendung von fotografischen vorlagen ausführt. mit hyperrealistischen gemälden von politischen sujets und portraits von familienmitgliedern und freunden sowie einschlägig bekannten protagonisten der kunstszene - darunter patti smith, die rolling stones oder urs lüthi, sowie der kreis um die exzentrische figur von luciano castelli - die er mittels diaprojektionen ausführt, erlangt er internationale bekanntheit. ins bild gesetzt sind meist flüchtige momente, deren alltägliche beiläufigkeit durch die extreme vergrößerung und malerische neuinterpretation in eine ausdruckstarke monumentalität von fast historischer aussagekraft kippt. \n \n \n nähe und distanz: das gemaltsein alltäglicher szenen \n dadurch befreite er zugleich seine motive von der emotionalen qualität eines schnappschusses. statt ihres unmittelbaren, intimen zugangs betont er das gemaltsein der szenen. tatsächlich lässt sich in der nahsicht der bis zu 6 meter großen formate ein annähernd pointillistisches verfahren erkennen, in dem farbpunkte kontrastreich interagieren und flirrende, beinahe psychedelische malerische effekte erzeugen. nachdem mit seinem beitrag zur documenta 5 in kassel 1972 sein internationaler durchbruch erfolgt ist, nimmt er 1978, 1999 und 2003 an der biennale in venedig teil. inspiriert von einer reise nach japan, widmet sich der künstler von 1986 bis 1995 ausschließlich dem holzschnitt. mit zeitgenössischen mitteln perfektioniert er dieses traditionelle medium, dessen möglichkeiten und auf naturphänomene konzentriertes motivspektrum wiederum seine malerei beeinflussen sollte, so dass er auch als meister des modernen holzschnitts gilt. \n obwohl der vorliegende großformatige holzschnitt das abbild eines jungen mädchens aus gertschs privatem umfeld erkennen lässt, tritt die persönliche nähe hinter der konzentration auf die technik zurück. mit äußerster handwerklicher präzision überträgt er das von jeglicher mimischen regung entleerte gesicht in ein system von so genannten lichtpunkten. \n \n \n diffus atmosphärisches portrait zwischen erscheinen und verschwinden \n für seine eigenhändig abgezogenen holzschnitte, allesamt unikate, werden druckstöcke aus verschiedenen holzarten gefertigt, sowie hochwertige pigmente und traditionell handgeschöpftes japanisches papier (washi) verwendet. dabei nutzt gertsch die eigenschaften des materials für die bildwirkung. so zeichnet sich die aus hanf und maulbeerbaum hergestellte papiersorte kumohada mashi durch eine dicke und robuste beschaffenheit aus, wodurch sie als trägermedium für japanische gemälde geeignet ist. die bezeichnung kumohada (wörtlich: wolkenoberfläche) verweist auf die besondere struktur der dicht verwobenen fasern in der papierbahn, die ähnlichkeit zur diffusen, luftigen erscheinung einer wolke aufweist. diese atmosphärische wirkung durchdringt gertschs darstellung von silvia. die ausgewogene, statische komposition vermittelt zugleich nähe und entrücktheit. die zarten konturen der frauenfigur mit entspannter haltung und ruhigem, auf den betrachtenden gerichteten blick, scheinen sich schemenhaft aus der monochrom gefassten fläche herauszubilden. die bildwirkung changiert zwischen erscheinen und verschwinden, zwischen einer sich schwach vom bildhintergrund abzeichnenden, beinahe geisterhaften ansicht und einer statuarisch modellierten gestalt. ferner ergibt sich durch den übernatürlich großen rahmen ein unmittelbarer, physisch überwältigender eindruck, während die neutralität des ausdrucks der dargestellten person eine kontemplative, nahezu realitätsferne ausstrahlung entfaltet, die an klassische portraits der renaissance erinnert. \n bettina haiss. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n franz gertsch schweiz hyperrealismus figurative malerei nachkriegskunst grafik 2000er rahmen porträt druckgrafik holzschnitt frau","en":"gertsch, franz \n 1930 mörigen/switzerland - 2022 riggisberg/switzerland \n \n \n title: silvia. \n \n date: 2002. \n \n technique: colour woodcut on kumohadamashi-japan by ivano heizaburo. \n \n depiction size: 192 x 176,5cm. \n \n sheet size: 245 x 217cm. \n \n notation: signed, inscribed and numbered. \n \n number: 8/21. \n \n frame: framed. \n \n each hand print of this woodcut is unique due to the colour selection. \n \n provenance: \n - galerie im park, contemporary fine art, burgdorf \n - collection of prof. dr. thomas olbricht, essen \n \n literature: \n - firmenich, andrea: franz gertsch - holzschnitte, aus der natur gerissen, cologne 2013, cat. rais. no. 30 \n \n \n - balanced, static composition that simultaneously conveys closeness and rapture \n \n - monumental woodcut in a unique strong red color with a unique character \n \n - highest printing art on valuable kumohada mashi japanese paper \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n franz gertsch switzerland hyperrealism figurative painting post-war art prints 2000s framed portrait print woodcut woman"},"estimateMax":180000,"lotNumber":"46","title":{"de":"franz gertsch: silvia","en":"franz gertsch: silvia"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27745/view","tags":["daFineart_PrintsandMultiples","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":96000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.024Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac120,000 - 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2009 new york \n \n \n titel: wrapped reichstag (project for berlin). 2-teilig. \n \n datierung: 1994. \n \n technik: kreide, fotos und stoff collagiert auf karton. \n \n montierung: auf holz montiert. \n \n maße: oberes panel: 38 x 244cm; unteres panel: 106,5 x 244cm. \n \n bezeichnung: signiert und datiert auf dem oberen panel: christo 1994. zudem jeweils am rand mit zusätzlichen projektangaben versehen. verso jeweils mit dem copyright des künstlers versehen sowie datiert und mit hängeanleitung. \n \n rahmen/sockel: im originalen plexiglasrahmen. \n \n dem werk liegt ein signierter brief von christo und jeanne-claude bei. \n \n die arbeit ist bei der christo and jeanne-claude foundation, new york, verzeichnet. wir danken herrn matthias koddenberg für die freundliche, wissenschaftliche unterstützung. \n \n provenienz: \n - bremer landesbank (1995 direkt vom künstler erworben) \n \n literatur: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (hrsg.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, köln 2019, s. 47, abb. \n \n \n - \"wrapped reichstag\" gehört zu den hauptwerken des künstlerpaares \n \n - das großformatige 2-teilige werk zeugt von der akribischen und einzigartigen arbeitsweise des duos \n \n \n die kunst des verhüllens \n das kongeniale künstlerpaar christo und jeanne-claude setzt im laufe seiner jahrzehnte währenden zusammenarbeit zahlreiche großprojekte gemeinsam um. schon zu beginn seiner künstlerischen laufbahn, während der zeit in paris, entwickelt christo die grundlagen für das spätere arbeitsprinzip des verhüllens. unter dem einfluss von marcel duchamp und französischer kunstströmungen wie dem surrealismus bzw. der gruppe \"nouveau réalisme\", die gefundene alltagsgegenstände zum kunstobjekt erklären oder diese in ihre kunstwerke integrieren, verhüllt christo schon 1958 alltägliche dinge mit stoff oder durchsichtigem kunststoff und verschnürt sie. \n in paris lernt er auch über einen porträtauftrag der mutter jeanne-claudes seine partnerin kennen, die zur engen beraterin und genialen organisatorin avanciert. die größenverhältnisse der frühen kunstwerke sind zunächst noch überschaubar, aber schon 1961 beginnt der künstler seine arbeiten in völlig neue dimensionen zu überführen. dabei kristallisieren sich zwei stränge heraus: zum einen die verhüllung von architekturen, zum anderen direkte eingriffe in die landschaft und den öffentlichen raum. alle projekte in der folge werden von christo und jeanne-claude in künstlerischer freiheit, unabhängig von sponsorengeldern, allein durch den verkauf von zeichnungen, collagen, grafiken und fotos finanziert, die jahre vor der realisierung entstehen. die projekte selbst sind von ephemerer natur und haben nur eine begrenzte laufzeit, bevor sie wieder zurückgebaut werden. dennoch erlangen sie eine große öffentlichkeit und hinterlassen einen bleibenden eindruck im kollektiven, gesellschaftlichen gedächtnis weltweit. die medienwirksamen inszenierungen sowie die einem happening ähnelnden aufbauphasen tragen dazu bei. \n \n \n das wunschprojekt reichstag \n der verhüllte reichstag zählt bis heute zu den bedeutendsten projekten des künstlerpaares. im rahmen des projektes, dessen realisierung von der initialgebenden idee durch den amerikanischen historiker und journalisten michael s. cullen bis zur genehmigung und umsetzung fast ein vierteljahrhundert dauert (1971-1995), wird das reichstaggebäude in berlin vom 24. juni bis 07. juli 1995 vollständig mit aluminiumbedampftem polypropylengewebe verhüllt. mit rund 5 millionen besucherinnen und besuchern zählt das projekt bis heute zu den spektakulärsten kunstwerken im öffentlichen raum. \n in einem interview aus dem jahr 1995 beschreibt christo sein besonderes interesse an dem gebäude: \"ich hatte schon früh eine sehr persönliche beziehung zum reichstag, weil ich aus osteuropa stamme. ich entkam dem kommunismus in den späten 50er jahren, und für mich war die beziehung zum westen immer etwas besonderes. hätte es keinen kalten krieg gegeben, wäre ich wahrscheinlich nicht hier, sondern noch in meiner heimat bulgarien. berlin war schon damals für künstler und architekten der dramatischste ort der welt, an dem sich ost und west treffen.\" (christo in einem interview zit. nach braun, markus/braun, matthias (hrsg.): copernicus - ansichten aus wissenschaft, politik, \"project wrapped reichstag - unwrapped\", berlin 1995, o.s.). \n \n \n erinnerungen an vergängliches \n zwei wochen lang bleibt schließlich das reichstagsgebäude mit aluminiumbedampftem polypropylengewebe und blauen polypropylenseilen \"verpackt\". diese zeitliche begrenzung der betrachtung und des erlebens, die für all ihre arbeiten im freien besteht, ist werkimmanent. \"mit der zeitlichen begrenzung fordern wir die unvergänglichkeit heraus. kunst im allgemeinen ist unsterblich. in unseren arbeiten hingegen steckt auch abwesenheit und vergessen. man wird unsere werke morgen vermissen, deshalb ist es so dringend, daß sie gesehen werden. diese zerbrechlichkeit und verletzbarkeit wird durch den stoff ausgedrückt. die hüllen geben dem werk seine nomadische qualität. wie nomaden arbeiten wir im freien. die verwandlung muss für sehr kurze zeit sein, denn verwandlung ist etwas vorübergehendes, man kann sich nicht daran gewöhnen. zum schluß steckt in jedem projekt natürlich ein stück freiheit: niemand kann es sich kaufen, niemand kann es kontrollieren, und niemand es besitzen.\" (ebd.) \n von der kurzzeitigen verwandlung bleiben schließlich u.a. collagen zurück, für welche die hier vorliegende außergewöhnlich großformatige, 2-teilige arbeit ein wunderbares beispiel ist. sie stammt aus dem jahr 1994, dem jahr, indem der bundestag nach langanhaltenden debatten und zahlreichen besuchen des künstlerpaares die zustimmung zur umsetzung gab. die arbeit ist ein spektakuläres beispiel der akribischen und einzigartigen arbeitsweise von christo und jeanne-claude und kombiniert wie gewohnt im oberen element eine topographische darstellung der räumlichen gegebenheit mit einer beeindruckenden zeichnerischen und collagierten umsetzung des projektes im unteren element. sie führt uns vor augen, was einst im großen zu sehen war: der stoff, der sich wie eine haut um den reichstag schmiegt und das üppige fließen seiner vertikalen falten, das die bestandteile und proportionen des bauwerkes und dessen wesentlichen merkmale herausstellen. und noch einmal erzählt die subtile verhüllung von der schönheit und aussagekraft eines bauwerkes, das bedeutende geschichte in sich trägt. so bleibt das vergängliche doch in erinnerung und gerät nicht in vergessenheit. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n das lot wird regelbesteuert verkauft (versteigerungsbedingungen §v5.1) \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n christo und jeanne-claude usa nouveau réalisme aktionskunst nachkriegskunst unikate 1990er im originalen plexiglasrahmen architektur collage mischtechnik konzept","en":"christo and jeanne-claude \n 1935 gabrovo - 2020 new york / 1935 casablanca - 2009 new york \n \n \n title: wrapped reichstag (project for berlin). 2-part. \n \n date: 1994. \n \n technique: chalk, photos, and fabric collaged on card. \n \n mounting: mounted on wood. \n \n measurement: upper panel: 38 x 244cm; lower panel: 106,5 x 244cm. \n \n notation: signed and dated on the upper panel: christo 1994. also provided with additional project details in the margin. verso each with the copyright of the artist as well. \n \n frame/pedestal: in original plexiglass frame. \n \n the work is enclosed in a signed letter from christo und jeanne-claude. \n \n the work is registered with the christo and jeanne-claude foundation, new york. we thank mr. matthias koddenberg for his friendly, scholarly support. \n \n provenance: \n - bremer landesbank (acquired 1995 directly from the artist) \n \n literature: \n - lohmüller, matina/ schmidt, sabine maria (ed.): augenblicke. zeitgenössische kunst der norddeutschen landesbank, cologne 2019, p. 47, ill. \n \n \n - \"wrapped reichstag\" belongs to the main work of the artist pair \n \n - the large-format 2-part work testifies to the duo's meticulous and unique way of working \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n this lot will be sold under standard taxation (condition of sale §v5.1) \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n christo and jeanne-claude usa nouveau réalisme performance post-war art post war 1990s in original plexiglass frame architecture collage mixed media concept"},"estimateMax":120000,"lotNumber":"47","title":{"de":"christo und jeanne-claude: wrapped reichstag (project for berlin)","en":"christo and jeanne-claude: wrapped reichstag (project for berlin)"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27746/view","tags":["daFineart_MixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":64000,"soldPrice":170000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.030Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac80,000 - 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galerie burkhard eikelmann, düsseldorf \n - privatsammlung norddeutschland \n \n \n - teil der serie \"german monuments\", in der warhol deutsche wahrzeichen zu popkulturellen ikonen erhöht \n \n - seltenes motiv auf dem internationalen auktionsmarkt \n \n - in jahrzehntelangem besitz des bonner galeristen und warhol-vertrauten hermann wünsche \n \n \n andy warhol in deutschland \n die beziehung andy warhols zu deutschland beginnt schon früh bei einer ersten reise in den 1950er jahren. ab den 1970er jahren wird deutschland für ihn zu einem wichtigen künstlerischen und kommerziellen markt: warhol stellt regelmäßig in deutschen galerien aus und baut enge kontakte zu sammlern und galeristen auf. besonders die zusammenarbeit mit hans mayer in düsseldorf und hermann wünsche in bonn ist prägend. sie organisieren ausstellungen, begleiten editionen und bringen warhols werke gezielt ins bewusstsein deutscher sammler und museen. \n \n \n die \"german monuments\" \n in den 1980er jahren setzt sich warhol verstärkt mit deutscher kultureller identität und geschichte auseinander. er porträtiert deutsche persönlichkeiten wie beethoven, goethe, einstein oder beuys, wie einst hollywoods größen marylin monroe oder liz taylor. zu dieser zeit entsteht in zusammenarbeit mit hermann wünsche die idee für die \"german monuments\". als vorlage nutzt warhol fotografien seines freundes christopher makos des kölner doms, berliner reichstags, lübecker holstentors, schlosses drachenburg und des hier vorgestellten hamburger michels. die hauptkirche st. michaelis, im volksmund michel genannt, ist eines der bedeutendsten wahrzeichen norddeutschlands und ein symbol christlicher identität und hanseatischer tradition. als hermann wünsche das gemälde anfang der 1980er jahre in auftrag gibt, überträgt warhol die barockkirche in seine typische bildsprache. insgesamt entstehen vier variationen. das hier angebotene werk bleibt bis zu dessen tod in wünsches besitz. \n warhol reduziert den mächtigen bau auf ein paar linien und leuchtende farbflächen in rot, rosa und violett. der turm des michel erscheint bei warhol gleich vierfach, in unterschiedlicher ausführung und sich gegenseitig überlagernd, wodurch das jahrhundertealte bauwerk nahezu dynamisch wirkt. nicht nur durch den partiell eingesetzten diamantenstaub erstrahlt der michel in neuem glanz, in kombination mit den grellen farben erweckt warhol ihn zu neuem leben - er wird zu einer modernen ikone. farbliche überlagerungen und die wiederholung des motivs erzeugen eine eigentümliche ambivalenz: der michel wird sowohl gefeiert als auch transformiert. er verliert seine rein lokale verankerung und wird in warhols globaler bildwelt zu einem universellen zeichen für wandel, erinnerung und kulturelle projektion. warhol nimmt der hauptkirche ihre sakrale, ehrwürdige strenge. indem er sie wie ein pop-symbol behandelt, macht er sie zugänglicher und profaner. der michel ist durch die bildsprache warhols nicht mehr nur religiöses, deutsches bauwerk, sondern auch sinnbild einer globalen kultur. \n \n \n voraussichtliche versandkosten für dieses los: \n absprache nach der auktion. \n \n \n \n \n erläuterungen zum katalog \n \n \n andy warhol usa pop art fotografie nachkriegskunst unikate 1980er rahmen architektur gemälde mischtechnik kirche","en":"warhol, andy \n 1928 pittsburgh, pa/usa - 1987 new york \n \n \n title: hamburger michel. \n \n date: 1980s. \n \n technique: colour silkscreen diamond dust over acrylic on canvas. \n \n measurement: 125 x 105cm. \n \n notation: signed on the folded canvas verso upper left: andywarhol. \n \n provenance: \n - collection of hermann wünsche (direct from the artist) \n - galerie burkhard eikelmann, dusseldorf \n - private collection northern germany \n \n \n - part of the \u201cgerman monuments\u201d series, in which warhol elevates german landmarks to pop-cultural icons \n \n - rare motif on the international auction market \n \n - owned for decades by the gallery owner and warhol confidant hermann wünsche \n \n \n estimated shipping costs for this lot: \n arrangement after the auction. \n \n \n \n \n explanations to the catalogue \n \n \n andy warhol usa pop art photographs post-war art post war 1980s framed architecture painting mixed media church"},"estimateMax":240000,"lotNumber":"48","title":{"de":"andy warhol: hamburger michel","en":"andy warhol: hamburger michel"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/lotPage/vanham/source/catalog/auction/60255/lot/27747/view","tags":["daFineart_PaintingsandMixedMedia","daFineart","daFineart_all"],"directSalePrice":144000,"soldPrice":175000,"lastUpdate":"2026-07-09T14:28:26.036Z","textCase":"lower","estimate":"\u20ac180,000 - 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Vorbesichtigung: 30. Mai \u2013 2. Juni 2025<\/p> \n


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Freitag 10 bis 18 Uhr <\/p> \n

Samstag 10 bis 16 Uhr <\/p> \n

Sonntag 11 bis 16 Uhr <\/p> \n

Montag 10 bis 18 Uhr<\/p>","en":"

Preview: 30. May \u2013 2 June 2025<\/p> \n


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Friday: 10am-6pm<\/p> \n

Saturday: 10am-4pm<\/p> \n

Sunday: 11am-4pm<\/p> \n

Monday: 10am-6pm<\/p>"},"url":"https://da.bidspirit.com/ui/catalog/auction/vanham/60255","aiDescriptions":"none","lastUpdate":"2026-07-31T08:13:59.331Z","name":{"de":"Evening Sale, Modern, Post War & Contemporary","en":"Evening Sale, Modern, Post War & Contemporary"},"soldPricesHidden":false,"time":"18:00","endTime":"2025-06-04T17:10:42.778Z"},"house":{"country":"DE","feedUrl":"https://tools-bots.bidspirit.com/services/bots/houses/vanham","code":"vanham","address":{"de":"Hitzelerstr. 2, 50968 Köln","en":"Hitzelerstr. 2, 50968 Köln"},"name":{"de":"VAN HAM Kunstauktionen GmbH Co. KG","en":"VAN HAM Kunstauktionen GmbH Co. KG"},"region":"DA","url":"https://da.bidspirit.com/ui/houses/vanham"}}